JustMJ.ru

Светлана Захарова

Louise — Fri, 19 Jul 2013 19:03:01 GMT

Официальный сайт великой балерины: http://www.svetlana-zakharova.com/index_rus.html
Я называю её великой не для того, чтобы блеснуть пафосным словом, и не потому, что так принято называть выдающихся людей.
Посмотрите это видео, и вы сами всё поймёте.
"Откровение"

Новости хореографии

Louise — Fri, 19 Jul 2013 18:46:26 GMT

Американский балет в России
http://www.cultradio.ru/doc.html?id=384348&cid=44

Впервые за последние 45 лет Американский балетный театр прибыл на гастроли в Москву. Приезд знаменитой труппы организован в рамках Международного фестиваля Мстислава Ростроповича, который в минувшее воскресенье открылся в столице.

Высокопрофессиональный интернациональный коллектив АБТ пользуется заслуженной славой во всем мире. С момента основания в 1940 году театр провел более 30 международных гастрольных туров в 42 странах. Последний раз в России АБТ выступал в 1966 году. В программу АБТ вошли 4 одноактных балета. Самый знаменитый из них - "Матросы на берегу" на музыку Леонарда Бернстайна был поставлен Джеромом Роббинсом еще в 1944 году и по праву служит "визитной карточкой" АБТ. Не менее знаменит и балет "Тема с вариациями" на музыку Чайковского в хореографии Джорджа Баланчина, который также увидят москвичи. Будут и две "новинки". Балет "Семь нот" на музыку Скарлатти поставил в 2009 году в АБТ бывший худрук балета Большого театра Алексей Ратманский.

Сейчас он служит хореографом-резидентом в американской труппе, в этом качестве и прибыл в Москву, где состоится российская премьера его балета, созданного за океаном. Выступления АБТ продлятся в Большом театре три вечера подряд - с 29 по 31 марта.

Николай Цискаридзе

Louise — Fri, 19 Jul 2013 17:56:47 GMT

Николай Максимович Цискаридзе

(род. 31 декабря 1973(19731231), Тбилиси) — российский артист балета, премьер Большого театра, народный артист России (2001)
http://ru.wikipedia.org/wiki
В 1984 году он поступил в Тбилисское хореографическое училище, а с 1987 г. продолжил свое обучение в Московском академическом хореографическом училище по классу профессора П. А. Пестова.
Уже в школьные годы Н. Цискаридзе станцевал такие труднейшие произведения как «Классическое па-де-де» В.Гзовского, па-де-де из балета «Фестиваль цветов в Джензано» А.Бурнонвиля и ряд других произведений.
По окончании МАХУ в 1992 г., по приглашению Ю. Н. Григоровича, Н. Цискаридзе был сразу принят в труппу Большого театра России, где быстро занял положение ведущего солиста, а затем премьера.
Одновременно он продолжал свое образование в Московском государственном хореографическом институте, который окончил в 1996 году.
Он начинал готовить свои первые роли с Г. С. Улановой и Н. Р. Симачевым, а далее занимался с М. Т. Семеновой и Н. Б. Фадеечевым.
В Большом театре Цискаридзе, как и полагается начинающим артистам, станцевал почти весь кордебалетный репертуар, а потом стал исполнять небольшие, но достаточно сложные партии: Французскую куклу в «Щелкунчике», Конферансье в «Золотом веке», Юношу в «Шопениане», Голубую птицу в «Спящей красавице» и др. Вскоре ему стали поручать ведущие партии во всех основных спектаклях классического репертуара: в «Лебедином озере», «Щелкунчике» и «Спящей красавице», в «Раймонде» и «Баядерке», в «Сильфиде» и «Жизели», а также в современных балетах: «Любовью за любовь», «Паганини», «Симфония до мажор». Ролан Пети специально на Цискаридзе создал роль Германна в «Пиковой даме», поставленной на сцене ГАБТ.
Кроме того, в репертуаре Цискаридзе есть небольшие одноактные балеты и танцевальные номера, которые он с успехом исполняет как на сцене театра, так и в концертах и на гастролях: «Видение Розы» в постановке М. Фокина, «Нарцисс» в постановке К. Голейзовского, «Кармен. Соло» в постановке Р.Пети, "Падший ангел", поставленный специально для него Борисом Эйфманом.
Н.Цискаридзе был участником первых трёх программ танцевального проекта Короли танца»(Kings of the Dance, 2006-2009). Много гастролирует по всему миру, имеет многочисленные звания и награды. Живёт и работает в Москве.
Участвует в телевизионном шоу «Танцы со звёздами» на телеканале «Россия» в качестве постоянного члена жюри танцевального конкурса. Является постоянным ведущим программы «Шедевры мирового музыкального театра» на телеканале «Культура».
Занимается педагогической деятельностью в МГАХ и в Большом театре, где постоянно ведёт хореографический класс.
Мать — Цискаридзе Ламара Николаевна, преподаватель математики и физики в средней школе.
Сыгранные роли

[b]обе главные мужские роли попеременно: принца Зигфрида и Злого гения в «Лебедином озере» П. И. Чайковского в постановке Ю. Н. Григоровича (2001)
Ферхад в «Легенде о любви» А. Меликова в постановке Ю. Н. Григоровича (2002)
Король в «Лебедином озере» В. Васильева (1996)
Таор в «Дочери фараона» П. Лакотта
Злой гений в балете «Лебединое озеро» 2001, Большой театр, Москва
Германн в балете «Пиковая дама» (на музыку Шестой симфонии П. И. Чайковского), поставленном в Большом театре в 2002 году французским балетмейстером Роланом Пети.
Юноша в балете «Юноша и смерть» Р. Пети, (2003)
Солор в «Баядерке» (Мариинский театр, 2003)
Квазимодо в балете «Собор Парижской Богоматери» в постановке Р. Пети (музыка M. Жарра, либретто самого балетмейстера по одноименному роману В. Гюго) (ГАБТ, 2003)
Фея Карабос в «Спящей красавице» (ГАБТ, 2004)
Тезей/Оберон в балете «Сон в летнюю ночь» Д. Нормайера (ГАБТ, 2004)
Хореографическая партия Смерти в российской версии мюзикла «Roméo & Juliette» («Московская оперетта», 2004—2006)
Синий бог в одноимённом балете, антреприза Фонда М. Лиепы (2005)
Полифем в одноимённом спектакле Московского театра «Тень» (2005)
Фавн в миниатюре «Послеполуденный отдых Фавна» В.Нижинского, антреприза Фонда М.Лиепы (2007)
Конрад в «Корсаре» в хореографической редакции А.Ратманского и Ю.Бурлаки (2007)
Учитель в "Уроке" Ф.Флиндта (2007)
Люсьен д'Эрвильи в Grand Pas Classique из балета "Пахита" в редакции Ю.Бурлаки (2010)

Звания
1997 г. — Заслуженный артист Российской Федерации
2000 г. — Член Союза театральных деятелей России
2001 и 2003 г. — Лауреат Государственной премии России за исполнение главных ролей в спектаклях «Спящая красавица», «Жизель», «Баядерка», «Раймонда», «Пиковая дама»
2001 г. — Народный артист Российской Федерации

Награды
1995 г. — Серебряная медаль на VII Международном конкурсе артистов балета в г. Осака, Япония
1995 г. — Приз журнала «Балет» «Душа танца» по номинации «Восходящая звезда»
1997 г. — Первая премия и Золотая медаль на VIII Международном конкурсе артистов балета в Москве и Персональный приз Питера ван дер Слота «За сохранение традиций русского классического балета»
1997 г. — Диплом общества любителей балета «Сильфиды» — «Лучший танцовщик 1997 г.»
1997 г. — Национальная театральная премия «Золотая Маска» по номинации «Лучшая мужская роль»
1999 г. — Приз «Бенуа де ля данс» по номинации «Лучший танцовщик года»
2000 г. — Национальная театральная премия «Золотая Маска» по номинации «Лучшая мужская роль»
2000 г. — Премия Мэрии Москвы в области литературы и искусства
2001 г. — Звание «Народный артист Российской Федерации»
2001 г. — Лауреат Государственной премии России
2002 г. — Премия «Danza & Danza» в номинации «Best etoile 2002», Италия
2003 г. — Национальная театральная премия «Золотая Маска» по номинации «Лучшая мужская роль» за партию Германна в балете «Пиковая дама»
2003 г. — Орден чести Грузии
2003 г. — Премия «Триумф»
2003 г. — Лауреат Государственной премии России
2006 г. — Кавалер французского Ордена искусств и литературы
2006 г. — Международная премия мира Объединенной культурной конвенции США "За выдающиеся личные достижения на благо мирового сообщества".

Фильмография
1998 — «Николай Цискаридзе. Быть звездой...» — документальный фильм, 1998 г., 26 мин., режиссер Никита Тихонов

Lombard Twins / Мартин и Факундо Ломбард

Faith — Sat, 30 Mar 2013 19:34:34 GMT

Lombard Twins (Мартин и Факундо Ломбард) (англ. Martin Lombard / Facundo Lombard; род. 7 июля 1977, Буэнос-Айрес, Аргентина) — аргентинские танцоры, актёры, продюсеры, сценаристы, режиссёры, братья-близнецы.

Наиболее известны в роли близнецов Сантьяго в фильме «Шаг вперед 3D».
Мартин и Факундо Ломбард родились 7 июля 1977 года в Буэнос-Айрес, Аргентина. Начали танцевать в 7 лет. Их вдохновил один великий танцор-Майкл Джексон. В 13 лет они сделали свой сенсационный дебют ТВ в самых популярных шоу в Аргентине, Rhythm Of The Night. В подростковом возрасте начали изучать другие искусства, кроме танцев. как, музыку, актерское мастерство, сценарий и режиссура. В 20 лет близнецы Ломбард исполнили свою мечту, они встретили Джеймса Брауна во время концерта в Буэнос-Айрес. В возрасте 21 года, с четырьмя сотнями долларов в кармане они переехали в New-York. Они жили на 15 долларов в неделю. Они также продолжают выступать с Джеймсом Брауном. В 2001 году, после двух с половиной лет в Нью-Йорке, они вернулись в Аргентину, где сосредоточились на работе над кинопроектором. Так же преподавали танцы и занимались классической музыкой. Кроме того, они провели ТВ-шоу на MTV в Южной Америке. В то же время они выступали за Luis Vuitton в Таиланде, Филиппинах и в Корее. В 2006 году близнецы Ломбард вернулись в Нью-Йорк, где дали концерт "LOMBARD PLAY PIAZZOLLA". Они создали короткометражный фильм "INFANCIA 34" , танцевальную сцену "SUBLEVADOS", которая была показана на различных кинофестивалях и ещё один короткометражный фильм "СВОБОДА СЛОВА", к которому организовали оригинальную музыку. Близнецы Ломбард сыграли близнецов Сантьяго в фильме Джона Чу "STEP UP". Так же снимались в Аргентинском фильме "MARZIANO" На протяжении многих лет Ломбард Близнецы разрабатывали их свободные движения, танец, основанный на эмоциях, чтобы иметь возможность свободно выражать свое мнение. Вне всяких правил, традиций или отношение, которое исходит от любого танцевального стиля. СВОБОДА СЛОВА также их философия в искусстве и жизни.

Фильмография:
2004 Mi hermano
2005 Vuelo de libertad
2009 Sublevados
2010 Шаг вперёд 3D
2010 Los Marziano

Мартин на фейсбуке
Факундо там же

Фигурное катание

Louise — Wed, 07 Nov 2012 03:46:01 GMT

Фигурное катание

Что же это: спорт или искусство? Многие спорят. А надо ли?
В фигурном катании соединились безграничные возможности человеческой силы - физической, духовной, творческой.
Безусловно, это спорт.
Но сколько видов искусства переплелось в этом удивительном действе!

- Хореография
- Катание на коньках
- Художественное творчество, дизайн (костюмы, свет, грим...)
- Музыка (неотъемлемая часть каждого номера)
- Кинематограф (часто фигуристы берут за основу номера сюжет кинофильма)
и т.д.

А сколько жанров и стилей несёт с собой фигурное катание! Из Википедии:

Спортивные танцы на льду — дисциплина фигурного катания. Олимпийский вид спорта, включен в программу игр с 1976 года.

При сравнении танцев на льду и парного фигурного катания можно понять, что отличие состоит в том, что в танцах запрещены такие элементы как выбросы, поддержки партнерши выше головы партнера, подкрутки, и другие так называемые «акробатические» элементы.

История
Спортивные танцы на льду появились в конце 1940-х в Великобритании, а затем получили распространение по всему миру. В 1952 году спортивные танцы были включены в программу чемпионатов мира и Европы. В течение 10 лет на всех крупных международных состязаниях побеждали фигуристы Великобритании. В 1962 году победили представители новой школы спортивных танцев — чехословацкие фигуристы Ева Романова и Павел Роман. Эта пара побеждала на протяжении четырех лет.

Впервые танцы на льду были представлены на XII зимних Олимпийских играх 1976 года в австрийском Инсбруке. Первыми в истории олимпийскими чемпионами стали фигуристы СССР Людмила Пахомова и Александр Горшков. Все последующие годы борьба за лидерство в танцах на льду шла практически только между русскими фигуристами.

Обязательные элементы и структура соревнований
Для танцевальных дуэтов список обязательных элементов появился только в 1999 году. В настоящий момент танцоры исполняют дорожки шагов, серии твизлов, поддержки и танцевальные вращения.[2]

Соревнования по спортивным танцам на льду, начиная с сезона 2010—11, состоят из двух программ.

1.Короткий танец. На весь сезон задаётся танец. Пара обязана выполнить один-два круга этого танца и какую-либо собственную заготовку, подходящую по характеру к этому танцу. 24 лучших пары допускаются к произвольному танцу.
2.Произвольный танец. В произвольном танце содержатся такие элементы, как поддержки, вращения, арабески, спирали, шаги и др., связанные в единое целое. Музыку к произвольному танцу выбирают спортсмены с тренерами и хореографами.
Победителем объявляется пара, которая по сумме двух танцев набирает больше всего очков.

До сезона 2009—10 включительно выступления состояли из трёх танцев: обязательного, оригинального и произвольного.

Соревнования низкого уровня (региональные, любительские и т. д.) могут проходить и по другой схеме: обязательный — короткий — произвольный или обязательный — произвольный.

Обязательные элементы

Дорожка шагов, которая должна иметь и «двуногую», и «одноногую» часть.
Твизлы — вращения в движении на одной ноге.
Танцевальные поддержки — на небольшой высоте в экзотических позах.

Запрещённые элементы

«Спортивные» поддержки выше головы.
Прыжки более чем в один оборот.
Однооборотные прыжки, выполненные обоими партнёрами одновременно.
Явно выраженный разбег снижает оценку за танец; партнёры должны поддерживать скорость танцевальными шагами.
Длительная езда поодиночке.

Алла Духова

Gia — Fri, 20 Jul 2012 14:12:50 GMT

Алла Духова

Биография

Алла Духова родилась в селе Коса Коми-Пермяцкого автономного округа. Через год семья переехала в Ригу. С детства она проявляла необычайную способность к танцам. В 11 лет Алла Владимировна пришла в ансамбль народных танцев «Ивушка», ее успех рос, и, несмотря на малый возраст, она во многом превосходила других, более взрослых ребят.

Когда Алла была в 10 классе, в Ригу приехал цирк. Она подружилась с дочерью главного дрессировщика, и та, пораженная ее способностями, предложила ей работать у них в аттракционе. Она согласилась и вслед за цирком приехала в Кишинев. Ее карьера росла, она участвовала в представлениях, но всего через месяц после приезда Алла получила серьезную травму — сложный перелом лодыжки. Цирковая карьера была закончена.

Алла устроилась на работу дворником а параллельно — экспедитором на завод по производству мопедов. Ей было всего 16 лет. Через полгода она устроилась педагогом в пионерский лагерь, где учила детей танцам. Наконец Аллу пригласили работать в Дом Культуры. Она собрала целый коллектив из родственников и друзей. Основным течением их танцев был брейк. Несколько раз ee коллектив, названный «Эксперимент», выступал на местных фестивалях и занимал первые места. Выступая в разных местах, Алла Духова начала зарабатывать достаточно денег, чтобы отказаться от работы на заводе. Вместе с коллективом она путешествовала и выступала в разных местах, пока наконец в Паланге не познакомилась с мужским коллективом уличных брейкеров из Санкт-Петербурга, называвших себя «Тодос».

В Санкт-Петербурге, в концертном зале «Октябрьский» на брейк-фестивале коллективы «Эксперимент» и «Тодос» выступили вместе. Они назвали себя «Тодес», объединив названия.

Шоу-балет «TODES»

День создания танцевального коллектива «Тодес» — 8 марта 1987 года. Именно в этот день коллектив Аллы Духовой(ее сестра Дина Духова, Ивона Кончевска, Марина Лицова, Лена Шлык) объединился с уличными брейк-дансерами, среди которых были Вячеслав Игнатьев, Роман Маслюков, Сергей Вороноков, Андрей Гавриленко, Геннадий Ильин. Вместе они организовали свой собственный гастрольный тур и путешествовали по городам, укрепляя успех. Вначале Алла совмещала обязанности танцора и организатора, но позже полностью взяла на себя руководство.

«Тодес» начал выступать вместе с эстрадными певцами, первым из которых стал Сергей Крылов. Популярность балета росла с каждым днем. После отъезда из Северной Осетии коллектив приехал в общежитие в Люберцы. Затем их отправили на гастроли в Челябинск, где они выступали вместе с такими звездами, как София Ротару и группа «Браво». София Ротару предложила «Тодесу» присоединиться к ней, и 5 лет они работали вместе. На празднование пятилетия «Тодеса» был устроен концерт, в котором участвовали Филипп Киркоров, Александр Буйнов, Татьяна Буланова. В дальнейшем они работали совместно с такими знаменитостями, как Валерий Меладзе, Кристина Орбакайте, Лариса Долина, Владимир Пресняков, Алла Пугачёва. Тодес участвовал в таких мероприятиях, как премии «Золотой граммофон», «Юрмала», «Новая волна».

Тем временем балет расширялся и охватывал собой новые страны. В Монте-Карло на премии Music Awards Тодес выступал вместе с Риком Мартином и Мэрайей Кэри, а два раза танцевал на одной сцене с Майклом Джексоном.

Первая школа-студия «Тодес» была открыта в Лефортово. Сейчас во многих городах существуют такие студии, а большинство из 150 человек основного состава «Тодес» — бывшие ученики этих студий.

Многие из учеников «Тодес» теперь знаменитые исполнители, такие как Влад Соколовский из группы БИС, певица Ангина, ВИА Сливки, а профессиональные балеты звезд почти полностью состоят из танцоров «Тодес».

В 2007 году «Тодес» отметил двадцатилетие. Алла Духова является основателем балета международного уровня. Теперь «Тодес» выступают по всему миру, во многих городах есть школы-студии. Также «Тодес» открыл свой салон красоты и выпускает специальную линию одежды.

Обучающее видео по хореографии Майкла Джексона

Louise — Sun, 20 May 2012 14:32:03 GMT

Здесь можно найти несколько видеороликов, обучающих танцам BAD, SMOOTH CRIMINAL, BEAT IT и т.д.
http://www.alliance.zp.ua/michael-jackson-bad-tutorial/

София Бутелла / Sofia Boutella

Kat — Sun, 06 May 2012 07:31:58 GMT

Девушка родилась 3 апреля 1982(19820403) года в Алжире. Её отец — известный композитор Сафи Бутелла. Танцевать она начала ещё в раннем возрасте. Сначала занималась классической хореографией на родине, потом, когда ей исполнилось 10 лет, её семья переехала во Францию, где София увлеклась спортивной гимнастикой и даже приняла участие в чемпионате Франции. В 17 лет она стала обучаться в спортивной школе, затем решила попробовать себя в хип-хопе, и, как показало время, это решение было верным. Её физические данные быстро позволили ей выиграть несколько баттлов (соревнований) по хип-хопу. Дальше всё развивалось довольно быстро: Софии удалось поработать с известным хореографом Бьянкой Ли (среди её работ постановка хореографии для клипа Daft Punk «Around the world») и сняться в фильме «Le defi» (2002 год). Затем последовали ещё две небольшие роли в «Permis d’amier» и «Les Cordier, juge et flic». Но настоящий успех пришёл позже, когда люди из Найка (Nike) заметили Софию. Она прошла кастинг и стала лицом Nikewoman. Девушка много старалась и упорно работала, и теперь она стала сенсацией. После рекламного ролика Nikewoman 2005 все заговорили о ней. София работала с известнейшим голливудским хореографом Джейми Кингом для знаменитых видео RockStar Workout и объездила почти всю Европу. С тех пор она является танцовщицей Мадонны, вы можете увидеть её в таких видео как «Hung up» и «Sorry». Также она работала с Рианной, Мэрайей Кери и многими другими знаменитостями.

Так же, София снялась в клипе " Hollywood Tonight" Майкла Джексона ссылка http://www.justmj.ru/forum/4-932-30

Пантомима

Louise — Thu, 12 Jan 2012 18:53:41 GMT

ПАНТОМИМА

ПАНТОМИМА (Рantomimos в переводе с древнегреческого: тот, кто изображает все), искусство создания образа с помощью мимики и пластики, театральное представление без слов.

Истоки пантомимы восходят к языческим религиозным ритуалам, к искусству древнегреческих мимов. Как вид театра появилась в Римской империи в эпоху Августа (27–14 до н.э.) В средневековье пантомима была запрещена церковью, но продолжала жить в искусстве странствующих мимов, гистрионов, жонглеров, скоморохов и менестрелей. Расцвела в 16–18 вв. в импровизационной комедии дель арте, театре бродячих итальянских актеров, которые включали в представление бессловесную интермедию. Первой пантомимой стала бытовая (любовная) мелодрама, арлекинада. В 18–19 вв. арлекинада превратилась в излюбленный жанр французского балаганного театра.

В театре нового времени пантомима впервые появилась в виде театрализованного балета (пантомима Д.Уивера в театре «Друри-Лейн» в Лондоне, 1702). В течение 18 в. существовала в театрах в качестве интермедий в антрактах трагедий и комедий, став предтечей водевиля. В 1750 пантомима стала составной частью драматического балета Ж.Ж.Новера.

Этапным в развитии пантомимы стало творчество Ж.Г.Б.Дебюро в парижском театре «Фонамбюль» (1819), когда он вывел на подмостки Пьеро, и Пьеро стал классическим персонажем пантомимы, а Дебюро положил начало лирической поэтической пантомиме.

В конце 19 в. пантомима развивается в европейских мюзик-холлах и театрах миниатюр как отдельные эстрадные номера. В 20 в. зародилась марсельская школа пантомимы во главе с Л.Руффом. В Англии в труппе Ф.Карно впервые выступил Ч.Чаплин. В Германии пантомимой занимался М.Рейнхардт.

Взлет пантомимы во второй половине 1950-х связан с появлением беспредметной пантомимы на основе наследия Дебюро. В 1933 Ж-Л.Барро стал использовать пластику как самодостаточный язык. М.Марсо (1923–2007) изобрел маску клоуна Бипа. Современный мим в совершенстве владеет телом и знает язык балета, он акробат, жонглер, драматический артист. Он философ: его искусство мимики и жеста обладает широтой обобщения, богатством ассоциаций и оттенков настроения (Лошадь Барро, В мастерской масок Марсо).

Виды пантомимы: танцевальная (произошла из культуры первобытного общества, сохранилась в плясках многих народов);

классическая – из зрелищ древней Греции и Рима, соединяет действие, музыку, стихи;

акробатическая (пришла из восточного театра, сочетается с прыжками, жонглированием);

эксцентрическая (строится на комической ситуации с использованием гротескового реквизита).

Два последних вида пантомимы активно используются в цирке, существуют также такие виды цирковых пантомим как батальная, зоопантомима, приключенческая и водяная феерия со сценическими эффектами и массовыми сценами. Пантомимы со спецэффектами и массовыми сценами – высшее достижение манежного искусства, всегда становятся событием в цирке (Октябрь на арене (1927), Москва горит (1930), Выстрел в пещере (1954), Конный ансамбль донских казаков (1947), Медвежий цирк В.Филатова (1957), Бумбараш (1977)).

Жанры пантомимы: Пантомиме подвластно все: трагедия, драма, новелла, памфлет, сказка, миф, поэма, эстрадная миниатюра. Это может быть пантомима одного актера или коллектива мимов. Лаконичному, метафоричному искусству пластики доступна та же глубина философского обобщения, то же богатство красок и полутонов, которым обладает искусство драматическое.

В России истоками пантомимы стали святки, масленница, различные обряды (сватовство), а также, как и в Европе, балаганные ярмарочные театры и клоунада.

С 1910-х в творчестве режиссеров модерна возникла драматическая пантомима (К.Маржданов Слезы, Н.Евреинов Кривое зеркало, В.Мейерхольд Шарф Коломбины, А.Таиров Покрывало Пьеретты, Ящик с игрушками). Традиции пантомимы театра дель арте эстетически переосмысливались и стилизовались с позиций режиссерского театра, сопровождались музыкой, чтением стихов, хореографией. В 1930–1940-х развитие пантомимы в России замедлилось, культивировался приоритет слова, как искусства, более понятного массам. Даже в цирках мимов заменили говорящие клоуны. Зато значительное место в те же годы пантомима стала занимать в балете. Возникли драмбалеты, хореодрамы Л.Лавровского, Р.Захарова, в которых чистая танцевальность была вытеснена пантомимой.

Традиции пантомимы сохранились в творчестве актера Камерного театра А.Румнева, актеров П.Алексеева, А.Райкина, К.Райкина, мимов С.Каштеляна, Н.Павловского, Р.Славского.

Подъем пантомимы во второй половине 1950-х связан со знакомством русской публики с искусством беспредметной пантомимы Декру, Барро, Марсо, а также с творчеством Дебюро, о котором советские зрители узнали из фильма М.Карне Дети райка (1944). Появились такие произведения русского пантомимического жанра, как Жемчужина А.Румнева, Звездный дождь Л.Енгибарова, Бумажный солдатик и Причуды мима А.Жеромского.

И на Западе, и в России существуют два типа пантомимы – с участием одного актера (Л.Енгибаров, А.Елизаров, А.Жеромский, бывшие «лицедеи»: Р.Городецкий, Петербург, Н.Терентьев, Чикаго, С.Шашелев/Чора, Л.Лейкин и В.Кефт, США) и пантомима театральная с коллективом актеров, декорациями, сценарием (Экспериментальный театр-студия под руководством А.Румнева, Московский театр мимики и жеста Всероссийского общества глухонемых под руководством П.А.Савельева, Московский театр пластической драмы ОКТАЭДР под руководством Г.Мацкявичуса., клоун-мим театр «Лицедеи», Театр В.Полунина, театр бывшего «лицедея» А.Адасинского «Дерево», Дрезден).

Пантомима существует и в виде отдельных номеров на эстраде (В.Арьков, Э.Коновалов, И.Рутберг, А.Чернова и Ю.Медведев, пластический дуэт, создавший в Театре на Таганке спектакль по песням Б.Окуджавы Работа есть работа, С.Власова и О.Школьников, Б.Амарантов, Н.и О.Кирюшкины).
Елена Ярошевич, http://www.krugosvet.ru/enc....age=0,1

Пола Абдул

Louise — Mon, 09 Jan 2012 22:56:50 GMT

Пола Абдул

Родилась: 19 июня 1962 , США, Калифорния
http://www.vokrug.tv/person/show/Paula_Abdul/
Популярная американская певица, танцовщица и хореограф.

Пола Джули Абдул (Paula Julie Abdul) родилась 19 июня 1962 года в калифорнийской долине Сан-Фернандо. Ее отец занимался продажей скота, а позже стал владельцем компании по торговле песком и гравием. Мать Полы – пианистка Лорейн Райкис, работавшая ассистенткой известного американского режиссёра Билли Уайлдера. Родители певицы развелись в 1969 году и Пола и ее сестры воспитывалась матерью.

Своей яркой и оригинальной внешностью Пола обязана смеси различных национальностей: ее отец был сирийцем из Бразилии, а мать – франко-канадской еврейкой с русскими корнями.
С раннего детства Абдул занималась танцами. Восемь лет она посещала балетную студию, параллельно изучала стэп, современный и джазовый танец. Пола принимала активное участие в постановках школьного театра, а в 1978 снялась в эпизодической роли в детском фильме Junior High School. После окончания школы Пола Абдул неожиданно отказалась от стипендии в престижной школе музыки Джульярд и поступила в колледж в Нортридже, где присоединилась к местной команде чир-лидеров.

Следующие три года девушка работала в местных театральных труппах, а в начале 80-х начала учиться у известного хореографа и постановщика Джозефа Трэйма. За несколько лет Пола заработала неплохую репутацию в Голливуде: ее стали приглашать ставить танцевальные номера для выступлений и клипов поп-звезд. Она принимала участие в постановке видео для Трэйси Ульман, работала с Дженет Джексон, Джорджем Майклом, Майклом Хатченсом, DURAN DURAN, ZZ TOP, занималась хореографией к фильмам.

В 1987 году MTV назвал Полу Абдул хореографом года.
Вскоре Пола решила заняться собственной музыкальной карьерой. Ее первые синглы не пользовались особой популярностью, но уже в 1989—90 песни из альбома Forever Your Girl возглавляли американские чарты, а сам диск стал платиновым. За короткий срок популярность Полы Абдул распространилась на весь мир.

Абдул стала первым американским исполнителем, сразу четыре песни с дебютного альбома у которого вошли в хит-парад.

В 1990-м году разразился скандал: бэк-вокалистка Иветт Мэрин заявила, будто именно она исполнила вокальные партии на большинстве композиций с Forever Your Girl. Последовало двухлетнее судебное разбирательство, в результате которого Пола была избавлена от подозрений. Следующие годы стали весьма успешными для певицы: она регулярно появлялась на страницах светской хроники, получила множество наград, занималась благотворительностью. Однако в середине 90-х в карьере Полы Абдул наметился спад.

Позже Пола приняла участие в создании римейка знаменитого детского шоу-сериала «Muppets Tonight», снялась в нескольких телевизионных эпизодах, работала хореографом в фильмах «Красота по-американски» (American Beauty, 1999) и «Мастер перевоплощения» (The Master of Disguise, 2002). С 2002 года она – судья популярного телевизионного конкурса по поиску молодых талантов American Idol.

В 2008 году Пола выпустила сингл «Dance Like There's No Tomorrow» и планировала запись нового, первого за 13 лет, альбома. Но до сегодняшнего дня релиз диска певицы так и не состоялся.

Майя Михайловна Плисецкая

Louise — Mon, 21 Nov 2011 03:59:03 GMT

Майя Михайловна Плисецкая

Выдающаяся танцовщица второй половины XX века, вошедшая в историю балета феноменальным творческим долголетием, Майя Михайловна Плисецкая родилась 20 ноября 1925 года в Москве. Ее отец – Плисецкий Михаил Эммануилович, генеральный консул на Шпицбергене, руководящий работник «Арктикугля», был репрессирован и расстрелян. Мать - Мессерер-Плисецкая Рахиль Михайловна, актриса немого кино, была арестована через год после мужа и отправлена в Бутырскую тюрьму вместе с младшим сыном. Затем была выслана в Казахстан, в Чимкент; в Москву вернуться ей удалось лишь в 1941-м году, за два месяца до начала войны. Майю и ее другого брата забрали к себе тетя и дядя, Суламифь и Асаф Мессерер, видные танцовщики Большого театра.

В июне 1934 года Майя поступила в Московское хореографическое училище, где последовательно занималась у педагогов Е. И. Долинской, Е. П. Гердт, М. М. Леонтьевой, но лучшим своим педагогом считает Агриппину Яковлевну Ваганову, с которой встретилась уже в Большом театре, куда ее приняли 1 апреля 1943 года.

Несмотря на уже начавшую складываться карьеру солистки, М. Плисецкую зачислили в кордебалет. Постепенно ей стали давать интересный для нее репертуар. Она стала первой исполнительницей партии феи Осени в «Золушке» С. С. Прокофьева, исполнила заглавную роль в балете «Раймонда» А. К. Глазунова и это ее выступление как нельзя лучше дало понять, что в театре появилась новая претендентка на звание прима-балерины.

27 апреля 1947 года Майя Плисецкая впервые танцевала партию Одетты-Одиллии в «Лебедином озере» и этот балет Чайковского стал одним из главных в ее творческой биографии. В 1948 году Плисецкая исполнила роль Заремы в «Бахчисарайском фонтане». В этом спектакле наглядно проявилось еще одно свойство ее редкостного природного дара – способность в прыжке на несколько мгновений задержаться в воздухе (так называемый баллон). М. Плисецкой довелось участвовать в трех постановках балета «Спартак» А. И. Хачатуряна, осуществленных на сцене Большого театра. В 1958 году в версии И. А. Моисеева Плисецкая танцевала Эгину, в 1962-м - в постановке Л. В. Якобсона - Фригию и в 1971 году - в постановке Ю.Н. Григоровича - Эгину. В 1960-е годы Плисецкая уже вполне официально считалась первой балериной Большого театра. У нее не было недостатка в спектаклях, и тем не менее, росло чувство творческой неудовлетворенности. Хотелось танцевать не только классику, но и что-то новое, причем поставленное специально для нее. 20 апреля 1967 года на сцене Большого театра была впервые показана «Кармен-сюита» - одна из главных ролей Майи Плисецкой в репертуаре Большого театра. Балет был экранизирован в кино (кинофильм «Балерина», 1969) и на телевидении (1978). В 1971 году, уже будучи автором музыки к кинофильму «Анна Каренина», в котором Майя Плисецкая блистательно дебютировала как драматическая актриса в роли княгини Бетси Тверской, Родион Щедрин пишет по роману Л. Н. Толстого балет, премьера которого состоялась на сцене Большого театра 10 июня 1972 года. Плисецкая не только исполнила роль главной героини, но и впервые попробовала себя в качестве хореографа. 27 мая 1980 года на сцене Большого театра прошла премьера балета «Чайка» Р. Щедрина в постановке Майи Плисецкой.
В 1983 году ей предложили стать художественным руководителем балета Римской оперы. Бывая в Риме наездами, она занимала этот пост в течение полутора лет. За это время осуществила постановку «Раймонды» для открытой сцены в Термах Каракаллы, показала на сцене Римской оперы свою «Айседору», организовала возобновление «Федры» и нескольких других балетов. С конца 1987 по 1990 год Плисецкая преимущественно работала в Испании, возглавляя мадридскую балетную труппу «Театро лирико насиональ». Для этой труппы она, в частности, возобновила балет «Тщетная предосторожность» П. Гертеля (по А. А. Горскому), ввела в ее репертуар «Кармен-сюиту» и сама танцевала в этом балете. По инициативе Монтсеррат Кабалье приняла участие в постановке ранней оперы-балета Дж. Пуччини «Вилисы», показанной на фестивале искусств в Переладе. Впервые исполнила «Умирающего лебедя» под запись человеческого голоса - аккомпанемент для нее «напела» М. Кабалье. И выступила в заглавной партии балета «Мария Стюарт» (на музыку Э. де Диего), поставленном специально для нее художественным руководителем труппы фламенко Хосе Гранеро (1988). Впервые ступив на всю ступню в «Кармен-сюите», Плисецкая на сей раз танцевала, и вовсе отказавшись от пуантов (ее героиня была обута в сандалии), - и произошло это именно в Испании.

4 января 1990 года Майя Плисецкая танцевала свой последний спектакль в Большом театре - «Даму с собачкой». Давние разногласия с художественным руководством балетной труппы привели к тому, что она ушла из Большого театра. К 1991 году основные творческие и издательские интересы Родиона Щедрина сосредоточились в Мюнхене, и вскоре они с Майей Плисецкой обосновались в этом городе, хотя Плисецкая и Щедрин живут на три дома - большей частью в Мюнхене, в Москве и на своей даче в Литве.

В августе 1994 года в Санкт-Петербурге на сцене Александринского театра состоялся 1 Международный балетный конкурс «Майя», где Майя Плисецкая была председателем жюри и сама формировала его состав.

Майя Плисецкая снималась в кинофильме-концерте «Мастера русского балета» (1953), кинофильмах-балетах «Лебединое озеро» (1957), «Сказка о Коньке-Горбунке» (1961), «Анна Каренина» (1975), в кинофильме-опере «Хованщина» (1959), в телеэкранизациях балетов «Болеро» и «Айседора» («Поэзия танца», 1977), «Чайка» (1982), «Дама с собачкой» (1986). В 1976 году А. В. Эфрос снял телевизионный фильм «Фантазия» по повести И. С. Тургенева «Вешние воды», в котором Плисецкая сыграла роль Полозовой. Также снималась в художественных кинофильмах «Анна Каренина» режиссера А. Г. Зархи (1968), «Чайковский» И. В. Таланкина (1970, в роли певицы Дезире), «Зодиак» И. Вайткуса (1985, в роли музы М. К. Чюрлениса).

О ней сняты документальные кино- и телефильмы, в том числе «Майя Плисецкая» В. А. Катаняна (1964, новая ред. 1981), «Майя Плисецкая. Знакомая и незнакомая» Б. Д. Галантера (1987), «Майя» М. Сакагуши (2000, для японского телевидения), «Майя Плисецкая» Д. Делюша (2000, для французского телевидения), «Майя Плисецкая assoluta» Э. Капнист (2002, для французского телевидения).
Творчеству Плисецкой посвящены книга «Майя Плисецкая» Н. П. Рославлевой, многочисленные фотоальбомы с тем же названием. В 1994 году московское издательство «Новости» выпустило в свет книгу балерины «Я, Майя Плисецкая…». Она выдержала несколько изданий в России и была переведена на 11 языков.

Майе Михайловне Плисецкой присвоены звания народной артистки СССР (1959), Героя Социалистического труда (1985). Она является кавалером трех орденов Ленина (1967, 1976, 1985), орденов Франции «За заслуги в литературе и искусстве» (1984, Командор) и Почетного легиона (1986), орденов «За заслуги перед Отечеством» III (1995) и II (2000) степени. В июле 1991 года король Испании Хуан-Карлос вручил Майе Плисецкой высшую награду Испании - "Орден Изабеллы Католической". Российская балерина также удостоена звания "Почетного гражданина Испании". Среди ее многочисленных наград - Международная премия, ежегодно присуждаемая мэром Парижа самой элегантной женщине года - "Превосходная-1986", премия "Национальная гордость России" (2003), Большой крест Командора ордена "За заслуги перед Литвой" (2003) и другие.

Майя Плисецкая – доктор Сорбонны (1985) и почетный профессор Московского государственного университета (1993).
В 1994 году Институт теоретической астрономии присвоил имя Плисецкой малой планете № 4626.
http://www.rian.ru/spravka/20051114/42082561.html

От себя хочу добавить: её руки - Божий дар. На сцене она - богиня.

Художественная гимнастика

Galoshka — Sun, 23 Oct 2011 13:45:54 GMT

Материал из Википедии

Художественная гимнастика — вид спорта, выполнение под музыку различных гимнастических и танцевальных упражнений без предмета, а также с предметом (скакалка, обруч, мяч, булавы, лента).

В последнее время выступления без предмета не проводятся на соревнованиях мирового класса. При групповых выступлениях используются или одновременно два вида предметов (например — обручи и мячи) или один вид (например — пять мячей, пять пар булав). Победители определяются в многоборье, в отдельных видах и групповом упражнениях.

Все упражнения идут под музыкальное сопровождение. Раньше выступали под фортепиано или один инструмент. Теперь используются оркестровые фонограммы. Выбор музыки зависит от желаний гимнастки и тренера. Но каждое упражнение должно быть не более полутора минут. Соревнования проходят на гимнастическом ковре размером 13х13 метров. Классическое многоборье (4 упражнения) – олимпийская дисциплина. Кроме многоборья гимнастки, выступающие в индивидуальном первенстве, традиционно разыгрывают комплекты наград в отдельных видах упражнений (кроме Олимпийских игр).

Выступления оцениваются по двадцатибалльной системе. Один из самых зрелищных и изящных видов спорта. В СССР художественная гимнастика как вид спорта возникла и сформировалась в 1940-е годы. С 1984 года — олимпийский вид спорта. До недавнего времени исключительно женский вид спорта, однако, с конца XX века — благодаря усилиям японских гимнастов стали проводиться соревнования и между мужчинами.
История
Художественная гимнастика — сравнительно молодой вид спорта; своим появлением он обязан мэтрам балета прославленного Мариинского театра. За небольшой срок своего существования этот вид спорта завоевал мировую признательность и имеет многочисленных поклонников во всех уголках земного шара.

В 1913 году на Высших курсах П. Ф. Лесгафта была открыта высшая школа художественного движения. Первыми педагогами ее стали Роза Варшавская, Елена Горлова, Анастасия Невинская, Александра Семенова-Найпак. Все эти преподаватели до прихода в ВШХГ имели свой опыт в работе по преподаванию : «эстетической гимнастики» — Франсуа Дельсарта, «ритмической гимнастики» — Эмиля Жака дель-Кроза, «танцевальной гимнастики» — Жоржа Демини и «свободного танца» — Айседоры Дункан. Слияние воедино всех этих направлений гимнастики способствовало появлению этого изящного вида спорта.

В апреле 1941 года, был организован и проведен выпускниками и учителями школы, первый чемпионат Ленинграда по художественной гимнастике. В 40-е годы развитие художественной гимнастики, так же как и всего советского спорта практически остановилось из-за Великой Отечественной войны.

В 1948 году прошел первый чемпионат СССР по художественной гимнастике. В 1945 — создана Всесоюзная секция художественной гимнастики, преобразованная в 1963 в федерацию СССР. В конце 1940-х годов разработаны классификационная программа и правила соревнований. А дальше развитие этого вида спорта протекало с необычайной быстротой, охватывая все большее число юных участниц.

С 1949 ежегодно проводятся чемпионаты СССР, с 1965 — соревнования на Кубок СССР по художественной гимнастике, с 1966 — всесоюзные детские соревнования. Первой чемпионкой СССР в 1949 в Киеве стала Любовь Денисова (тренер Ю. Шишкарева). И в 1954 году появляются первые мастера спорта. Гимнастки начинают выезжать за пределы СССР с показательными выступлениями в Бельгию, Францию, ФРГ, Чехословакию, Югославию.

После этого художественная гимнастика была признана Международной федерацией гимнастики видом спорта. В 1960 году в Софии проводится первая официальная международная встреча: Болгария — СССР — Чехословакия, а спустя 3 года 7-8 декабря 1963 года в Будапеште проходят первые официальные международные соревнования, названные Кубком Европы.

Подводя итоги, было обнаружено, что участие принимали гимнастки не только из Европы, и тогда было принято решение считать эти соревнования первым чемпионатом мира, а его победительницу — москвичку Людмилу Савинкову — первой чемпионкой мира по художественной гимнастике. В Будапеште соревнования проводились по правилам, принятым в СССР, но только по произвольной программе.

В 1967 в мировой художественной гимнастике появляется принципиально новый командный вид — соревнование по групповым упражнениям. В 1967 в Копенгагене состоялся первый чемпионат мира по групповым упражнениям. Тогда же советская команда завоевала золотые медали. С 1978 года проводятся чемпионаты Европы. В Мадриде, советская гимнастка Галима Шугурова, становится обладательницей Европейской короны. В период с 1963 по 1991 чемпионаты мира проводились раз в два года по нечетным годам, а по четным годам, начиная с 1978 по 1992, проводились чемпионаты Европы. С 1992 г. чемпионаты мира и Европы проводятся ежегодно.
Олимпийская история
1980 год стал для художественной гимнастики поворотным, после завершения Олимпийских игр в Москве, на конгрессе МОК было принято решение о включении этого вида спорта в программу Олимпийских игр. Олимпийская же история художественной гимнастики начинается в 1984 году, когда первое Олимпийское золото завоевала в Лос-Анджелесе канадка Лори Фанг.

Спустя четыре года олимпийской чемпионкой в Сеуле стала Марина Лобач, Александра Тимошенко одержала победу в Барселоне, в Атланте — Екатерина Серебрянская, в Сиднее — Юлия Барсукова, в Афинах — Алина Кабаева, в Пекине — Евгения Канаева. Начиная с Олимпийских Игр в Атланте, художественная гимнастика была представлена полностью двумя разделами: соревнованиями в индивидуальных и групповых упражнениях.
Художественная гимнастика в России
В России художественная гимнастика небезосновательно считается одним из популярнейших видов спорта. Нет города или крупного посёлка городского типа где бы не занимались этим спортом. Неспроста на летних олимпийских играх большинство чемпионов по художественной гимнастике - россиянки. Их имена знакомы нам и всему миру. Алина Кабаева, Юлия Барсукова, Ирина Чащина, Евгения Канаева и другие, не менее достойные спортсменки.

1984 XXIII летние Олимпийские игры
Золото Канады Лори Фанг, Канада
Серебро Румынии Дойна Стайкулеску, Румыния
Бронза Германии Регина Вебер, ФРГ

1988 XXIV летние Олимпийские игры
Марина Лобач, СССР
Адриана Дунавска, Болгария
Александра Тимошенко, СССР

1992 XXV летние Олимпийские игры
Александра Тимошенко, Объединённая команда
Каролина Паскуаль Грация, Испания
Оксана Скалдина, Объединённая команда

1996 XXVI летние Олимпийские игры
Екатерина Серебрянская, Украина
Яна Батыршина, Россия
Елена Витриченко, Украина

2000 XXVII летние Олимпийские игры
Юлия Барсукова, Россия
Юлия Раскина, Белоруссия
Кабаева, Россия

2004 XXVIII летние Олимпийские игры
Алина Кабаева, Россия
Ирина Чащина, Россия
Анна Бессонова, Украина

2008 XXIX летние Олимпийские игры
Евгения Канаева, Россия
Инна Жукова, Белоруссия
Анна Бессонова, Украина

Добавлено (28 Февраль 2011, 13:48)
---------------------------------------------
Алина Кабаева
( 12.05.1983 года )
Россия (Russia)
Студентка Санкт-Петербургского ГУФК. В сборной команде России с 1996 г. Олимпийская чемпионка в личном многоборье 2004 г. Абсолютная чемпионка мира 1999 и 2003 гг. Многократная чемпионка Европы в личном многоборье и отдельных видах. Тренер - Ирина Винер. Хобби: книги, животные, музыка. Живет в Москве.
Рост - 164 см
Вес - 46 кг
Алина Маратовна Кабаева родилась 12 мая 1983 года в Ташкенте. С двенадцати лет живет в Москве. Тренируется у лучших российских тренеров - главного тренера сборной России, заслуженного тренера страны Ирины Винер и заслуженного тренера страны Веры Шаталиной. Заслуженный мастер спорта.
Алина - единственная в истории художественной гимнастики четырехкратная чемпионка Европы. Свой четвертый континентальный титул она заработала в ноябре в Испании на чемпионате Старого Света этого года, а впервые она стала европейской чемпионкой ровно четыре года тому назад в Португалии. Двукратная чемпионка мира - первый раз абсолютной чемпионкой стала в Японии в Осаке в 1999 году. С тех пор считает Японию счастливой страной. Кроме того, имеет право любить Испанию - там она дважды становилась абсолютной чемпионкой Европы (Сарагоса-2000 и Гранада-2002), а также опять-таки в Испании заработала вторую медаль абсолютной чемпионки мира (Мадрид-2001).
На Олимпийских играх в Сиднее в 2000 году с точки зрения большинства ее постигла неудача - из-за потери обруча Алина заняла лишь третье место в многоборье. Сама же она считает, что та ошибка была подарком Божьим, иначе бы она, потеряв мотивацию, ушла бы из большого спорта. Теперь же она просто обязана серьезно подготовиться к Олимпийским играм в Афинах в 2004 году.
Важнейшим для себя на данном этапе считает художественную гимнастику. Однако в отдаленной перспективе тренером себя не видит, а потому обучается спортивному менеджменту в Московском государственном университете сервиса. Студентка второго курса.
Алина Кабаева является членом Высшего совета партии "Единство-Отечество". В 2001 году награждена орденом Дружбы.

Добавлено (28 Февраль 2011, 14:01)
---------------------------------------------

Добавлено (28 Февраль 2011, 18:06)
---------------------------------------------
Утяшева, Ляйсан Альбертовна

Ляйсан Альбертовна Утяшева (башк. Ләйсән Альберт кыҙы Үтәшева; 28 июня 1985 года, Раевский, Башкирская АССР) — российская спортсменка, заслуженный мастер спорта по художественной гимнастике, воспитанница заслуженного тренера России Аллы Яниной, неоднократная победительница российских и международных соревнований, чемпионка мира, шестикратная чемпионка Европы, чемпионка Европы в командном зачёте (2002 год), обладательница Кубка мира 2001/02, победительница Юношеских игр стран СНГ и Балтии 2002 года. Автор четырёх оригинальных элементов, носящих её имя (в частности, «стойка Утяшевой»). Международный посол олимпийского движения Сочи-2014. Телеведущая, спортивный комментатор.
Родилась в 1985 году в посёлке Раевский Альшеевского района Башкирской АССР в семье Зульфии и Альберта Утяшевых, библиотекарши и историка. По национальности башкирка. В СМИ часто ошибочно именуется Лейсан. В 1989 году семья переехала в Волгоград. Родители намеревались отдать Ляйсан в балетную школу, но совершенно случайно в очереди в магазин девочку заметила тренер по гимнастике Надежда Касьянова, отметив необычайную гибкость суставов. С 1994 года занималась у Татьяны Сорокиной. В 1997 году переехала в Москву, тренировалась под руководством Аллы Яниной и Оксаны Скалдиной. В 1999 году Ляйсан Утяшевой было присвоено звание мастера спорта.
В 2000 году стала серебряным призёром турнира памяти Оксаны Костиной. На 2001 и 2002 годы пришлись самые значительный победы спортсменки. В сентябре 2001 года Ляйсан стала абсолютной победительницей во всех шести дисциплинах на этапе Кубка мира в Берлине, в октябре того же года выиграла золото чемпионата мира в Мадриде в командном первенстве. Спортсменке было присвоено звание мастера спорта международного класса. С 2002 года Утяшева тренировалась под руководством Ирины Винер и Веры Шаталиной. После второго места на международном турнире в Словении в мае стала победительницей неофициального чемпионата мира во Франции, в городе Корбей-Эсон. В июне стала победительницей Юношеских игр в Москве в многоборье и в трёх видах (скакалка, мяч, булава). В сентябре 2002 на показательных выступлениях в Самаре из-за неудачного приземления на плохо подготовленные маты отбила ступню. Обследование травмы не выявило, и Утяшева продолжала соревноваться, что только усугубило ситуацию. Спортсменка неоднократно жаловалась на боли в ногах, но и повторные обследования ничего не обнаруживали, что давало поводы недоброжелателям утверждать, что Утяшева симулирует травму.
В декабре 2002 после этапа кубка мира Ирина Винер поспособствовала комплексному обследованию состояния гимнастки в клинике в Германии. В результате магнитной томографии был поставлен диагноз: множественные переломы ладьевидной кости одной ноги и расхождение из-за постоянного переноса нагрузки костей ступни другой ноги. Было опасение, что спортсменка не только вынуждена будет завершить карьеру, но и не сможет ходить. Однако благодаря успешной операции, выполненной российскими хирургами, Ляйсан смогла вернуться в спорт. В 2004 году она вернулась в состав сборной России, стала чемпионкой Европы в командных соревнованиях, побеждала на международных турнирах в Латвии, Франции. Собиралась выступать, по крайней мере, до пекинской Олимпиады, но в апреле 2006 года, посовещавшись с Ириной Винер, Утяшева приняла решение оставить спорт.
После завершения карьеры Утяшева стала соведущей передачи «Главная дорога» на канале НТВ, ведёт утренний эфир на том же канале. Также ведёт телепередачу «Фитнес зо звёздами» на телеканале Живи. В мае 2007 года дебютировала с сольной партией в балете «Болеро» в театре «Новая опера».
В августе 2008 Утяшева представила свой автобиографический роман «Несломленная» (.
В ноябре 2009 года состоялась премьера танцевального шоу Ляйсан Утяшевой «Знак бесконечности».
С 2010 г. в программе телеканала НТВ "НТВ утром" ведёт традиционную для утренних программ рубрику, посвящённую утренней гимнастике. Учитывая преимущественно мужскую аудиторию канала, рубрика носит лёгкий эротический подтекст.

СОВЕТЫ КРАСОТЫ ЛЕЙСАН УТЯШЕВОЙ

Добавлено (01 Март 2011, 13:53)
---------------------------------------------
Ирина Чащина

Российская спортсменка родилась 24-го апреля 1982 года в Омске
Рост: 1м 65см.
Вес: 45 кг.
Клуб: ЦСКА, Москва
Тренеры: Ирина Винер и Вера Штельбаумс.
В гимнастике: с 6 лет; в сборной России - с 14 лет
Тренируется: 6-8 часов в день, 6-7 дней в неделю
Любимые спортивные предметы: обруч, булавы
Талисман: маленький зеленый щенок - игрушка
Любимое блюдо: суши
Спортивная карьера Ирины началась в шестилетнем возрасте под руководством Елены Николаевны Арайс. Было это в далёком городе Омске. Первый раз на тренировку её привёл дедушка, большой любитель спорта. Как раз накануне Ирина смотрела чемпионат мира по художественной гимнастике, который ее весьма впечатлил. Дедушка поддержал желание внучки, тем более, что для полной Ирины спорт был весьма кстати. Мама, преподавательница музыкальной школы,непременно хотела, чтобы дочь пошла по её стопам. Кроме этого, родители имели желание научить ребёнка плавать. В таком сумасшедшем темпе проходил её день: музыка – бассейн – гимнастический зал. В седьмом классе пришлось выбирать. Ирина остановилась на гимнастике. Интересно, что ещё в самом начале ей предложили заняться спортивной гимнастикой. "В спортивную не пойду, хочу в художественную", - заявила Ира. Уже позже Ирина вспомнит, что данных у нее не было никаких, но постоянный и упорный труд сделал свое дело – постепенно успехи пришли. Спустя четыре года к работе с Ириной подключилась заслуженный тренер России Вера Ефремовна Штельбаумс. Первая победа Чащиной была на первенстве Омской области, когда ей исполнилось восемь лет. С двенадцати она вошла в сборную России и стала ездить на сборы в Москву. Будучи юниоркой, Ирина заняла первое место на очень престижном турнире – Спартакиаде СНГ и два раза подряд выигрывала первенство России среди девушек. Потом были бронзовая медаль на чемпионате России и третье место в команде на чемпионате Европы. С августа 1999 года Чащина тренируется в Центре олимпийской подготовки у Ирины Александровны Винер. Тогда же в девяносто девятом Ирина в составе сборной команды впервые стала чемпионкой мира в Осаке. После ухода Юлии Барсуковой, Ира прочно обосновалась на втором месте в общемировом рейтинге и начала выступать в личном первенстве. Сезон 2001 года был для неё, пожалуй, самым удачным. Она победила в многоборье на Играх доброй воли, на VI Всемирных играх в Японии, завоевала золотые медали на чемпионате Европы в упражнениях со скакалкой и на чемпионате мира в упражнении с обручем. Из своих композиций Ира больше всего любит всё тот же обруч и булавы. "Они - самые трудные, а потому - интересные". Тем, кто следит за выступлениями Ирины, известна ее не улыбчивость и серьёзность. Как только не называли эту прекрасную барышню журналисты, Снежная королева, Царевна Несмеяна… На самом деле Ира очень добрый и отзывчивый человек. «Вы знаете, я не согласна с этим прозвищем. В обычной жизни, если весело, то я смеюсь и бываю эмоциональной, особенно если меня окружают интересные люди». Безусловное благородство Чащиной чувствуется как на ковре, так и вне его. Всем известно, что география гимнастических турниров весьма обширна. Больше всего Ирине нравится в Японии. Хотя образ жизни в этой стране кажется ей немного сложным и непривычным для нашего соотечественника. "Каждая страна хороша по-своему", - считает Ира. "Мне понравилось в Америке, да и в Австралии очень красиво". Ира много читает. Любит эзотерическую литературу. Обожает ходить в кино. Мечтает завести собаку. Но, к сожалению, условия и образ жизни пока не позволяют этого сделать. Начинающим гимнасткам Чащина советует тренировать не только тело, но и голову: "В художественной гимнастике важен ум".

От издателя:
Что ты видишь в зеркале? Целлюлит? Морщины? Животик? Ты узнаешь себя - прежде жизнерадостную и сексапильную? А теперь тусклый взгляд? Постная мина? Это ты?! Уверена?

Сколько раз мы смотрим на себя и думаем: надо сделать то и это... Столько всего надо, что и не знаешь, с чего начать. И, разумеется, откладываем все смелые начинания до лучших времен. Знакомо? Что ж, твое время пришло!
Звезда мировой художественной гимнастики Ирина Чащина написала книгу для тех, кто пока в себе сомневается. Одновременно эта книга и практическое руководство для тех, кто готов совершить прорыв. Прорыв к успеху, здоровью, радости и красоте. Советы олимпийской чемпионки работают. Непонятно почему и непонятно как, но точно одно - после ее книги как-то само собой вдруг получается идти в фитнес-клуб, заниматься физкультурой дома, освоить азы йоги, сидеть на диете, приготовить кулинарный шедевр для любимого, выбрать правильный наряд на вечеринку, практиковать детокс по аюрведе, а также узнать массу других полезных в повседневной жизни вещей. В общем, наконец-то радикально заняться собой. Может, советы от Ирины Чащиной работают и потому, что это не очередное бездушное пособие "100 рецептов красоты", а монолог живой современной девушки, успешной и в спорте и в личной жизни. Она объездила полмира, многое узнала и попробовала, а главное - испытала на себе все то, что советует другим. В своей книге Ирина Чащина впервые публикует фрагменты дневника, которые она ведет уже многие годы.

Ирина Чащина - воплощение гламурной девушки нового миллениума: самостоятельной, активной, внимательно следящей за модой, спортивной, успешной, женственной и умной. Она чувствует себя как дома в любом уголке планеты и при этом любит свою Родину, расписывает свой график на год вперед, но ежедневно находит время для заботливого ухода за собой. О том, как добиться такого результата, и написана ее первая книга с символичным названием "Стать собой" - хорошая и очень своевременная. Виктория Давыдова, главный редактор журнала GLAMOUR.
От автора: В спорте я прошла через такую мясорубку, через такие интриги, через такую пристрастную и бесцеремонную оценку себя как личности, женщины и профессионала, что действительно могу давать советы. Я знаю не только как жить, несмотря ни на какие трудности. Я не сдалась, не сломалась, не изменила себе.
Окончив книгу, я посмотрела на себя со стороны - это было и странно и удивительно - и поняла : "А ведь получилось! Ай да я!" И мне бы хотелось, чтобы, прочитав мою книгу, вы тоже стали бы лучше относиться к себе, больше любить себя и захотели бы совершить то, что еще вчера вам казалось невозможным. Становитесь собой.

Добавлено (01 Март 2011, 17:36)
---------------------------------------------
Винер Ирина Александровна

ВИНЕР Ирина Александровна. Россия, гимнастика художественная.
(р. 30.07.1948). Засл. тренер России и Узбекистана. Тренер олимпийской сборной России 1996, 2000, 2004. Подготовила целый ряд известнейших гимнасток, среди которых: чемпионки и призеры ОИ А. Кабаева, Я. Батыршина, А. Зарипова. Засл. работник физической культуры РФ. Вице-президент Всероссийской федерации художественной гимнастики. Вице-президент технического комитета по художественной гимнастике Международной федерации гимнастики (ФИЖ). Главный тренер сборной команды России.

История успеха Ирины Винер

Интервью с Ириной Винер

Рудольф Нуриев

Камилли — Fri, 21 Oct 2011 19:17:27 GMT

Рудо́льф Хаме́тович Нуре́ев (по паспорту), известен во всём мире как Нуриев, татарск. Рудольф Хамит улы Нуриев; 17 марта 1938, Иркутск — 6 января 1993, Париж) — советский и британский артист балета, балетмейстер. Эмигрировал из СССР в 1961 году.

Биография
Рудольф Нуреев (на Западе прижилось Нуриев) родился в поезде, направлявшемся во Владивосток, между Иркутском и Слюдянкой 17 марта 1938 года. Имеет татарско-башкирское происхождение. Начал танцевать в детском фольклорном ансамбле в Уфе, а в 1955 году поступил в Ленинградское хореографическое училище. После его окончания в 1958 году Нуреев стал солистом балета театра имени С. М. Кирова (в настоящее время — Мариинский театр).
16 июня 1961 года, находясь на гастролях в Париже, отказался вернуться в СССР, став «невозвращенцем».
Вскоре Нуреев начал работать в Королевском балете в Лондоне и быстро стал мировой знаменитостью. Получил австрийское гражданство. Более пятнадцати лет Нуреев был звездой лондонского Королевского балета и являлся постоянным партнёром великой английской балерины Марго Фонтейн. Выступал по всему миру (в Европе, США, Японии, Австралии и т. д.), работая очень интенсивно, например в 1975 году число выступлений достигло трёхсот. Считается, что Рудольф Нуреев полностью изменил пассивную роль танцора в классическом балете.

С 1983 по 1989 год Нуреев являлся директором балетной труппы парижской Гранд-опера. Не раз выступал на одной сцене с Ивет Шовире. Одно из его главных достижений в этот период — «открытие» Сильви Гиллем. Участвовал в классических и современных постановках, много снимался в кино и на телевидении, ставил классические балеты.

В последние годы жизни выступал как дирижёр.
Скончался в результате заболевания СПИДом 6 января 1993 года недалеко от Парижа.
Похоронен на русском кладбище Сент-Женевьев-де-Буа под Парижем.
В г. Иркутске установлена мемориальная доска в честь Рудольфа Нуриева.

Партии в постановках:

Лебединое озеро» — Принц, Ротбарт
«Щелкунчик» — Дроссельмейер, Принц
«Спящая красавица» — Синяя птица, Принц
«Маргарита и Арман» — Арман
«Баядерка» — Солор
«Раймонда» — соло в па-де-катр, Жан де Бриен
«Жизель» — Альберт
«Дон Кихот» — Базиль
«Корсар» — раб
«Ромео и Джульетта» — Ромео, Меркуцио
«Сильфида» — Джеймс
«Петрушка» — Петрушка
«Видение Розы» — Видение розы
«Шехеразада» — Золотой раб
«Послеполуденный отдых фавна» — Фавн
«Аполлон Мусагет» — Аполлон
«Юноша и смерть» — Юноша
«Блудный сын»
«Федра»
«Потерянный рай»
«Сильфиды» — Юноша
«Гамлет» — Гамлет
«Золушка» — Продюсер
«Интермедия»
«Лунный Пьеро» — Пьеро
«Люцифер» — Люцифер
«Идиот» — князь Мышкин
«Ореол»
«Песни странствующего подмастерья»
«Весна священная»
«Павана мавра» — Отелло
«Темный дом»
«Урок»
«Ночное путешествие» — Эдип
«Алая буква»

Фильмография

1972 — «Я — танцовщик» / I Am a Dancer
1977 — «Маппет-шоу»
1977 — «Валентино» / Valentino
1983 — «На виду» / Exposed

Постановки

1964 — «Раймонда»
1964 — «Лебединое озеро»
1966 — «Дон Кихот»
1966 — «Спящая красавица»
1966 — «Танкред»
1967 — «Щелкунчик»
1977 — «Ромео и Джульетта»
1979 — «Манфред»
1982 — «Буря»
1985 — Washington Square
1986 — Сюита Баха
1988 — «Золушка»
1992 — «Баядерка»

Хореография

Louise — Fri, 07 Oct 2011 17:47:56 GMT

Что же такое "Хореография"?

http://www.vestadance.ru/blog/post_1197808868.html
Искусство классической хореографии почти всегда ассоциируется с ежедневным кропотливым трудом. Многие автобиографии известных балерин подробно описывают те трудности, с которыми им пришлось столкнуться на пути к достижению цели стать лучшими в мире. Уже в раннем детском возрасте от будущих балерин требуется безудержная работоспособность и железная самодисциплина. Но реалии не всегда так мрачны, как кажется! Тем более, что теперь не только дети, но и взрослые могут освоить премудрости хореографии и больше не жалеть об упущенных возможностях!

Слово «хореография» произошло от слияния двух греческих корней: «хорео» - «танец, движение» и «графо» - «пишу». Классическая хореография тесно связана с жанром балета, досконально изучает балетные па, на которых построен танец. Урок хореографии состоит из нескольких «блоков». Прежде всего, это растяжка – так называемый «разогрев», который подготавливает мышцы к дальнейшей работе. Затем разучивание элементарных па у станка. После того, как тело достаточно подготовлено, следуют упражнения на середине и прыжки. Следующим этапом на пути к мастерству является танец на пуантах – специальных жестких танцевальных туфлях.

Занятия хореографией очень важны и полезны не только для тех, кто стремится к вершинам балетного искусства. Они незаменимы в качестве подготовки для тех, кто хочет освоить любой из многочисленных видов танца. Хореография помогает в борьбе с мышечными болями, проблемами с позвоночником, выправлением дефектов строения ног, осанки. Человек, который занимается хореографией, всегда выгодно отличается в толпе «простых обывателей» стройностью, подтянутостью, изяществом и грацией в движениях.

Занимаясь хореографией, Вы стремитесь к здоровью и красоте! А если Вы хорошо выглядите и прекрасно себя чувствуете, то и настроение у Вас улучшается! А кто же откажется от того, чтобы стать счастливым?!

Добавлено (07 Февраль 2011, 22:52)
---------------------------------------------
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A2%D0%B0%D0%BD%D0%B5%D1%86

Танец — вид искусства, в котором художественный образ создается посредством ритмичных пластических движений и смены выразительных положений человеческого тела. Танец неразрывно связан с музыкой, эмоционально-образное содержание которой находит свое воплощение в его движениях, фигурах, композиции.

Определение того, что такое танец, сильно зависит от исторического и культурного контекстов. Британский сексолог Хэвлок Эллис (англ.) определял танец как виртуозное развитие сексуального импульса[1].

Американский хореограф Марта Грэхем определяла танец как подлинное выражение глубочайших душевных чувств, высвобождаемое через движение тела. Антрополог Джоан Кеалиинохомоку даёт следующее определение: «танец — это преходящий, мимолетный способ экспрессии, происходящей в заданной форме и стиле посредством движений тела»[2].

Жюли Шарлотта ван Кэмп (Julie Charlotte Van Camp) в своей диссертации[3] собрала основные положения, из которых состоят определения танца:

Танец это:

1.ритмическое человеческое движение, которое формализовано, то есть выполняется по определенным шаблонам и в определенной стилистике;
2.имеет такие качества, как грациозность, элегантность, красота;
3.сопровождается музыкой или другими ритмичными звуками;
4.имеет целью выражение чувств, тем, идей, которому могут содействовать пантомима, костюм и пр.
Также она отмечает, что различные определения понятия «танец» единодушны только в первом пункте — то, что танец — это ритмизированное человеческое движение.

Танец существовал и существует в культурных традициях всех человеческих обществ. За долгую историю человечества он постоянно изменялся, отражая культурное развитие. Существует огромное множество видов, стилей и форм танца.

Танец используется как способ самовыражения, социального общения, в религиозных целях, как состязательный вид спорта, как показательный вид искусства.

Танец (народный и современный) является одной из номинаций Дельфийских Игр.

С помощью танца мы можем видеть и чувствовать музыку. Танец - это огромный мир, чтобы его покорить надо иметь терпение.

Хип-хоп / Hip-hop

Megie — Fri, 07 Oct 2011 17:13:46 GMT

Хип-хо́п (англ. hip hop) — культурное направление, зародившееся в среде рабочего класса Нью-Йорка 12 ноября 1974. Диджей Afrika Bambaataa первым определил пять столпов хип-хоп культуры: эМсиинг (англ. MCing), ДиДжеинг (англ. DJing), брейкинг (англ. breaking), граффити (англ. graffiti writing), and knowledge. Другие элементы включают битбоксинг, хип-хоп моду и слэнг.
Возникнув в Южном Бронксе, в 1980-х годах хип-хоп стал частью молодёжной культуры во многих странах мира. С конца 1990-х из уличного андеграунда, имеющего остро социальную направленность, хип-хоп постепенно превратился в часть музыкальной индустрии, а к середине первого десятилетия нынешнего века субкультура стала «модной», «мэйнстримной». Однако, несмотря на это, внутри хип-хоп немало деятелей всё ещё продолжают его «основную линию» — протест против неравенства и несправедливости, оппозицию к власть предержащим.

Этимология

Слово «hip» использовалось в афроамериканском английском диалекте (AAVE) ещё в 1898 и означало подвижные части человеческого тела. А слово «hop» — это собственно движение (скачок) в случае «hip hop!». Однако «hip» также означает «поумнение» или «подъём в чём-то», а «hop» это движение. Таким образом всё вместе это означает умственное движение.
Рэпер Keith «Cowboy» Wiggins, с Grandmaster Flash and the Furious Five были отмечены как образовавшие «хип-хоп» в 1978, когда дразнили друзей, которые были призваны в армию. Они напевали в джазовой манере слова: «—hip/ hop/ hip/ hop», тем самым имитируя ритм марширующих солдат. «Cowboy» позднее разработал ритм «хип-хоп» в части своего сценического выступления. Группа в основном выступала с артистами диско, которые относились к этому новому типу MC/DJ-производимой музыки, называя их «те хип-хоперы». Название изначально означало знак неуважения, но вскоре перешло для обозначения этой новой музыки и культуры.

Музыка хип-хопа

Музыка хип-хопа состоит из двух основных элементов: рэпа (ритмичного речитатива с чётко обозначенными рифмами) и ритма, задаваемого ди-джеем, хотя нередки композиции и без вокала. В такой комбинации исполнители рэпа называют себя «эм-си» (англ. MC — Master of Ceremony). Некоторые эм-си превращают свои тексты в настоящие запутанные загадки (напр. Гостфейс Килла говорит, что нарочно стремится сочинять такие рифмы, чтобы никто не понял, кроме него, о чём идёт речь). В задачу одного или нескольких ди-джеев входит программирование ритма на драм-машине, семплирование (использование фрагментов чужих композиций, особенно партий баса и синтезаторов), манипуляции с виниловыми пластинками и иногда «битбоксинг» (вокальная имитация ритма драм-машины).
В настоящее время хип-хоп является одним из наиболее коммерчески успешных видов современной развлекательной музыки и стилистически представлен множеством направлений внутри жанра.

Направления хип-хопа

Хип-хоп, как таковой, делится на множество направлений. Каждое направление достаточно самостоятельно и несёт свой собственный смысл. Хип-хоп для всех разный и индивидуальный. Допустим, два человека считают себя частью хип-хоп культуры. Один безумно любит крутиться на голове, а второй рисовать на соседском заборе надписи папиной автоэмалью в баллончиках. Их почти ничего не объединяет, кроме общей культурной хип-хоп составляющей. В нём можно выделить три основных направления:

Рэп, Фанк, Битбокс (музыкальное)
Брейк данс, Крамп, C-Walk, waving (танцевальное)
Граффити (изобразительное)
Человек, относящий себя к субкультуре хип-хопа, может заниматься одновременно и рэпом, и граффити, и брейк-дансом.

Эстетика субкультуры

Хип-хоп стал первой музыкой, наиболее полно и самобытно воплотившей идеологию современной афроамериканской культуры. Эта идеология была построена на антагонизме американской белой, англо-саксонской культуре. За прошедшие десятилетия сформировалась также своя мода, коренным образом отличная от традиционной моды белого населения, свой жаргон и своя культивируемая манера произношения, танцевальные стили, своё графическое искусство — «граффити» (изображения и надписи на стенах, сделанные аэрозольными балончиками или специальными маркерами с краской) и в последнее время также кино (не обязательно про рэпперов, но сюжетно берущее темы из негритянской среды, см. фильмы «Парикмахерская», «Суета и движение», «Ребята по соседству», «Не грози Южному Централу, попивая сок у себя в квартале»; рэпперы также всё больше начинают становится киноактёрами). Таким образом, провести чёткую границу между собственно хип-хопом и современной афроамериканской субкультурой становится сложно.
Несмотря на меняющуюся каждый год моду хип-хопа, в целом она имеет ряд характерных особенностей. Одежда, как правило, свободная, спортивного стиля: кроссовки и бейсболки (как правило, с прямыми козырьками) известных брендов (напр. KIX, New Era, Joker, Tribal, Reebok, Roca Wear, FUBU, Wu-Wear, Sean John,AKADEMIKS, ECKO, Nike, Adidas) футболки и баскетбольные майки, куртки и толстовки с капюшонами, носковидные надвинутые на глаза шапки, мешковатые штаны. Причёски короткие, хотя также популярны короткие дреды. У самих рэпперов популярностью пользуются массивные украшения (цепи, медальоны, брелоки), но ношение украшений в большей мере относится к афроамериканцам.

Источник: Википедия

Танго

Louise — Tue, 20 Sep 2011 06:05:18 GMT

История танца Танго-Tango

Год создания:1910

http://danceperm.narod.ru/tango23.htm
Изначально танго - энергичный танец из категории танцев фламенко из Испании. С испанским завоеванием Южной Америки танго вместе с другими народными испанскими танцами было завезено с поселенцами в Аргентину. Хотя это только одна из версий. Еще одна из версий - происхождение от африканского танца Tangano, завезенного вместе с рабами-неграми, которая считается Andrews наиболее вероятной. Один или оба этих танца в Аргентине в трущобах Буэнос-Айреса слились с гаванским танцем (Куба) Habanera, получившийся танец известен как Milonga (милонга). Милонга первоначальна была популярна в низших слоях Аргентинского общества, а в начале 20 столетия начала привлекать внимание и высшего света. В Западной Европе первый пик популярности начался с выступления великой французской звезды мюзик-холла Mistinguett в 1910 году. "Tangomania", начавшаяся в Париже, перекинулась в Лондон и Нью-Йорк и практически не затихала во время первой мировой войны. Впервые танго в его современной форме исполнялся в гетто Буэнос-Айреса - " Barria Las Ranas ". В нем его танцевали под названием "Baile con corte" (танец с отдыхом, кстати, движение кортэ из танго переводится как "отдых"!). "Денди" Буэнос-Айреса внесли два основных изменения. Сначала они изменили так называемый "ритм польки "(скорее фламенко) на " ритм хабанеры" и во-вторых они назвали это Танго. С 1900 некоторые любители пробовали представить танец из Аргентины в Париже, но без особого успеха. Роберт Прис(Pris Robert) приложил много усилий для популяризации танго. Однако дорога танго не была усыпана розами. Имелось много сторонников и не меньше противников. Особенно против танца выступали французские епископы. Они указывали на недопустимое прижимание во время танца и в целом излишне чувственный характер танго. Те, кто танцевал, подвергали свои души греховному испытанию и могли быть лишены святого причастия. В 1924 доктор Бохем из Нью-Йорка даже обнаружил новую болезнь:"the TANGO-foot" (кривые ноги). Пресса тоже не жаловала танго. 30 мая 1915 "Нью-Йорк Таймс" выходит с обличительной статьей:"THE TANGO-DANGER, BIGGER THAN GERMAN IMPERIALISM"(Опасность танго больше, чем немецкий империализм!). Очередной скачок интереса произошел после исполнения танго Рудольфом Валентино (Rudolph Valentino) и Beatrice Dominguez в 1921 году в фильме "Четыре всадника апокалипсиса"("The Four Horsemen of the Apocalypse"). В современных фильмах актеры часто танцуют танго, например Аль Пачино и Габриэлла Анвар в фильме " Аромат Женщины " (1992), Арнольд Шварценеггер и Tia Carrere в " Правдивой лжи" (1994), также выходит фильм "Обнаженное танго" c Винсентом Д'Онофрио и "Танго-бар" c историей происхождения танго и отрывками из популярных фильмов последних пятидесяти лет. Милонга - очень мягкий танец с близкими касаниями (например, прижимание головами), с визуальным акцентом на движениях ног (особенно заметно в современном аргентинском танго с переплетениями ног). В Париже в 30-е годы в танец были внесены изменения, позиция стала более бальной и танец приобрел акцентированный характер. Визуальный акцент переместился с ног на голову и движения туловища и рук, при этом отдельные акценты в ногах (типа киков) сохранились, но танцуются существенно реже.

Танцующие животные

Louise — Mon, 19 Sep 2011 13:15:27 GMT

Форум: Хореография
Описание темы: сейчас вы убедитесь, что мы не одиноки на нашей планете!
Автор темы: Louise
Автор последнего сообщения: Louise
Количество ответов: 5

Танец живота

Megie — Tue, 26 Jul 2011 10:29:48 GMT

Танец живота — арабский национальный танец. Западное название танцевальной техники, распространённой на Ближнем Востоке и в арабских странах. На арабском языке он известен как Raqs Sharqi, на турецком — как Oryantal dansı, то есть «восточный танец». Своеобразие восточного танца живота — в его пластичности.

Танец живота был привнесен на ближний восток из Индии цыганами(гавази или гавэйзи) приблизительно в X веке, а уже оттуда распространился далее и, поэтому, ему нередко ошибочно приписывают ближневосточное происхождение[1].
Существует более 50 стилей восточного танца, выделяют также направления - египетская школа, ливанская, турецкая и проч. Не стоит путать также сценический танец живота "кабаре" с привычным ярким раздельным костюмом (влияние голливудских фильмов) и фольклор. В свою очередь, фольклорные танцы - саиди, беледи (балади, беляди), халигги (халиджи), нубия, дабка и др. влияют на сценический, обогащая его специфическими движениями, шагами. Собственно сценический танец живота начал формироваться в конце XIX -начале XX века, после того, как в Голливуде стал использоваться танец в том виде, в каком его представляли западные деятели искусства. Стал очень популярным в 30-50 гг XX века. Танцовщицы Среднего Востока адаптировали и обогатили за счет фольклора этот стиль, переняли элементы костюма. Вот в таком синтетическом виде, благодаря влиянию двух культур - Запада и Востока сценический танец живота стал популярен во всем мире.
Среди основателей танца живота необходимо упомянуть таких звезд как Самия Гамаль (кстати, снимавшейся в Голливуде), Бадия Масабни, Тахия Кариока (к 50-м годам снявшаяся более чем в 100 фильмах.)

Огромный вклад в танец живота привнес основатель собственной труппы Махмуд Реда, поставивший множество прекрасных танцев и направлений (в том числе знаменитый Александрийский танец). Из его труппы выходили такие звезды как Ракия Хасан и Фарида Фахми. Деятельность Махмуда Реды справедливо сравнивают с тем, что сделал для русского танца Игорь Моисеев.
Еще со времен Османской империи танец живота исполняют и мужчины. Существуют "только мужские", в основном фольклорные стили - к примеру, тахтиб, распространенный в Египте и танура в Турции.

Исполнительница танца
Костюм для танца живота сильно меняется со временем, подвержен влиянию своеобразной моды. Классическое сочетание "лиф-пояс-широкая юбка" уходят в прошлое. Нередко исполняется в коротких юбках, без пояса с навеской. Тем не менее, танцовщицу в Каире могут даже арестовать, если она будет выступать без полупрозрачной сетки, закрывающей живот.

Источник: Википедия

Михаил Барышников

Gia — Sun, 03 Jul 2011 09:04:33 GMT

Михаи́л Никола́евич Бары́шников (27 января 1948, Рига) — советский и американский артист балета, балетмейстер.

Родился в семье офицера Советской армии в Риге. Заниматься балетом начал в Рижском хореографическом училище у педагога Юриса Капралиса в одном классе с Александром Годуновым. Продолжил обучение в Ленинградском хореографическом училище в классе Александра Пушкина (у него же ранее учился Рудольф Нуреев).

В 1967—1974 годах танцевал в Ленинградском театре оперы и балета им. Кирова.

В 1974 году во время гастролей в составе труппы Большого театра в Канаде становится «невозвращенцем».

В 1974—1978 в труппе «Американский театр балета» (в 1980—1989 годах директор, балетмейстер и солист), — оказал существенное влияние на американскую и мировую хореографию.

С 1990 по 2002 год возглавлял труппу «Проект белый дуб» (Флорида), которую он основал вместе с Марком Моррисом.[1]

С 2005 года является художественным руководителем «Центра искусств имени Михаила Барышникова» [2].

Много снимался в кино («Белые ночи», «Поворотный пункт») и на телевидении («Секс в большом городе» и др.), участвовал в драматическом спектакле «Метаморфозы» (1989) на Бродвее.

Занимается фотографией.

Семья

* Имеет дочь Александру (р.1981) от актрисы Джессики Лэнг. Когда они с ней встретились, он плохо говорил по-английски и они общались по-французски.
* В настоящее время живёт с бывшей балериной Лайзой Райнхарт, имеет от неё трёх детей, Петра (р.1989), Анну (р.1992), Софию (р.1994). Говорит, что не верит в браки.

Интересные факты

* Поэт Иосиф Бродский посвятил Барышникову несколько стихотворений: «Классический балет есть замок красоты…»[3] (из сборника «Часть речи») и «Раньше мы поливали газон из лейки…» (из книги «Пейзаж с наводнением»).
* Михаил Барышников является владельцем ресторана "Русский самовар" в Нью-Йорке, который он открыл вместе с Бродским. Известно, что Барышников вложил в ресторан скопленные деньги с выступлений, а Бродский - Нобелевскую премию по литературе.
* Довлатов так же часто упоминал Барышникова в своих дневниковых произведениях.
* Михаил Барышников номинировался на «Оскар» за роль второго плана в картине «Поворотный пункт». Фильм был представлен в одиннадцати номинациях на премию, но не получил ни одной.
* В картине «Поворотный пункт» в одной из сцен Михаил Барышников исполняет песню Владимира Высоцкого "Хрустальный Дом".
* Снимался в последних сериях последнего сезона сериала "Секс в большом городе" в роли русского художника Александра Петровского. Играл друга Кэрри Брэдшоу.
* Барышников вскользь упоминается в композиции Guacala Que Rico мексиканской группы Molotov.
* Неоднократно упоминается в американском мультсериале "Симпсоны".
* Упоминается в молодёжной комедии Американский пирог: Свадьба, где один герой говорит другому: "Я научу тебя танцевать как Барышников"

Марта Грэм

Louise — Mon, 16 May 2011 21:58:54 GMT

Марта Грэхем (Грэм)
(англ. Martha Graham; 11 мая 1894, Аллегейни — 1 апреля 1991, Нью-Йорк) — американская танцовщица, создательница американского танца модерн, появившегося как развитие свободного танца.

Её родители были прихожанами пресвитерианской церкви, и в детстве она должна была исправно её посещать. Впоследствии она вспоминала, каким кошмаром для ребёнка было ходить в мрачную, темную церковь и отсиживать там соврешенно неэмоциональные, безжизненные службы. Танец, который она открыла для себя позже, был полным контрастом скуке церковной службы; он был праздником, «чудом» двигающегося тела.

Хотя семья Грэхем была религиозной и считала танцы грехом, однажды ей было разрешено пойти на концерт известной танцовщицы Рут Сен-Дени. Кроме того, несмотря на строгость взглядов, родители Марты были не против её обучения в колледже. Вассар колледж, куда её прочили родители, был известен не только качеством образования, но и своими спортивными традициями и суфражистскими симпатиями (суфражизм — движение за то, чтобы женщины получили избирательное право наравне с мужчинами). Однако, увидев выступление Рут Сен-Дени, Марта захотела стать танцовщицей. В 1913 году ей разрешили поступить в Школу экспрессии в Лос-Анджелесе; затем она училась в школе «Денишоун», которую основала сама Сен-Дени вместе с партнером, Тедом Шоуном, в Калифорнии.

Марта Грэхем, Фотография Юсуфа Карша, 1948В годы, когда проходило ученичество Грэхем, на танец смотрели главным образом как на развлечение — он был составной частью водевилей, костюмированных представлений, светских балов. Статус искусства имел только один вид танца — балет, который в Америке считался европейской штучкой. В американских же танцевальных школах учениц готовили для участия в шоу и кабаре, и относились к ним соответственно. Но Марта хотела быть не девушкой из кабаре, а настоящей артисткой. Она с гордостью вспоминала позднее в мемуарах, что единственная в школе была освобождена от строгого надзора, которому подвергались все другие девушки, на том основании, что «Грэхем — это искусство». И впоследствии все её мужчины смотрели на неё снизу вверх, как на художника и гения.

В её эпоху бытовали жёсткие стереотипы мужского и женского, о том, например, что мужчины церебральны, а женщины эмоциональны; мужчины в танце выражают себя в толчковых прямолинейных движениях, а женщины — в плавных движениях, совершающимся по траекториям кривых. Грэхем заявила, что она «не хочет быть ни деревом, ни цветком, ни волной». В своих танцах она отказалась от стандартного взгляда на женственность и стремилась к тому, чтобы сделать свои персонажи безличными, условно-формальными, сильными и даже маскулинными. В теле танцора, по мнению Грэхем, зрители должны видеть человека вообще — дисциплинированного, способного к высокой концентрации, сильного.

Очень многие комментаторы её творчества отмечали связь Грэхем с феминизмом. На суперобложке одной из её биографий помещена цитата, взятая из статьи в «Нью-Йорк Таймс»: «Наиболее воинственная и наиболее талантливая феминистка, Марта Грэхем освободила и женщину, и танец!» Хотя она сама считала, что не принимала участие в движении за эмансипацию, своим танцем Грэхем ломала стереотип: женщина — это слабое существо. http://ru.wikipedia.org/wiki

Марта Грэм, мать модерна, обнаружила тесную взаимосвязь между движениями тела и эмоциями. Например, положение, при котором спина согнута и плечи опущены, указывает на страх и печаль.
http://www.idance.ru/show.php

Фламенко

Louise — Fri, 13 May 2011 19:14:58 GMT

Это зрелище невозможно забыть... Это больше, чем танец. Фламенко - стиль жизни.

Испанские танцы известны далеко за пределами Пиренейского полуострова. Во всем мире известны болеро и фанданго, пасодобль и фламенко. Танцевальные ансамбли, исполняющие фанданго и фламенко собирают полные залы зрителей, а лучшие танцоры являются известными личностями, которые представляют свою страну не только на сцене. Например, всемирно известный танцор фламенко – Хоакин Кортес, выступает на самых лучших сценах мира, пропагандируя испанскую и цыганскую культуру, является также известным актером, а также он является послом цыган в Европейском союзе. http://www.spanish-dance.ru/

Хоакин Кортес – король фламенко
Если Антонио Бандерас является послом испанского кино за пределами Испании, то Хоакин Кортес выполняет ту же роль в области традиционного испанского танца - фламенко. Многих удивляет, как столь уважаемый в типично цыганском искусстве танцор сумел приобрести такое огромное количество фанатов во всем мире. Но совсем неспроста его называют королем «фламенко для масс», назло тем, кто отстаивает чистоту жанра.

Хоакин Педраха Рейес, известный миру как Хоакин Кортес, родился 22 февраля 1969 года в Кордобе. Его детство прошло на улицах одной из бывших мусульманских столиц Испании, а затем в мадридском районе Лаваптес. Сам себя он называет «полумавром-полуцыганом» – семья отца родом из Малаги и из Тетуана, города на севере Африки. Неизвестно, кем бы стал цыганский мальчишка, пройдя уличные «университеты», если бы в его судьбу не вмешался дядя Кристобаль Рейес, профессиональный танцор фламенко. Именно он уговорил 12-летнего Хоакина начать заниматься танцами.

Фламенко увлекло Хоакина, у него очень скоро обнаружился врожденный талант, а пример дяди, добившегося немалой известности, служил путеводной звездой. Совсем скоро на Хоакина стали обращать внимание, разглядев в нем потенциальную звезду танцевальной сцены. Уже в 15 лет он был приглашен в «Национальный балет Испании», с которым объездил вест мир, в итоге став его солистом. Но амбициии талантливого молодого танцора простирались значительно дальше, он хотел совсем иного триумфа.

В 1990 году, когда ему испольнился всего 21 год, Хоакин покидает труппу национального балета, чтобы работать в одиночку. Он ставит «Кармен» на в Вероне, принимает участие в постановке «Дон Кихота» вместе с Балетом Каракаса, его приглашают на Летний фестиваль фламенко в Токио. Он выступает на одной сцене с такими знаменитостями, как Майя Плисецкая, Силви Гиллем, Петер Шауффусс. В 1992 году он создает свою собственную труппу «Joaquin Cortes Ballet Flamenco». Его самостоятельный спектакль, «Cibayi» идет на сценах Японии, Франции, Италии, Венесуэле и США. Но настоящая международная популярность приходит в 1995 году с постановкой «Цыганской страсти» («Pasion Gitana») – синтез традиционной культуры фламенко с современным танцем. Спектакль, собирая полные залы по всему миру – от Барселоны до Токио, идет до 1998 года. Миллионы зрителей заполяют такие известные залы, как Дворец каталонской музыки, Ройял Альберт Холл, Радио Сити Мюзик Холл, Амфитеатр в Афинах, Кремлевский Дворец съездов в Москве. «Цыганская страсть» заполняет зрителями и трибуны огромных стадионов и арен для боя быков. Настоящий рекорд для этого вида искусства, которое до Кортеса можно было увидеть лишь на крохотных сценах небольших ресторанов.

Собственный новаторский стиль Кортес определяет как смесь фламенко, классического балета и джаза. Начав профессиональную карьеру очень рано, с 12 лет, Хоакин и закончить ее хотел пораньше, неоднократно заявляя, что оставит сцену, когда ему исполнится 33 года. После сцены он хотел посвятить посвятить себя другим видам искусства, в частности - кино, где он также довольно известен. Его первая роль в кино была в фильме Педро Альмодовара «Цветок моей тайны» («La flor de mi secreto»). Затем были роли в фильмах режиссеров Карлоса Сауры «Фламенко» и Мануэля Паласиоса «Цыган».

Злые языки утверждают, что своей популярности Кортес во многом обязан не столько «Цыганской страсти», сколько роману с известной супермоделью Наоми Кампбелл. К чести Кортеса надо сказать, что он наотрез отказывался комментировать свой разрыв с темнокожей красавицей журналистам «желтой» прессы.

Свое намерение в 33 года покинуть сцену Кортес выполнил лишь частично. Он покинул испанскую сцену, посчитав, что за пределами Испании фламенко вызывает гораздо больший интерес, чем на своей родине. Уже три года Кортес живет и работает в Лондоне, лишь эпизодически приезжая в Испанию на гастроли. С июля по сентябрь 2006 года Хоакин Кортес показал в 15 испанских городах свой новый спектакль «Мое одиночество». http://spalex.narod.ru/WhoIsWho/who_cortes.html

Разновидности Фламенко:
Фанданго
Кантиньяс
Канья и Поло
Караколь
Гранаина
Алеос
Малагенья
Мирабрас
Севильянас
Тангильос
Вердиалес
Замбра

Добавлено (13 Январь 2011, 19:42)
---------------------------------------------
Из Википедии:

Фламе́нко (исп. flamenco) — традиционный музыкально-танцевальный стиль, происходящий из Андалусии; это слияние музыкального сопровождения (токе), пения (канте) и танца (байле). Стиль представлен несколькими десятками разновидностей (более 50). Танцы и песни фламенко, как правило, сопровождаются гитарой и перкуссией: ритмическим битьем в ладоши (пальмас), игрой на перкуссионном ящике (кахон); иногда — кастаньетами.

Исполнители фламенко называются «байлаор» (танцор) и «кантаор» (певец), «токаор» (гитарист).

16 ноября 2010 года ЮНЕСКО присудила Фламенко статус объекта Всемирного Наследия.

Истоки фламенко следует искать еще в мавританской музыкальной культуре. Существенно повлияла на этот стиль и цыганская музыка — многие считают основными, истинными носителями стиля именно испанских цыган. В XV веке в Испанию из рушащейся Византии прибыли цыгане, расселились по южному побережью страны в провинции Андалусия; по своему обычаю, они стали перенимать и переосмыслять местные музыкальные традиции, такие как мавританская, еврейская и собственно испанская; и из этого сплава музыкальных традиций, переосмысленного вначале цыганами, а потом испанцами, родилось фламенко.

Долгое время фламенко считалось «закрытым искусством», так как цыгане жили изолированной группой; фламенко формировалось в узких кругах. Но в конце XVIII века гонения на цыган прекратили, и фламенко вышло на подмостки таверн и кафе кантанте, обрело свободу.

В конце XX века фламенко начинает впитывать в себя кубинские мелодии и джазовые мотивы; и, кроме того, элементы классического балета приобрели там свое постоянное место. Наиболее известен танцор фламенко Хоакин Кортес, который обновил понятие танца фламенко, избавил его от «канонического стандарта» и внес в него новую живую струю и выразительность.

Импровизационный характер фламенко, сложный ритм и специфическая техника исполнения нередко препятствуют точной нотной записи мелодий фламенко. Поэтому искусство как гитариста, так и танцора, и певца обычно передается от мастера к ученику.

Важный элемент образа танцовщицы (байлаоры) — традиционное платье, называемое bata de cola — типичное для фламенко платье, обычно до пола, часто из разноцветного материала в горошек, украшенное оборками и воланами. Прообразом этого платья стало традиционное одеяние цыганок. Неотъемлемой частью танца является изящная игра с подолом платья. Традиционная одежда байлаора — темные брюки, широкий пояс и белая рубашка с широкими рукавами. Иногда края рубашки завязываются спереди на поясе. Короткая жилетка-болеро, называемая чалеко (chaleco), иногда надевается поверх рубашки.

испанская шаль — мантонИспанская шаль с очень длинными кистями — один из классических атрибутов женского танца фламенко: шаль то закручивается вокруг стана танцовщицы, подчеркивая стройный женский силуэт, то ниспадает с плеч, образуя силуэт большой, красивой, мятущейся птицы. Еще один классический женский атрибут фламенко — большой веер. Существует мнение о кастаньетах как непременном атрибуте танца фламенко. Но чаще всего ритм отбивается каблуками (сапатеадо), прищелкиванием пальцев (питос) или хлопками ладоней (пальмас). Наиболее чистые формы фламенко избегают использования кастаньет, так как они ограничивают возможность страстной и выразительной игры кистей рук.

Сегодня фламенко особенно интересует современных хореографов, потому что они видят в этом искусстве большие возможности для творчества, для введения новаций в хореографию.

Классификация стилей
Стили фламенко (palos) различаются ритмическим рисунком. Наиболее популярные палос — тона, солеа, фанданго и сегирийя (Toña, Soleá, Fandango y Seguiriya) — относятся к категории канте хондо (cante jondo, наиболее древнее ядро фламенко, восходящее к древнейшим музыкальным системам Индии). Вторая категория — это канте фламенко (cante flamenco, включает в себя и пение, и танцы, и игру на гитаре).

Фламенко оказало большое влияние на многие танцевальные и музыкальные стили всего мира. Последние десятилетия появились смешанные разновидности фламенко и других стилей: фламенко-поп, фламенко-джаз, фламенко-рок, джипси-румба и другие.

Существуют приверженцы фламенко, которые чтят его традиции, что имеет и положительные, и отрицательные стороны. Строгое следование традиции делает невозможным глубокое понимание фламенко. Стили фламенко (пение, танец, мелодия) подобны живому организму, что требует их постоянного развития, а без развития нет жизни. Но наряду с развивающимся фламенко существуют и «фламенкология» (книга под таким названием была написана Гонсалесом Климентом в 1955 году и дала название этому разделу искусствоведения), ученые этого направления занимаются изучением происхождения фламенко и его «истинного» стиля, традиций и т. п. До сих пор наравне со сторонниками чистоты стиля фламенко есть и приверженцы его новых форм и звучаний.

Фестивали фламенко
Среди наиболее значимых городов, где сегодня существует фламенко, выделяют Кадис, Херес, Севилью, Кордову, Гранаду, Барселону и Мадрид. У каждого из этих городов своя музыкальная специфика, свои традиции и особенности.

В Испании
Один из самых авторитетных, крупнейший фестиваль фламенко в Испании проходит один раз в два года в Севилье под названием «Bienal de Flamenco». Этот фестиваль был основан в 1980 году. Со всего мира сюда съезжаются истинные любители фламенко, чтобы увидеть лучших артистов: байлаоров, кантаоров и гитаристов.

В Кордове ежегодно проводится Международный фестиваль гитары «GUITARRA», с выступления на котором началась слава талантливых молодых гитаристов Висенте Амиго и Пако Серрано.

Ежегодные фестивали канте гранде, фестивали канте фламенко и другие проходят по всей Испании. Подробнее о фестивалях в Испании и не только можно узнать со специального новостного сайта www.flamencofestival.info.

В России
Фестиваль фламенко «¡VIVA ESPAÑA!» в Москве — ежегодное событие в мире испанской музыкальной культуры (с 2001 года).[1]

В Петербурге проходит ежегодный фестиваль под названием «Северное фламенко».[2]

В мире современной гитарной музыки в Калуге с 1997 года работает ежегодный фестиваль «Мир гитары»[3], участниками которого являются различные фламенко-группы из России и Испании, и множество ярких имен зарубежных гитаристов, из всемирно известных, такие как Al di Meola (2004), Иван Смирнов («талисман» фестиваля), Висенте Амиго (2006), Пако де Люсия (2007) и др.

В других странах
Ежегодно, с 2004 года, в феврале проходит Фестиваль Фламенко в Лондоне. Один из крупнейших фестивалей фламенко вне Испании уже более 20 лет проходит в американском городе Альбукерке, штат Нью Мексико.

Известные артисты фламенко
Niña de los Peines, Lola Flores, Fosforito, Niña de La Puebla
Кармен Амайя
Рамон Монтойя-старший (Ramon Montoya), Пако де Лусия (Paco de Lucia), Висенте Амиго (Vicente Amigo), Маноло Санлукар (Manolo Sanlúcar), Р. Рикени (R. Riqueni), Пако Серрано (Paco Serrano), Рафаэль Кортес (Rafael Cortes)(гитара)
Антонио Гадес и Марио Майя (Mario Maya) (танец)
Камарон де ла Исла (Camaron de la Isla) и Энрике Моренте (пение)
Бланка дель Рей (Blanca Del Rey)
Антонио Каналес (Antonio Canales)
Антонио эль Пипа, Хавьер Мартос (танец)
Хосе Рэйес (Jose Reyes) (гитара, пение)
Gipsy Kings (гитара, пение)
Santa Esmeralda (диско, плюс гитара)
Rocío Márquez
Лена Эрнандес

Интересные факты
Танцор фламенко Хоакин Кортес является послом цыган в Европейском союзе.
«Дуэнде» — душа фламенко, также переводится с испанского как «огонь», «магия» или «чувство». «Лишь к одному дуэнде не способен — к повторению. Дуэнде не повторяется, как облик штормового моря».
Вплоть до второй половины XIX века цыганки исполняли фламенко босиком.

Ансамбль народного танца имени Игоря Моисеева

Louise — Tue, 10 May 2011 20:50:25 GMT

Государственный академический ансамбль народного танца имени Игоря Моисеева

Государственный академический ансамбль народного танца имени Игоря Моисеева — первый и единственный в мире профессиональный хореографический коллектив, занимающийся художественной интерпретацией и пропагандой танцевального фольклора народов мира.

Ансамбль организован 10 февраля 1937 года, и с тех пор главными художественными принципами его развития являются преемственность и творческое взаимодействие традиций и новаторства. Главная задача, которую впервые поставил перед артистами основатель ансамбля Игорь Моисеев (1906-2007), — творческая обработка бытующих в то время в СССР образцов фольклора. С этой целью артисты ансамбля отправлялись в фольклорные экспедиции по стране, где отыскивали и фиксировали исчезающие танцы, песни, обряды. В результате появились первые программы ансамбля: «Танцы народов СССР» (1937-1938), «Танцы прибалтийских народов» (1939). В репертуаре ансамбля фольклорные образцы получили новую сценическую жизнь и сохранились для нескольких поколений зрителей всего мира. Для этой цели Игорем Моисеевым были использованы все средства сценической культуры: все виды и роды танцев, симфоническая музыка, драматургия, сценография, актерское мастерство.

Важным этапом стало освоение и творческая интерпретация европейского фольклора. Программа «Танцы славянских народов» (1945) создавалась в уникальных условиях: не имея возможности выехать за рубеж, Игорь Моисеев воссоздал живые образцы танцевального творчества, консультируясь с музыкантами, фольклористами, историками, музыковедами. На гастролях в 1946 году в Польше, Венгрии, Румынии, Чехословакии, Болгарии, Югославии зрители были изумлены точностью постановок, верным художественным смыслом сценических произведений ансамбля. С этого времени и до сих пор ансамбль является школой и творческой лабораторией для балетмейстеров разных стран, а его репертуар служит своеобразной хореографической энциклопедией танцевальной культуры народов мира. При непосредственном участии известных знатоков фольклора балетмейстеров Миклоша Рабаи (Венгрия), Любуше Гиньковой (Чехословакия), Ан Сон Хи (Корея), которых Игорь Моисеев привлекал к работе, создана программа «Мир и Дружба» (1953), где впервые собраны образцы европейского и азиатского танцевального фольклора одиннадцати стран.

По образцу ансамбля народного танца Игоря Моисеева были созданы хореографические коллективы во всех республиках СССР (ныне странах СНГ), а также во многих европейских странах.

Ансамбль народного танца – первый советский коллектив, который в период «железного занавеса» выпустили на гастроли. В 1955 году артисты ансамбля впервые выступили в Париже и Лондоне. Триумф советской танцевальной труппы послужил первым шагом к международной разрядке. В 1958 году ансамбль Игоря Моисеева также первым из отечественных коллективов выступил в США. Успешные гастроли, признавала американская пресса, растопили лед недоверия к СССР и стали основой налаживания новых, конструктивных отношений между нашими странами.

Еще одна важная заслуга Ансамбля народного танца — создание уникальной, единственной в мире моисеевской Школы танца (1943). Ее отличительные черты — высокий профессионализм, виртуозная техническая оснащенность, способность к передаче импровизационной природы народного исполнительства. Актеры-танцовщики, воспитанные Игорем Моисеевым, — широко образованные, универсальные артисты, свободно владеющие всеми видами танца, способные воплотить национальный характер в художественном образе. Танцовщик моисеевской школы — лучшая рекомендация в любой точке планеты, в хореографическом коллективе любого направления. Артисты ансамбля удостоены званий Заслуженных и Народных артистов СССР и России.

Ярким выражением творческих принципов воспитания актеров-танцовщиков является программа «Дорога к танцу» («Класс-концерт»), в которой наглядно показан творческий путь коллектива от освоения отдельных элементов до создания полномасштабных сценических полотен. За программу «Дорога к танцу» (1965) коллектив первым из ансамблей народного танца был удостоен звания «Академического», а Игорь Моисеев — Ленинской премии.

За свою концертную деятельность, которая продолжается более 70 лет, коллектив награжден орденом Дружбы народов. Ансамбль по праву был и остается визитной карточкой нашей страны за рубежом.

На разных континентах зрителям разных поколений полюбились «коронные» номера Ансамбля, ставшие «визитными карточками» коллектива: легендарные «Партизаны», флотская сюита «Яблочко», старинная городская Кадриль, молдавский Жок, украинский Гопак, русский танец «Лето», зажигательная Тарантелла. Большой успех Ансамблю снискали яркие одноактные спектакли, поставленные Игорем Моисеевым с привлечением средств и приемов мировой народной и театральной культуры, — «Веснянки», «Цам», «Санчакоу», «Половецкие пляски» на музыку А.Бородина, «На катке» на музыку И.Штрауса, «Ночь на Лысой горе» на музыку М.Мусоргского, «Испанская баллада» на музыку Пабло ди Луна, «Вечер в таверне» на музыку аргентинских композиторов и др.

И сейчас, после ухода из жизни бессменного руководителя ансамбля Игоря Моисеева, хореографический уровень коллектива по-прежнему служит непревзойденным эталоном, а звание «моисеевца» является синонимом высокого профессионализма.
http://meloman.ru/?id=511

Великий Игорь Моисеев:

Современные балы

Louise — Thu, 14 Apr 2011 20:10:28 GMT

История балов в России

Слово «бал» - заимствованно из французского «bal» и происходит от старофранцузского глагола «baller» - «танцевать».
Одним из первых балов был бал, данный в честь бракосочетания Карла VI с Изабеллой Баварской. При Медичи балы приобретают все большую популярность во Франции, продолжают распространяться при Генрихе IV, а со времен правления Людовика XIV становятся неотъемлемой частью придворных празднеств.

В России бальная культура начинает развиваться в эпоху петровских реформ. В то время бал являлся элементом чуждой западноевропейской культуры и искусственно прививаемой формой нового социального общения. Мероприятия и празднования совершались в виде ассамблей, непременно в присутствии государя, танцевальная часть была обязательной. Форма проведения торжества которая сложилась в эпоху Петра Петровича сохранялась еще долгое время: богослужение – прием – праздничный обед – бал – фейерверк.

Праздничным придворным балом со времен Анны Иоанновны отмечались императорские дни (рождения, годовщины восшествия на престол и коронации), свадьбы, дни рождений и именин членов семьи монарха, орденские дни, виктории, заключение мира, Рождество, Пасха, Новый год. Большие балы назначались в честь приема знатных гостей – членов королевских семей, а также по важным политическим поводам.

Балы по большому этикету, происходили только в домах-дворцах с бальным залом и анфиладой гостиных и столовых. Самые роскошные балы николаевской эпохи давали Б.Н.Юсупов и И.И. Воронцов-Дашков. Весь цвет петербургской культуры приглашался на этот бал, составлявший всегда событие в жизни столицы. В 1850-1880 блистали балы во дворце князя Белосельских-Белозерских, в доме Е.Э. Трубецкой, В.Н. Орлова, гр. М.Ф. Клейнмихель. Таким образом, балы становятся обязательной частью дворянской жизни. И были они не только лишь развлечением для знати. Императорские балы с их строгим этикетом и пышным убранством залов имели государственное значение. Поражая иностранцев роскошью, они служили прославлению империи.

Бал открывал наследник с женой или с одной из фрейлин, а если бал устраивал один из вельмож, то хозяин дома с императрицей.

Бал прежде всего был танцевальным мероприятием на котором полагалось танцевать. Все остальное — разговоры, буфеты, игра в карты — лишь сопутствовало танцам, следовавшим один за другим в строгом порядке. Танцевали по чинам, в каждом танце участвовало ограниченное количество пар.

Открывался бал полонезом (или польским). В полонезе шли обычно все присутствующие — танец этот совсем несложный: два шага и на третьем приседание, поклоны и реверансы — тоже всем по силам.

Далее по бальному расписанию следовал контраданс, или кадриль. Вот здесь уже старички предпочитали разойтись по комнатам и усесться за карты, оставляя танцы более молодым. В XVIII веке контраданс был на балах своего рода спектаклем — танцевать его специально подбирались четыре пары из высшей знати. Готовились они заранее, в танце были сложные фигуры, пары менялись дамами и кавалерами.

Кульминацией всякого бала была мазурка. Этот танец требовал особого мастерства. Здесь без специальной подготовки было не обойтись.

И наконец, «самый бальный» танец— вальс. Хотя две сотни лет назад вальс считался чуть ли не скабрезным танцем. Почему? Да потому, как писала в своем «Критическом и систематическом словаре придворного этикета» некая мадам, «молодая особа, легко одетая, бросается в руки молодого человека, который ее прижимает к своей груди, который ее увлекает с такой стремительностью, что сердце ее невольно начинает стучать, а голова идет кругом». А в Правилах Л. Петровского есть предостережение: «Танец сей, в котором, как известно, поворачиваются и сближаются особы обоего пола, требует надлежащей осторожности... чтобы танцевали не слишком близко друг к другу, что оскорбляло бы приличие».

Очень важная, ритуальная, почти магическая составляющая бала вырастает из забытых функций танца. Бал предполагал совместное действие многих участников, специально обученных европейским танцам, манерам, этикету.

Обстановка, как эстетическая сторона, была призвана радовать и глаз и душу: рощи цветущих деревьев, море света от тысяч свечей, играющих в хрустальных алмазах, бесчисленное отражение в зеркалах…

Достаточно представить Тронный зал Царскосельского Дворца, в котором происходили парадные балы, и становится ясно, что третья и наиболее зримая и яркая их составляющая – это магия цвета, сливающая воедино холодный блеск кристаллов зимней ночи и оранжерейное благоухающее цветами тепло живого огня. Комнаты дворца были освещены множеством свечей. В парадном зале у стен стояли ломберные столы с нераспечатанными колодами карт. На балконе, в нише одной из стен размещались музыканты. Как только собиралось большинство гостей, тотчас начинались танцы.

Последним в истории российской бальной культуры был костюмированный бал в Зимнем дворце, который прошел в 1903 году, и был стилизован под Россию XVII века. Накануне Русско-японской войны обращение к «русской теме» было особенно актуальным. К этим балам готовились с особым усердием и даже провели своеобразную репетицию в Эрмитажном театре. Директор императорских театров В. А. Теляковский вспоминал: «Зрительный зал представлял собой редкую картину, особенно заинтересовавшую артистов, участвовавших в спектакле этого вечера. Через дырочки занавеса они внимательно разглядывали всех костюмированных и делились своими замечаниями по поводу манеры и умения приглашенных носить столь необычное для них и столь обычное для актеров платье». Балы прошли с невиданным размахом и стали настоящим событием тех лет. По традиции бал открылся полонезом. Императорская семья заняла места возле дверей Арабской комнаты, а мимо нее проходили парами бояре и боярыни в роскошных национальных костюмах, украшенных мехами, брильянтами, жемчугом и в фамильных драгоценностях. Затем 16 пар исполнили русский танец, в котором солировала княгиня 3. Н. Юсупова. Ужин был накрыт в Николаевском зале. Бал имел огромный успех и был в деталях повторен через неделю в доме графа А. Д. Шереметева.

На нет балы сошли в России в начале XX века. То было не самое лучшее время для страны. Поражение в войне с Японией, потом Первая мировая война, революция... Так и кончилась старая история балов в России. А новая только начинается.

Современные балы

Современные балы - это новая эстетика бала, это общение и деловые контакты.
Это место где встречаются известные политики и бизнесмены, дипломаты, деятели культуры, звезды спорта и шоу-бизнеса. Это атмосфера роскоши: великолепный зал, шикарные вечерние платья, изысканный ужин, брызги шампанского.

Действие проходит в одном из дворцов Санкт-Петербурга, принадлежавших русской императорской фамилии или особам, к ней приближенным. События реконструируются максимально близко к исторической эпохе, но современная составляющая тоже присутствует. В назначенный день и час во дворец съезжаются гости, звучит духовая музыка, прибывших встречают придворные дамы и кавалеры. Те, кто посетил это место впервые, могут пройти по залам дворца в сопровождении экскурсовода и полюбоваться интерьерами памятника архитектуры. Далее начинается постепенное превращение жителей XXI века в настоящих петербургских аристократов. Костюмер подберет размер, цвет и фасон бального наряда, и вот уже все готово к началу бала: по знаку капельмейстера оркестр заиграет прекрасную музыку, учитель танцев пригласит вас к вальсовому променаду, а официанты начнут сервировать стол к изысканному ужину.

Интерактивные костюмированные шоу
Костюмированные интерактивные шоу могут быть как самостоятельным мероприятием, так и составной частью вашего праздника. Программа проходит на высоком профессиональном уровне. Это облегченная миниверсия «Бала в российских императорских традициях». В зависимости от пожеланий заказчика, можно использовать уже готовые сценарии праздников или создать индивидуальный сценарий.

На мероприятие доставляются женские и мужские бальные наряды соответствующие моде 17-19 веков. Костюмер подберет размер, цвет и фасон.

Праздник имеет продуманный шуточный конферанс с элементами импровизации. В программу интерактивного шоу входят старинные и классические бальные танцы. Танцевальным движениям вас быстро и весело обучит профессиональный учитель танцев. Важная часть программы - конкурсы, розыгрыши и старинные игры, в которых играли еще при русском императорском дворе.

Костюмированные интерактивные шоу – это отдых смех и веселье, отличный способ уйти от обыденности и примерить на себя новые недоступные в обычной жизни роли!
http://www.imperialball.ru/balls_r.html

Если у кого-нибудь есть интересные фото, видео, информация о балах, пожалуйста, выкладывайте!
ОФЛ!

Балет П.И.Чайковского "Щелкунчик"

Louise — Mon, 11 Apr 2011 05:01:12 GMT

Майкл любил творчество Петра Ильича Чайковского благодаря его гениальному сочинению - волшебному, сказочному, прекрасному балету "Щелкунчик". Он хотел, чтобы альбом "Триллер" был похож на балет "Щелкунчик": что ни песня - то хит, творение, которое станет образцом, идеалом.

Материал из Википедии:

«Щелку́нчик» — соч. 71, балет Петра Ильича Чайковского в двух актах на либретто Мариуса Петипа по мотивам сказки Э. Т. А. Гофмана «Щелкунчик и мышиный король».

История создания

Либретто к балету создано Мариусом Петипа по мотивам сказки Э. Т. А. Гофмана «Щелкунчик и мышиный король» (1816 год; в основу либретто легло переложение сказки, сделанное в 1844 году Александром Дюма-отцом[1], однако Театральная энциклопедия ошибочно называет автором переложения Дюма-сына)[2].

Премьера балета состоялась 6 (18) декабря 1892 года в Мариинском театре в Санкт-Петербурге в один вечер с оперой «Иоланта». Роли Клары и Фрица исполняли дети, учащиеся Петербургского Императорского театрального училища, которое оба закончили лишь через несколько лет в 1899 году[3] (это видно и по приведенной в данной статье фотографии — см. выше): Клара — Станислава Белинская, Фриц — Василий Стуколкин. Другие исполнители: Щелкунчик — С. Г. Легат, фея Драже — А.Дель-Эра, принц Коклюш — П. Гердт, Дроссельмейер — Т. Стуколкин, племянница Марианна — Лидия Рубцова; балетмейстер Иванов, дирижёр Дриго, художники Бочаров и К. Иванов, костюмы — Всеволожский и Пономарев.

В разных редакцих есть разночтения в имени главной героини: Клара и Мари. В оригинальном произведении Гофмана имя девочки Мари, а Клара — это её любимая кукла.

В постановках в СССР с середины 1930-х годов, в связи с общей идеологической установкой сюжет балета русифицировался, и главная героиня стала зваться Машей.

Действующие лица:

Зильбергаус.
Его жена.
их дети:
Клара (Мари, Маша), принцесса
Фриц (Миша)
Марианна, племянница
Няня.
Дроссельмейер.
Щелкунчик, принц
Фея Драже
Принц Коклюш
Кукла.
Паяц (шут).
Король мышей.
Кордебалет: гости, родственники, слуги, маски, пажи, цветы, игрушки, солдатики и т. д.
Либретто
Балет в 2-х действиях с прологом

Пролог

В канун Рождества, в красивом доме доктора Штальбаума начинают собираться гости. За взрослыми на цыпочках следуют девочки и маршируют мальчики.

Действие I
Дети доктора Штальбаума Мари и Фриц, как и другие дети, с нетерпением ждут подарков. Последний из гостей — Дроссельмейер. Он входит в цилиндре, с тростью и в маске. Его способность оживлять игрушки не только забавляет детей, но и пугает их. Дроссельмейер снимает маску. Мари и Фриц узнают своего любимого крестного.

Мари хочет поиграть с куклами, но с огорчением узнает, что они все убраны. Чтобы успокоить девочку, крестный дарит ей Щелкунчика. Странное выражение лица куклы забавляет её. Шалун и озорник Фриц нечаянно ломает куклу. Мари расстроена. Она укладывает полюбившуюся ей куклу спать. Фриц вместе с друзьями надевают маски мышей и начинают дразнить Мари.

Праздник заканчивается, и гости танцуют традиционный танец «Гросс-Фатер», после чего все расходятся по домам. Наступает ночь. Комната, в которой находится ёлка, наполняется лунным светом. Мари возвращается, она обнимает Щелкунчика. И тут появляется Дроссельмейер. Он уже не крестный, а добрый волшебник. Он взмахивает рукой и в комнате начинает все меняться: стены раздвигаются, ёлка начинает расти, ёлочные игрушки оживают и становятся солдатиками. Внезапно появляются мыши под предводительством Мышиного короля. Отважный Щелкунчик ведет солдатиков в бой.

Почтовые марки России 1992 года, изданные к столетию балета «Щелкунчик»Щелкунчик и Мышиный король встречаются в смертельной схватке. Мари видит, что армия мышей превосходит армию солдатиков.

В отчаянии она берёт тяжёлый горящий подсвечник и со всей силой бросает его в Мышиного короля. Он напуган и убегает вместе со своей армией. Армия солдатиков победила. Они триумфально несут Мари на плечах к Щелкунчику. Внезапно лицо Щелкунчика начинает меняться. Он перестает быть уродливой куклой и превращается в прекрасного Принца. Мари и оставшиеся в живых куклы оказываются под звездным небом и фантастически красивой ёлкой, вокруг кружатся снежинки.

Действие II

Мари и Принц любуются красотой звездного неба. Внезапно их атакуют мыши. И вновь, Принц наносит им поражение. Все танцуют и веселятся, празднуют победу над мышиным войском.

Испанская, Индийская и Китайская куклы благодарят Мари за то, что она спасла им жизнь. Вокруг танцуют прекрасные феи и пажи.

Появляется Дроссельмейер, он опять меняет все вокруг. Все готовятся к королевской свадьбе Мари и Принца. Мари просыпается. Щелкунчик всё ещё у неё в руках. Она сидит в Знакомой комнате. Увы, это был всего лишь сказочный сон…

Значимые постановки

Мариинский театр

6 (18) декабря 1892 года — премьера: балетмейстер Л. И. Иванов, дирижёр Р. Дриго, художники М. И. Бочаров и К. Иванов, костюмы — И. А. Всеволожский и Е. П. Пономарев; Клара — Станислава С. Белинская, Фриц — Василий Н. Стуколкин; остальные партии: Щелкунчик — С. Г. Легат, фея Драже — А.Дель-Эра, принц Коклюш — П. Гердт, Дроссельмейер — Т. Стуколкин, Шут — А. В. Ширяев, Марианна — Лидия Рубцова.
1923 — возобновление постановки Л. И. Иванова в тех же декорациях; балетмейстеры Ф. В. Лопухов и А. В. Ширяев, дирижёр А. В. Гаук; фея Драже — Е. П. Гердт, принц Коклюш — М. А. Дудко, Дроссельмейер — Н. А. Солянников.
1929 — Новая редакция; балетмейстер Ф. В. Лопухов, дирижёр А. В. Гаук, худ. В. В. Дмитриев; Маша — О. П. Мунгалова, Щелкунчик — П. А. Гусев, Дроссельмейер — Л. С. Леонтьев.
1934 — балетмейстер В. И. Вайнонен, дирижёр Е. А. Мравинский, худ. И. Ф. Селезнев; Маша — Г. С. Уланова, Щелкунчик-принц — К. М. Сергеев. [4]

Большой театр

1919 — балетмейстер А. А. Горский, дирижёр Н. А. Федоров, художник Константин Коровин; Клара — В. В. Кудрявцева, Фриц — Шокоров 2-й, Щелкунчик-принц — Ефимов, Дроссельмейер — А. Д. Булгаков. В этой постановке сцена представляла собой сервированный стол с огромным кофейным сервизом, из которого выходили танцоры.
1932 — спектакль балетного техникума при ГАБТе; балетмейстер Л. И. Иванов, возобновление А. И. Чекрыгина и А. М. Монахова, дирижёр Ю. Ф. Файер, художник Панфилов; Клара — Е. К. Фарманянц, Щелкунчик — Ю. В. Папко, Фриц — Ю. Гербер, Дроссельмейер — А. И. Чекрыгин, фея Драже — О. В. Лепешинская.
1939 — балетмейстер В. И. Вайнонен, дирижёр Ю. Ф. Файер, худ. В. В. Дмитриев; Маша — М. Т. Семенова, Щелкунчик — А. Н. Ермолаев, Дроссельмейер — В. А. Рябцев.
12 марта 1966 — новая постановка; балетмейстер Ю. Н. Григорович, дирижёр Г. Н. Рождественский, худ. С. Б. Вирсаладзе; Маша — Е. С. Максимова, Щелкунчик-принц — В. В. Васильев, Дроссельмейер — В. А. Левашев, Король мышей — Г. Б. Ситников, Щелкунчик - кукла - Елена Ватуля, Французская кукла — Т. Н. Попко.

Вот ещё интересный материал:

29.06.2010

Балет «Щелкунчик» на воде

В день города в Калининграде будет представлен знаменитый балет Петра Ильича Чайковского «Щелкунчик». Торжество по случаю Дня города состоится в Калининграде 11—13 сентября. Уникальность балета в том, что он пройдет не на обычной театральной сцене, а на водной глади одного из городских озер, где будет установлена импровизированная сцена на понтонах. Об этом рассказал заслуженный деятель искусств России, главный режиссер мероприятия Вениамин Андреев.

Чайковский написал музыку по сказке «Щелкунчик и мышиный король» немецкого писателя, композитора и художника Эрнста Теодора Гофмана, который родился в Кенигсберге (ныне Калининград) в 1776 году. Именно поэтому власти Калининграда решили остановить свой выбор на этом балете. Несмотря на то, что Гофман уехал из Кенигсберга, когда ему исполнилось 20 лет, этот город, по утверждениям историков и исследователей, оставил в его душе неизгладимый след и оказал воздействие на его творчество. Ведь именно в этом волшебном городе будущий писатель, композитор и художник изучал право в местном университете и встретил свою первую любовь. Дом на улице Французской на берегу Замкового пруда, в котором родился и жил Гофман в Кенигсберге, не сохранился. Но о нем напоминает мемориальный камень, установленный местными жителями в память о своем знаменитом земляке у пруда, именуемого сегодня Нижним озером.

Премьера балета Петра Ильича Чайковского состоялась в декабре 1892 года на сцене Мариинского театра в Санкт-Петербурге. Роли Клары и Фрица исполняли дети, учащиеся Петербургского Императорского театрального училища, которое оба закончили лишь через несколько лет. В редакцих имя главной героини звучит по-разному — Клара и Мария. В оригинальном произведении Гофмана имя девочки Мария, а Клара — это ее любимая кукла. В постановках в СССР с середины 1930-х годов, в связи с общей идеологической установкой сюжет балета русифицировался, и главная героиня стала зваться Машей. Балет до сих пор пользуется огромной славой и любовью публики.

День города в Калининграде пройдёт под девизом «Мира, счастья, света и добра! С праздником Дня города! Ура!». Идеями света и добра пронизаны и многие произведения писателя-романтика, ироничного философа и причудливого фантаста Гофмана.

29.06.10
Вера Врублевская
http://www.imobilco.ru/news/inner/?id=528

Марсе́ль Марсо́ / Marcel Marceau

Louise — Mon, 11 Apr 2011 04:57:52 GMT

http://ru.wikipedia.org/wiki

Марсе́ль Марсо́
(фр. Marcel Marceau, настоящее имя — Марсель Манжель (Marcel Mangel); 22 марта 1923, Страсбург — 22 сентября 2007, Париж) — французский актёр-мим, создатель парижской школы мимов.

Марсель Марсо родился 22 марта 1923 года в Страсбурге, в еврейской семье. Интерес к актёрскому искусству пробудился у Марсо после знакомства с фильмами Чаплина. Посещал Школу декоративных искусств в Лиможе, затем учился в парижском Театре Сары Бернар у режиссёра Шарля Дюллена и актёра Этьена Декру (именно Декру обучил Марсо мимическому искусству).

Во время второй мировой войны был вынужден бежать с семьей, участвовал в Сопротивлении. Большинство его родственников, в том числе родители, погибли в Освенциме.

В 1947 году Марсо создал сценический образ клоуна Бипа — белолицего клоуна в полосатом свитере и потрёпанной шляпе, что принесло ему всемирную известность. Тогда же организовал труппу «Содружество мимов», которая просуществовала до 1960 года. Его постановки шли на лучших площадках, включая «Театр Сары Бернар» и «Театр елисейских полей».

В течение десятилетий выступал сольно. Неоднократно приезжал с гастролями в Советский Союз, впервые в 1961 году.

В 1978 году Марсо создал Парижскую школу пантомимы.

В 1996 году основал фонд для поддержки искусства пантомимы в США.

Марсо награждён орденом Почётного легиона — высшей государственной наградой Франции. В 2002 году стал послом доброй воли ООН.

Умер 22 сентября 2007 года на 85-м году жизни.

Марсель Марсо похоронен на парижском кладбище Пер-Лашез.

У мима два сына — Баптист и Мишель от первого брака, а также дочери от третьего брака — Камиль и Аурелиа.

Пантомимы
«Шинель» (по Н. В. Гоголю),
«Париж плачет, Париж смеется»,
«Юность, зрелость, старость, смерть»,
«В мастерской масок»,
«Давид и Голиаф».

Фильмография
Немое кино (La Dernière folie de Mel Brooks) (1976)
Барбарелла (Barbarella) (1968)
Его звали Роберт (1967) ЛЕНФИЛЬМ Премия 'Золотой шар' и диплом на МКФ фантастических фильмов в Милане (1969).

Библиография
Бояджиев Г., Театральный Париж сегодня, М., 1960;
Юткевич, Сергей. Глазами кинематографиста. [О творчестве франц. мимич. актера М. Марсо]. Искусство кино, 1960, № 5, с. 133—142.
Муравьева, Е. и Кунин, В. Марсель Марсо в жилете. [По материалам беседы сотрудников ред. журн. «Сов. цирк» с франц. актером]. Сов. цирк, 1961, № 9, с. 28—29.
Румнев, Александр. О мастерстве Марселя Марсо. [Франц. мимич. актер]. Илл: А. Зверев. Искусство кино, 1962, № 3, с. 108—116.
Суриц, Е. Молчаливый чародей. [Об искусстве франц. мимического актера М. Марсо]. Искусство эстрады, 3, 1962, с. 66—70.
Бейлин, А. Марсель Марсо, мим. [О творчестве франц. актера]. Нева, 1965, № 8, с. 203—206.
Маркова Е. Марселю Марсо — 50 лет. [Франц. мим. актер]. — Театр, 1973, № 4, с. 132—135
Марсель Марсо / Е. Маркова. — Ленинград : Искусство, Ленингр. отд-ние, 1975. — 143 с., — (Мастера современного зарубежного театра).
Современная зарубежная пантомима / Елена Маркова. — Москва : «Искусство», 1985. — 190, [2] п.

Джин Келли/Gene Kelly/Eugene Curran Kelly

Louise — Mon, 28 Mar 2011 17:48:56 GMT

Джин Келли (англ. Gene Kelly, Eugene Curran Kelly

Джин Келли (23 августа 1912 — 2 февраля 1996) — американский актёр, хореограф, режиссёр, певец и продюсер. Известен прежде всего своей ролью в знаменитом мюзикле «Поющие под дождём», хотя он был звездой Голливуда в 1940-е и 1950-е годы, создав за это время десятки замечательных фильмов, вошедших в золотой фонд мирового кинематографа.

Ещё ребёнком Джин Келли увлекался танцами, позднее работал каменщиком, официантом и учителем танцев. Первый успех на Бродвее пришёл к Келли в мюзикле «Pal Joey». Благодаря Дэвиду О. Селзнику Келли перебрался в Голливуд. Первую кинороль Джину Келли предложили в «MGM» в фильме известного режиссёра-хореографа Басби Беркли «Для меня и моей девочки» с участием Джуди Гарленд.

С 1941 по 1957 гг. Джин был женат на актрисе Бетси Блэр. С 1949 по 1957 г. актёр с отличными вокальными и хореографическими данными, проявивший себя также как талантливый режиссёр и хореограф, создал в сотрудничестве с режиссёрами Стенли Доненом и Винсентом Миннелли самые красивые американские музыкальные фильмы своего времени, среди которых и блестящий голливудский мюзикл «Поющие под дождём», где Келли выступил сорежиссёром Донена, сыграл звезду кино Дона Локвуда и создал несколько хореографических номеров.

Вместе с Джуди Гарленд и Фредом Астером Джин Келли был ярким явлением музыкального кинематографа пятидесятых годов ХХ в. После 1957 г. Келли сосредоточился преимущественно на режиссёрской работе.

Фильмография. Актерские работы
1942 — «Для меня и моей девочки»
1944 — «Рождественские каникулы»
1944 — «Девушка с обложки»
1945 — «Поднять якоря»
1948 — «Пират»
1948 — «Три мушкетёра»
1949 — «Возьми меня с собой на бейсбол»
1950 — «Лето на ферме»
1951 — «Американец в Париже»
1952 — «Поющие под дождём»
1954 — «Бригадун»
1967 — «Девушки из Рошфора»
1988 — «Майкл Джексон… легенда не кончается»
Режисcерские работы
1949 — «Увольнение в город»
1952 — «Поющие под дождём»
1967 — «Руководство для женатого мужчины»
1969 — «Хэлло, Долли!»

Русский фан-сайт: "Джин Келли - король мюзикла" http://www.genekelly.ru/

Клипы: http://www.genekelly.ru/main/clips.htm

Айседора Дункан

Megie — Sat, 19 Mar 2011 05:53:03 GMT

Айседо́ра Дунка́н (англ. Isadora Duncan, урождённая Дора Энджела Дункан, англ. Dora Angela Duncan; 27 мая 1877, Сан-Франциско — 14 сентября 1927, Ницца) — американская танцовщица, считается основоположницей свободного танца — предтечи танца модерн. Использовала древнегреческую пластику, хитон вместо балетного костюма, танцевала босиком. В 1921—1924 жила в России, организовала студию в Москве. Жена Сергея Есенина.

Биография
Жизнь Айседоры Дункан обещала быть необычной с самого начала. В автобиографии она так говорит о своем рождении: "Характер ребенка определен уже в утробе матери. Перед моим рождением мать переживала трагедию. Она ничего не могла есть, кроме устриц, которые запивала ледяным шампанским. Если меня спрашивают, когда я начала танцевать, я отвечаю - в утробе матери. Возможно, из-за устриц и шампанского".

В детстве Айседора была несчастлива - отец, Джозеф Дункан, обанкротился и сбежал еще до ее рождения, оставив жену с четырьмя детьми на руках без средств к существованию. Маленькая Айседора, которую, скрыв ее возраст, в 5 лет отдали в школу, чувствовала себя чужой среди благополучных одноклассников. Это ощущение, общее для всех детей Дункан, и сплотило их вокруг матери, образовав "клан Дунканов", бросающий вызов всему миру.
В 13 лет Айседора бросила школу, которую считала совершенно бесполезной, и серьезно занялась музыкой и танцами, продолжив самообразование.

В 18 лет юная Дункан приехала покорять Чикаго и чуть было не вышла замуж за своего поклонника. Это был рыжий, бородатый сорокапятилетний поляк Иван Мироски. Проблема была в том, что он тоже был беден. А вдобавок, как это выяснилось позже, еще и женат. Этот неудавшийся роман положил начало череде неудач в личной жизни, которые преследовали танцовщицу всю ее жизнь. Дункан никогда не была абсолютно, безоговорочно счастлива.
Айседора настаивала на том, что танец должен быть естественным продолжением человеческого движения, отражать эмоции и характер исполнителя, импульсом для появления танца должен стать язык души. Все эти идеи, новаторские по своему характеру, естественно, вступали в противоречие с балетной школой того времени. Резкая оценка самого балета тем не менее не мешала Дункан восхищаться грацией и артистизмом двух русских балерин - Кшесинской и Павловой. Более того, с последней они впоследствии даже стали добрыми подругами, искренне ценившими талант друг друга.

Выступления танцовщицы начались со светских вечеринок, где ее преподносили как пикантное дополнение, экзотическую диковинку: Айседора танцевала босиком, что было в новинку и изрядно шокировало публику.

Гастроли заметно поправили материальное положение Дункан, и в 1903 г. она вместе с семьей совершила паломничество в Грецию. Одетые в туники и сандалии, эксцентричные иностранцы вызывали настоящий переполох на улицах современных Афин. Путешественники не ограничились простым изучением культуры любимой страны, они решили сделать свой вклад, построив храм на холме Капанос. Помимо этого Айседора отобрала 10 мальчиков для хора, который сопровождал пением ее выступления.

Вслед за женатым Мироски появился мужчина, оставшийся в ее памяти и автобиографии как Ромео. Весна, Будапешт и он, Оскар Бережи, талантливый актер и страстный возлюбленный, помолвка и знакомство с его семьей - все это казалось сказкой. А сказки, как известно, имеют свойство заканчиваться - Бережи предпочел Айседоре карьеру. Помолвку разорвали.
Следующим промежуточным персонажем стал Хенрик Тоде, педагог и писатель, опять-таки женатый. Их отношения носили чисто платонический характер, этому роману и не суждено было стать чем-то большим. Потому что появился Крэг.

Гордон Крэг, талантливейший театральный постановщик, Тедди, как называла его Айседора, занял огромное место в ее жизни. И, как всегда, счастье не было безоговорочным. С самого начала они называли свою любовь "ненастоящей", подчеркивая ее временность, - Крэг метался от одной возлюбленной к другой, разрывался между запутанными финансовыми делами Айседоры и собственным творчеством, времени на которое оставалось все меньше и меньше. И вместе с тем они были безумно влюблены и заваливали друг друга горами писем и нежных записок, когда находились в разлуке.

И появилась Дидра, девочка, о рождении которой так мечтала Айседора. Великой танцовщице было 29 лет. За этим последовала женитьба Крэга на Елене, давней возлюбленной, с которой его связывали данные обязательства. Айседора безумно ревновала и стыдилась своей ревности. Еще в раннем детстве, на примере своего отца, она поняла, что любовь не может быть вечной. Очередным доказательством этого явился разрыв с Крэгом.

В конце 1907 г. Дункан дала несколько концертов в Санкт-Петербурге. В это время она подружилась со Станиславским. Видя, как он восхищен ею, Айседора не могла удержаться от попытки превратить это в нечто большее. Она описывает этот эпизод в автобиографии: когда она однажды поцеловала его в губы, "у него был страшно удивленный вид... он, глядя на меня, с ужасом воскликнул: "Но что же мы будем делать с ребенкомN" "Каким ребенкомN" - поинтересовалась я. "Нашим, конечно". Я расхохоталась, а он посмотрел на меня с грустью и ушел". Тем не менее этот случай не разрушил их дружбы.

Айседора по-прежнему оставалась одинока. Однажды, когда она сидела в театральной гримерной, к ней вошел мужчина с вьющимися светлыми волосами и бородой, статный и уверенный. "Парис Юджин Зингер", - представился он. "Вот он, мой миллионер", - пронеслось в мозгу у Айседоры. Расточительную и эксцентричную танцовщицу неоплаченные счета всегда выводили из состояния равновесия. А счетов было много. Айседора, так нуждавшаяся в детстве, любила жить шикарно. И состоятельный поклонник пришелся очень кстати. Лоэнгрин, как называла его Дункан, был сыном одного из изобретателей швейной машинки, унаследовавшим внушительное состояние. Айседора привязалась к нему, они много путешествовали вместе, он дарил ей дорогие подарки и окружал нежнейшей заботой. От Лоэнгрина у нее родился сын Патрик, и она чувствовала себя почти счастливой. Но Зингер был очень ревнив, а Айседора не собиралась полностью отказываться от приобретенной такими трудами самостоятельности и не флиртовать с другими мужчинами; к тому же она постоянно подчеркивала, что ее нельзя купить. Однажды они серьезно поссорились, и, как всегда, когда ее любовные отношения давали трещину, она полностью погрузилась в работу.

В январе 1913 г. Дункан выехала на гастроли в Россию. Именно в это время у нее начались видения: то ей слышался похоронный марш, то появлялось предчувствие смерти. Последней каплей были померещившиеся ей между сугробов два детских гроба. Она немного успокоилась, лишь когда встретилась с детьми и увезла их в Париж. Зингер был рад видеть сына и Дидру.

Детей после встречи с родителями вместе с гувернанткой отправили в Версаль. По дороге мотор заглох, и шофер вышел проверить его, мотор внезапно заработал и... Тяжелый автомобиль скатился в Сену. Детей спасти не удалось.

Айседора не плакала, она старалась облегчить горе тех, кто был рядом с ней. Родственники, сначала удивлявшиеся ее самообладанию, стали опасаться за ее рассудок. Дункан тяжело заболела. От этой утраты она не оправилась никогда.

Однажды, гуляя по берегу, она увидела своих детей: они, взявшись за руки, медленно зашли в воду и исчезли. Айседора бросилась на землю и зарыдала. Над ней склонился молодой человек. "Спасите меня... Спасите мой рассудок. Подарите мне ребенка", - прошептала Дункан. Молодой итальянец был помолвлен, и их связь была коротка. Ребенок, родившийся после этой связи, прожил лишь несколько дней.
Золотоволосый поэт

В 1921 г. Луначарский официально предложил танцовщице открыть школу в Москве, обещая финансовую поддержку. Однако обещаний советского правительства хватило ненадолго, Дункан стояла перед выбором - бросить школу и уехать в Европу или заработать деньги, отправившись на гастроли. И в это время у нее появился еще один повод, чтобы остаться в России, - Сергей Есенин. Ей 43, она располневшая женщина с коротко остриженными крашеными волосами. Ему - 27, золотоволосый поэт атлетического телосложения. Через несколько дней после знакомства он перевез вещи и переехал к ней сам, на Пречистенку, 20.

Удивительно, но при всем своем огромном желании любить и быть любимой Айседора лишь однажды все-таки вышла замуж. И то, получается, по расчету - Есенина иначе не выпускали с ней за границу. Этот брак был странен для всех окружающих уже хотя бы потому, что супруги общались через переводчика, не понимая языка друг друга. Сложно судить об истинных взаимоотношениях этой пары. Есенин был подвержен частой смене настроения, иногда на него находило что-то, и он начинал кричать на Айседору, обзывать ее последними словами, бить, временами он становился задумчиво-нежен и очень внимателен. За границей Есенин не мог смириться с тем, что его воспринимают как молодого мужа великой Айседоры, это тоже было причиной постоянных скандалов. Так долго продолжаться не могло. "У меня была страсть, большая страсть. Это длилось целый год... Мой Бог, каким же слепцом я был!.. Теперь я ничего не чувствую к Дункан". Результатом размышлений Есенина стала телеграмма: "Я люблю другую, женат, счастлив". Их развели, благо это так легко было сделать в России в то время.

Последним ее возлюбленным стал молодой русский пианист Виктор Серов. Кроме общей любви к музыке, их сблизило то, что он был одним из немногих симпатичных ей людей, с которыми она могла говорить о своей жизни в России. Ей было за 40, ему - 25. Неуверенность в его отношении к ней и ревность довели Дункан до попытки самоубийства. Неудачная, но тем не менее необычная жизнь великой танцовщицы уже подходила к концу. Буквально через несколько дней Дункан, повязав свой красный шарф, направилась на автомобильную прогулку; отказавшись от предложенного пальто, она сказала, что шарф достаточно теплый. Автомобиль тронулся, потом внезапно остановился, и окружающие увидели, что голова Айседоры резко упала на край дверцы. Шарф попал в ось колеса и, затянувшись, сломал ей шею.
Айседору похоронили в Париже, на кладбище Пер-Лашез.

Источники: Википедия, persona.rin.ru

Брайана Эвиган

Kat — Sat, 19 Mar 2011 05:47:46 GMT

Брайана Барбара-Джейн Эвиган (англ. Briana Barbara-Jane Evigan, родилась 23 октября 1986(19861023)) — американская актриса и танцовщица, больше всего известная по главным ролям в фильмах «Шаг вперёд 2: Улицы» и «Крик в общаге».

Эвиган родилась в городе Лос-Анджелес, штат Калифорния, США. Она была третьим ребенком в семье Памелы и Грега Эвиган.[1] Ее брат Джейсон — певец в группе After Midnight Project, а сестра, Ванесса Ли, актриса. И отец и мать Брайаны работают в индустрии развлечений. Отец, Грег Эвиган — певец, композитор, актер, музыкант; мать, Пэм Серп — актриса, модель и танцовщица. Родители очень пристально следят за каждым шагом своей любимой младшей дочери. Брайана — профессиональная танцовщица и хореограф. На протяжении всех школьных лет она обучалась танцам под управлением опытного специалиста, хореографа и телевизионной знаменитости, Шейн Спаркс. Брайана была на подтанцовке на концертах у различных звезд. После окончания средней школы Кемпбелл Холл в 2004 году Брайана Эвиган решает поступить в Valley College в Лос-Анджелесе. Там она становится одной из основателей альтернативной поп-рок группы Moorish Idol, где была в качестве вокалистки и играла на клавишных.

Как профессиональная танцовщица, Эвиган появилась в клипах Linkin Park, Flo Rida, T-Pain и Энрике Иглесиаса. Также у нее были эпизодические роли в сериале «Страх, как он есть» и в фильмах «Стильные штучки» и «Something Sweet».

В 2008 году она получила роль Энди Уэст, принесшую ей популярность в сиквеле танцевально-драматического фильма 2006 года «Шаг вперед» — «Шаг вперёд 2: Улицы». Фильм был снят в конце 2007 года в Балтиморе и был выпущен 14 февраля 2008 года. Фильм, который получил негативные отзывы от «Rotten Tomatoes», заработав по всему миру $148,424,320. И Эвиган и Роберт Хоффман получили награду за «Лучший поцелуй» на 2008 MTV Movie Awards.

В 2009 она снялась в независимых фильмах «Субъект: Я люблю тебя» и «Burning Bright». [2]

Она появилась в сиквеле к культовому фильму «Донни Дарко», «С. Дарко», бок о бок с Джеймсом Лэфферти и Эдом Вествиком. Первоначально, предназначенный для показа в театре, фильм был выпущен только на DVD 12 мая 2009 года, встретив негативные отзывы.

Было объявлено в августе 2008, что Эвиган появится в главной роли в ремейке малобюджетного фильма ужасов 1983 года «На греческой улице» — «Крик в общаге» киностудии «Summit Entertainment». Она снялась вместе с Одриной Пэтридж, Румер Уиллис и Джэми Чунгом, фильм был выпущен на DVD и Blu-ray 23 февраля 2010 года.

2 апреля 2009 она получила награду «ShoWest» вместе с другими звездами из фильма «Крик в общаге» в номинации «Female Star of Tomorrow».

Было обнародовано, что она появится в одноимённом ремейке фильма 1980 года «День Матери» вместе с Джейми Кингом и Алексой Вегой. Съемки фильма прошли с августа по октябрь 2009 года; релиз назначен на 9 мая 2010.

JabbaWockeez

Gia — Sun, 13 Mar 2011 09:00:16 GMT

JabbaWockeez

JabbaWockeeZ — мужской танцевальный коллектив из штата Калифорния, выступающий в жанре хип-хопа. Популярность пришла к ним после их появления в первом сезоне телешоу «Америка ищет таланты», а в дальнейшем они стали победителями первого сезона видеоконкурса хип-хоп танца «Короли танцпола» по результатам голосования. После победы группа получила большое продвижение, появляясь в видеоклипах, рекламе, совершая интернациональное турне, и выступая с Шакиллом О’Ниллом в 2009 году в NBA All-Star Game. Они известны тем, что носили простые белые маски и перчатки, чтобы поощрить зрителей сосредотачиваться на своем движении как группы вместо отдельных балерин. Свое название коллектив берет из шутливого стихотворения Льюиса Кэрролла «Бармаглот» («Jabberwocky»).

После победы в конкурсе «Короли танцпола» 27 марта 2008 года коллектив снискал огромную популярность и получил уникальную возможность показать себя широкой аудитории. Эта победа принесла коллективу выигрыш в размере 100 тысяч американских долларов . Финальное выступление «JabbaWockeez» состоялось под композицию «Stronger» Канье Веста, которое стало их первым публичным выступлением без масок.

Состав

* Christopher (Chris) «Cristyle» Gatdula - филиппино-американец
* Kevin «K.B» Brewer - афроамериканец
* Rynan Shawn «Kid Rainen» Paguio - филиппино-американец (Дата рождения: 26 марта 1982; Место рождения: Сан-Диего, Калифорния, США)
* Jeff «Phi» Nguyen - вьетнамо-американец
* Phillip (Phil) «Swaggerboy/SB» Tayag - филиппино-американец
* Joseph (Joe) «Emajoenation/Punkee» Larot - филиппино-американец
* Saso «Saso Fresh» Jimenez - испано-американец
* Randy «Wish One» Bernal - филиппино-американец
* Eddie «Eddiestyles» Gutierrez - испано-американец
* Gary «Gee» Kendell - афроамериканец (умер)
* Benjamin (Ben) «B-Tek» Chung - кореяно-американец

Махмуд Эсамбаев

Gia — Mon, 28 Feb 2011 16:51:10 GMT

Биография

Махмуд Эсамбаев родился 15 июля 1924 года в предгорном селении Старые Атаги (ныне Грозненский район Чеченской республики). Махмуд Эсамбаев танцевал с раннего детства. В 7 лет он уже плясал на свадьбах, куда его брал с собой отец.

В 1939—1941 годах учился в Грозненском хореографическом училище. В 15 лет начал танцевать в Чечено-Ингушском государственном ансамбле песни и танца, в 19 лет — в Пятигорском театре музыкальной комедии. Так как юность Махмуда пришлась на годы Великой Отечественной войны, он танцевал во фронтовой концертной бригаде на передовой, на строительстве оборонительных сооружений, в военных госпиталях.

В 1944—1956 годах Махмуд был солистом Киргизского театра оперы и балета в городе Фрунзе, где он исполнял главные партии в балетах «Лебединое озеро», «Бахчисарайский фонтан», «Спящая красавица».

В 1950-е годы Махмуд Эсамбаев оставил академическую сцену и обратился к народному танцу. В 1959 году Эсамбаев выступил со своей программой в Москве, затем в составе труппы «Звёзды советского балета» посетил с гастролями Францию, Южную Америку, где имел грандиозный успех. Эсамбаев исполнил огромное количество самых разнообразных танцев: «Чабан» (чечено-ингушский, узбекский), «Воин» (башкирский), «Золотой бог» (индийский), ритуальный «Танец огня» на музыку де Фальи, «Ля-коррида» (испанский), «Танец с ножами» (таджикский) и др.

Эсамбаев избирался депутатом Верховного Совета Чечено-Ингушской АССР, РСФСР, СССР. Был президентом Международного союза деятелей эстрадного искусства. При его активной поддержке в Грозном строились новые здания драматического театра и цирка.

Махмуд Эсамбаев умер 7 января 2000 года на 76-м году жизни. Похоронен на Даниловском мусульманском кладбище в Москве.

Чародей танца

Махмуда Эсамбаева не зря называют чародеем танца, волшебником пластики. Сценический облик Эсамбаева всегда разный, изменчивый до неузнаваемости. И сущность этого перевоплощения — совсем не в характерном гриме и этнографической подчеркнутости одеяния. Речь идет о редчайшем пластическом перевоплощении, умении на языке танца раскрывать национально-самобытные характеры. Эсамбаев знает танцы многих народов мира. Но артиста увлекает не количество названий. На языке чечено-ингушского, негритянского, бурятского, бразильского, испанского, еврейского, индийского танцев он говорит о самом главном, что волнует людей: о жизни, о счастье, о мире и радости. В своих хореографических миниатюрах Эсамбаев может быть патетичным, воинственно бесстрашным, грозным, саркастически гневным, улыбающимся, смеющимся. В отдельных его номерах есть настоящая публицистичность, ясный политический накал. Искусство Эсамбаева очень театрально, красочно, изобретательно и сложно по своей форме. Его некоторые танцы отличаются технической сложностью, замысловатыми вирту-. озными движениями. Но ни один из приемов творческой палитры Эсамбаева никогда не бывает самоцельным, трюкаческим. Танцы народов мира. Как благородно, как гуманистически звучат эти слова. Как прекрасен духовный облик человека, который своим искусством способствует братству и единению людей.

Фильмография

* «Я буду танцевать» (1962) — Махмуд Ишхоев
* «Земля Санникова» (1973) — шаман
* «На край света» (1975)
* «Пока бьют часы» (1976) — придворный скрипач Иги Наги Туги
* «Честное волшебное» (1976) — Огонь
* «Приключения маленького Мука» (1983)
* «Увертюра» (1994)

Награды и звания

* Герой Социалистического Труда:
o Указом Президиума Верховного Совета СССР от 13 июля 1984 года за выдающиеся заслуги в развитии советского хореографического искусства и в связи с шестидесятилетием со дня рождения народному артисту СССР Эсамбаеву Махмуду Алисултановичу присвоено звание Героя Социалистического Труда с вручением ордена Ленина и золотой медали «Серп и Молот».
* Орден «За заслуги перед Отечеством» III степени (15 июля 1999) — за выдающийся вклад в развитие искусства танца.[1]
* Орден Дружбы народов (20 июля 1994) — за выдающиеся достижения в искусстве танца и плодотворную общественную деятельность.[2]
* Орден Отечественной войны 2-й степени (11 марта 1985).
* Народный артист СССР (1974).
* Трижды лауреат различных международных конкурсов.
* В честь М. А. Эсамбаева назван астероид 4195 (Esambaev), открытый 19 сентября 1982 Л. И. Черных.

Увековечивание памяти

* 17 июля 2008 года состоялось торжественное открытие памятника танцору Махмуду Эсамбаеву в Грозном, приуроченное к 84-й годовщине со дня рождения танцора. Памятник установлен у здания Республиканского центра культуры и искусств. Скульптура изготовлена жителем села Бено-Юрт Асланом Тимерхановым и преподнесена министерству культуры Чеченской Республики в подарок.
* 11 августа 2009 года проспект Революции в Грозном переименован в проспект имени Махмуда Алисултановича Эсамбаева.

Источник: http://ru.wikipedia.org/wiki....5%D0%B2

Нумизматика и танец

Louise — Sun, 27 Feb 2011 11:02:45 GMT

Классический балет:

Значки тоже можно выкладывать сюда:

House dance

Millamoonwalker — Sun, 27 Feb 2011 09:59:45 GMT

Kак и под какую музыку сегодня танцуют в ночных клубах и на дискотеках?
Нет определения этого танцевального стиля, есть обобщающее понятие «клубные танцы», которое вместило в себя различные стили, такие как R&B, хип-хоп, хауc (House), техно и др.

Стиль клубного танца – это свобода движений, импровизация, независимость от партнера, полное самовыражение в танце.
Особой популярностью в клубах и на дискотеках пользуются танцы в стилях Hip-Hop и R&B. Для каждого из них характерны свои движения. Например, для хип-хопа свойственны разнообразные скачки и подпрыгивания, а танец в стиле R&B состоит из движений «кач».
В то же время в последние годы в Европе набирает популярность еще одно направление клубных танцев – хауз (House dance).
В настоящее время хауз танцуют практически на всех новомодных клубных вечеринках.
Этот танец отличается, прежде всего, уникальной манерой исполнения с легким налетом вальяжности и гламура, танцоры под музыку хауз как бы «колбасятся».
Он очень динамичен, ритмичен, для него характерны выбросы рук в такт музыки, определенного вида «качи» ("Делай кач!!! аеее!!!" ) от бедер, спиной. Резкие, энергичные движения ног перемежаются с плавными чувственными движениями корпусом и головой под то замедляющиеся, то ускоряющиеся фрагменты музыки хауз. Танцуя под музыку хауз, танцор подчиняет свое тело музыке, испытывая драйв и приток адреналина.
Танцевальный стиль хауз возник в конце 80-х годов прошлого столетия в американском городе Чикаго.
Затем, после переезда главных исполнителей хауз-музыки в Нью-Йорк, он стал распространяться сначала в модных клубах Нью-Йорка, а после и по всему миру...
Основоположником хауз-музыки считается Ди-Джей Фрэнки Наклз ( DJ Frankie Knuckles). Он исполнял в чикагском клубе «Warehouse» свои треки, которые были помесью соула, нью-йоркского диско и европейского техно, под дешевую драм-машинку фирмы Roland. Посетителям клуба, часто находившиеся под влиянием алкоголя и наркотиков, нравилось получать под такую музыку кайф. Отсюда и пошли танцевальные движения, характерные для стиля хауз.
В Европу этот стиль музыки попал благодаря выпуску в эфир английских радиостанций знаменитого трека «Move Your Body», написанного Маршаллом Джефферсоном (Marshall Jefferson), последующему приезду в Великобританию ди-джеев Интернешнл и Тракс (DJ International и DJ Trax) и выпуску альбомов с компиляциями хауз-музыки, например, «Jack Trax». После хауз-музыка стала все чаще звучать на закрытых андеграундных вечеринках в Лондоне и Манчестере.
В начале 90-х годов этот стиль музыки и танца распространился по всех Европе.
Освоение новых современных техник клубных танцев, таких как хауз, помогут танцору раскрепоститься и быть центром внимания на любой клубной вечеринке или на танцполе. Зажигательный клубный танец дает ему возможность для самовыражения и проявления своих творческих, танцевальных способностей.
_____________
Отличный сайт хаусеров) http://www.housedancer.com/
Видео-пример Хауса http://www.youtube.com/watch?v=4XTZOrp4m-I&feature=related

Балет в филателии

Louise — Sun, 27 Feb 2011 09:54:34 GMT

http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%91%

Балет в филателии

Почтовая марка СССР (1969): I Международный конкурс артистов балета в МосквеТема балета в филателии составляет одно из направлений тематического коллекционирования почтовых марок и других филателистических материалов, посвящённых балетным постановкам, артистам балета, балетмейстерам, балетным педагогам.

Впервые марка на балетную тематику появилась в СССР в 1958 году в серии, изданной в честь I Международного конкурса имени П. И. Чайковского. Тему балета в филателии продолжила Дания, выпустившая в 1959 году марку, посвящённую Датскому фестивалю балета и музыки.

Так как балетные постановки сопровождаются музыкой (как классической, так и современной), эта филателистическая тематика может пересекаться с музыкальной филателией.

Почтовые ведомства СССР и России выпустили более 20 марок, посвящённых балетным спектаклям. При создании многих миниатюр, посвящённых балету, художники, стремясь передать динамику движения танцоров, использовали документальные фотографии. Наибольшее количество марок посвящено балетам П. И. Чайковского.

В серии 1958 года, посвящённой I Международному конкурсу имени П. И. Чайковского, художник С. Поманский изобразил на миниатюре сцену из балета «Лебединое озеро» (ЦФА (ИТЦ «Марка») #2130, 2133).[1] За основу рисунка был взят снимок спектакля Большого театра в постановке Александра Горского 1937 года, просуществовавший до 1956 года. Партию принца исполняет Юрий Кондратов, Одетты — Майя Плисецкая.

В ноябре 1961 — феврале 1962 года вышла серия из четырёх марок «Советский балет» (ЦФА (ИТЦ «Марка») #2645-2648) по рисункам Василия Завьялова. На первой марке серии представлен первый советский балет «Красный мак» (с 1957 — «Красный цветок»), поставленный Рейнгольдом Глиэром в 1927 году (2-я редакция — 1949). Вторая миниатюра посвящена одному из самых любимых балетов Сталина — «Пламя Парижа» Бориса Асафьева, который ставился с 1932 по 1964 год и был возрождён в 2008 году в новой постановке Алексея Ратманского.[2][3] На третьей марке серии представлен балет Сергея Прокофьева «Ромео и Джульетта», премьера которого состоялась в 1938 году. Заключительная марка серии посвящена балету «Лебединое озеро». Миниатюра повторяет кадр одноимённого фильма. Экранизацию балета осуществила режиссёр Зоя Тулубьева в 1957 году. В роли Одетты — Майя Плисецкая, Принца — Николай Фадеечев.

10 июня 1969 года в Москве открылся I Международный конкурс артистов балета. Этому событию была посвящена марка (ЦФА (ИТЦ «Марка») #3758), на которой художник Н. Шевцов изобразил артистов балета в танце.

В серии 1970 года «Иностранный туризм в СССР» на одной из марок (ЦФА (ИТЦ «Марка») #3938) изображена сцена из балета. Некоторые исследователи считают, что она из балета «Лебединое озеро», другие, указывая на корону на голове балерины, считают, что на миниатюре изображён дуэт принцессы Авроры и принца Дезире из «Спящей красавицы».

Анна Павлова

Louise — Sun, 27 Feb 2011 09:47:34 GMT

Анна Павлова

Анна Матвеевна Павлова родилась 12 февраля 1881 года в деревне Лигово под Петербургом. Матерью будущей балерины была швея Любовь Павлова (порой ей приходилось подрабатывать прачкой). Девочка родилась недоношенной и выжила буквально чудом.

Официального отца – отставного солдата Преображенского полка Матвея Павлова – Аня не помнила. Молва считала ее настоящим отцом Лазаря Полякова, банкира и младшего брата российского «железнодорожного короля» Самуила Полякова. Возможно, это просто легенда. Но она, во всяком случае, объясняет некоторые неувязки между бедным детством солдатской дочки и снятой для Аниной бабушки двухэтажной дачей в Лигове – аристократическом предместье Северной столицы, куда на лето съезжалась театральная богема и тогдашние нувориши. Да и частое посещение Мариинки, а также обучение в столичной Императорской балетной школе тоже стоили денег, и немалых.

То, что она станет танцовщицей, Аня знала с восьми лет, едва побывав с матерью на балете в Мариинке. Тогда она безапелляционно заявила: «Я буду танцевать Спящую Красавицу в этом театре!»

Однако первая попытка поступления в школу закончилась провалом. Вторая попытка тоже чуть было не сорвалась. Судьбу Ани решил председатель приемной комиссии – знаменитый балетмейстер Мариус Петипа. Посмотрев танцевальный номер Ани Павловой, седоусый мэтр вынес вердикт: «Пушинка на ветру – она будет летать на сцене».

После окончания Вагановского училища, в 1899 году Анна Павлова была принята в труппу Мариинского театра. Танцевала партии в классических балетах «Щелкунчик», «Конёк-Горбунок», «Раймонда», «Баядерка», «Жизель». В 1906 году стала ведущей танцовщицей труппы. Анна Павлова исполняла главные роли в балетах М. Фокина «Шопениана», «Павильон Армиды», «Египетские ночи» и др.

В 1907 году на благотворительном вечере в Мариинском театре Анна Павлова впервые исполнила поставленную для неё М. Фокиным хореографическую миниатюру «Лебедь» (позже «Умирающий лебедь»), ставшую впоследствии одним из символов русского балета 20 века. В 1909 году участвовала в «Русских сезонах» Дягилева в Париже, положивших начало её мировой известности. Афиша работы В. Серова с силуэтом А. Павловой стала навсегда эмблемой «Русских сезонов».

В 1910 году создала собственную труппу. Вместе с этой труппой гастролировала во многих странах мира. Специально для труппы А. Павловой М. Фокиным были поставлены несколько балетов.

Последнее выступление балерины в Мариинском театре состоялось в 1913 году, а в России – в 1914 году, после чего она обосновалась в Англии и в Россию больше не возвращалась.

О подлинной жизни ее известно мало. Имя ее ещё при жизни балерины стало легендарным. Скончалась Анна Павлова в Гааге, во время гастролей, 23 января 1931 года от пневмонии. Несмотря на желание балерины вернуться на родину, урна с её прахом находится в Лондоне.
http://www.calend.ru/person/1463/

Индийские народные танцы

Louise — Mon, 07 Feb 2011 19:48:39 GMT

http://www.saraswaty.ru/folk_indian_dance.shtml:

ОТЛИЧИЕ НАРОДНЫХ ТАНЦЕВ ОТ КЛАССИЧЕСКИХ
Издревле по Индии ходили бродячие артисты. Они танцевали, пели и устраивали представления, в которых рассказывалось о жизни людей и богов. Их приглашали для участия в мистериях при храмах. Постепенно часть из танцоров осталась при храмах, и в своих танцах они рассказывали о деяниях богов. Движения этих танцев были канонизированы. Существуют древние трактаты о танцах, в которых зафиксированы танцевальные традиции. Однако в разных регионах стили классических танцев сильно отличаются. На юге – танцуют Бхарат-натьям, на востоке – Одисси, на севере – Катхак.

Движения народных танцев канонизированы не были и они не имеют зафиксированных письменных традиций.

РАЗЛИЧИЕ ПО РЕГИОНАМ
Индия большая страна и в ней живет большое количество этнических и лингвистических групп. В этой стране встречается огромное разнообразие и богатство народной музыки и танцев. В каждом штате танцуют народные танцы. У каждого танца свой характер, свой костюм. Танцы северных штатов очень сильно отличаются от танцев юга

ОТЛИЧИЯ В ПРЕДЕЛАХ ОДНОГО ШТАТА
Танцы могут претерпевать довольно сильные изменения и в рамках одного штата, что хорошо заметно, если двигаться с севера на юг или с запада на восток. В каждой деревне говор несколько отличается, а если сравнивать язык деревень, находящихся друг от друга на довольно большом расстоянии, то это уже может быть новый диалект. Также могут различаться и танцы. Даже у отдельной деревеньки может быть свой собственный вид танца, как, например, танец Тера Тали общины Камад в Раджастане, который вдохновенно исполняется местными жителями.

На танцы может оказывать влияние близость соседних штатов и влияние их танцевальной культуры. Во многих народных танцах можно обнаружить тот или иной элемент, перенятый из классических танцев, исполняемый в данном штате.

КОСТЮМЫ
На севере и северо-западе одни костюмы, а на северо-востоке совсем другие. Самой популярной одеждой в Индии является Сари. По расцветке и манере одевать сари иногда можно определить, из какого штата приехала его обладательница. Так, например, в центральной Индии в штате Махараштра женщины одевают сари так, что получаются широкие штаны, а в Западной Бенгалии традиционно свободный конец сари превращается в капюшон.

На костюм северных и северо-западных штатов довольно сильное влияние оказало мусульманская культура. Сари здесь носят значительно реже, чем в других регионах Индии, а наиболее популярным видом одежды является шальвар камиз – платье, штаны и покрывало, закрывающее грудь и голову.

Украшения в разных регионах Индии тоже различаются. На юге носят преимущественно золотые украшения, а на востоке (особенно в Ориссе) – серебряные.

КОГДА ТАНЦУЮТ НАРОДНЫЕ ТАНЦЫ
Народные танцы тесно связаны с событиями жизненного цикла, с явлениями природы. Рождение, свадьба, окончание сбора урожая – вот важнейшие события, сопровождающиеся исполнением танцев. Религиозная тематика в народных танцах встречается значительно реже, чем в классически. Единственным часто используемым в народных танцах религиозным сюжетом являются игры Кришны с пастушками.

Танцевать в Индии умеют и любят. Многие индийцы в детстве обучаются какому-нибудь стилю классического танца или игре на музыкальных инструментах, а народные танцы танцуют практически все. Трудно представить себе женщину из штата Гуджарат, которая бы не умела танцевать национальный танец с палочками, а зажигательную Бхангру танцуют не только пенджабцы, но и большинство индийцев северной Индии.

Народные танцы в Индии тесно связаны с повседневной жизнью и больше направлены на выражение духа коллектива и продолжение традиций, чем на изящное и виртуозное исполнение.

МОГУТ ЛИ РУССКИЕ ТАНЦЕВАТЬ ИНДИЙСКИЕ ТАНЦЫ
Да, большинство индийцев умеет танцевать свои национальные танцы, и с удовольствием делают это на праздниках, но в Индии почти нет профессиональных коллективов, исполняющих фольклорные танцы на сцене, поэтому на праздниках в деревнях исполняют произвольный набор движений, а танцев с определенной хореографией фактически нет.

Когда в 1989 г. наш коллектив впервые поехал на гастроли в Индию по приглашению университета им. Дж. Неру, мы естественно очень волновались, как индийцы воспримут свои фольклорные танцы в исполнении иностранцев. К нашему удивлению, им очень понравилось. Оказалось, что мы смогли передать особый национальный характер каждого танца, а, кроме того, индийцам понравились свои собственные фольклорные танцы, но поставленные для сцены.

А теперь расскажем о народных танцах Индии, исполняемых коллективом.

ХОЛИ
Один из самых веселых праздников в Индии – это весенний праздник Холи.

Юноши и девушки мажут друг друга яркой пудрой, обрызгивают подкрашенной водой, организуются красочные шествия.

Существует несколько легенд, связанных с происхождением праздника Холи.

По одной из них название Холи произошло от имени демоницы Холики. Прахлада - сын злого царя, поклонялся Вишну, и ничто не могло разубедить его в этом, тогда сестра царя демоница Холика, которая, как считалось не горит в огне, уговорила Прахладу взойти на костер во имя Бога. К всеобщему изумлению Холика сгорела, а Прохлада, спасенный Вишну, вышел невредимым. В память об этих событиях накануне праздника Холи сжигают чучело злой Холики. Холи – праздник весны – обычно он приходится на март-апрель, время, когда сожгли злую Холику.

Кроме того, праздник Холи связывают с историей о том, как Шива испепелил своим третьим глазом бога любви Каму, после чего Кама остался бестелесным, но по просьбе жены Шивы Парвати и жены Камы богини Рати Шива вернул Каме тело на 3 месяца в году.

Когда Кама обретает тело, все вокруг расцветает и, счастливые люди празднуют самый веселый праздник любви.

Праздник Холи также часто связывают с именем Кришны и его играми с пастушками.

Заигрывания молодого человека и девушки во время праздника холи – излюбленная тема для танца. Юноша выманивает девушку, отвлекает ее, она засматривается на что-нибудь, а он в этот момент перемазывает ее цветной пудрой или обливает подкрашенной водой. Девушка обижается, он просит прощения (характерный жест – берется за мочки ушей). Она его прощает и тоже обливает его цветной водой.

ТАНЕЦ СО СВЕЧАМИ
Во многих районах Индии танцуют танец со свечами или светильниками.

Огонь издревле считался на востоке священным. По поверьям, он приносит очищение. Раз в году в Индии празднуется Праздник огней, когда силы добра побеждают зло. Символом победы и очищения является огонь. Поэтому в заключение концертов в Индии любят танцевать танец со свечами. Пластика этого танца завораживает. В движениях рук можно узнать укачивание ребенка, сбор и посадку риса, или девушку, смотрящуюся в зеркало.

БЕНГАЛИЯ
На северо-востоке Индии, к северу от Ориссы расположена Западная Бенгалия - единственный штат в Индии, протянувшийся от Бенгальского Залива до Гималаев. Столица этого штата – Калькутта.

Поскольку Орисса и Бенгалия расположены рядом, то взаимовлияние их культур выражено очень сильно. Так, например, танцы с масками в Бенгалии очень сходны с танцами Чхау из Ориссы. Эти танцы считаются полуклассическими. В масках разыгрывают сцены из легенд и преданий.

Есть в Бенгалии и просто народные танцы, которые танцуют в деревнях.

Имя индийского поэта Робиндраната Тагора широко известно, однако не все за пределами Индии знают, что Тагор был бенгальцем, и совсем немногим известно, что Тагор был не только поэтом и прозаиком, но и писал музыку.

Робиндранат Тагор получил очень хорошее европейское образование. В мелодиях, написанных им, соединились индийская и европейская музыкальные традиции.

Ко многим своим стихотворениям он написал и музыку – так родился особый стиль песен, названный по имени их создателя – Робиндро Шонгит. Его песни о природе, о взаимоотношении человека и божества (пантеистические песни).

Мелодика этих песен очень похожа на бенгальскую, но размер часто вальсовый (3/4). Нет типичных индийских ритмов и размытых тонов – то есть, прослеживается европейской влияние. Песни Робиндро часто используются в Бенгалии как основа для танца. Эти танцы исполняются в классических бенгальских сари – желтых с красной каймой.

Песни Тагора, хотя и написаны европеизированным стилем, но это один из характерных видов традиционных сезонных песен:

После засушливой зимы приходит весна, На причудливо изогнутых голых ветках деревьев появляются гроздья огненных красных и желтых цветов, павлин танцует, распустив хвост, сердце мое сегодня танцует, как павлин, в предчувствии весеннего дождя (весна связана с приходом дождей и с танцем павлина).
При взгляде на покрытое тучами небо, меня охватывает радость, под каплями дождя трепещут молодые деревья, гроздьями опадают цветы жасмина.
Эй, кто там? Это в густой листве дрозд качается на ветке. Небо расцвечено молниями, а река вышла из берегов.

Среди народных бенгальских танцев особого внимания также заслуживает юмористический танец ТОРДЖА –
сценка ссоры молодой жены со старым мужем

УТТАР ПРАДЕШ
На севере Индии наиболее распространен классический стиль танца - катхак и, естественно, он оказал большое влияние на народные танцы в этом регионе, в которых часто встречаются движения из этого стиля.

В репертуаре нашего коллектива есть народный танец штата Уттар-Прадеш, посвященный Кришне:

Звуки флейты Кришны утоляют жажду всех страждущих

Сегодня сбываются все мечты,

Вся вселенная кружится в веселом хороводе.
Кришна играет на флейте так красиво,

что луна и звезды сошли на землю, чтобы послушать его игру,

Кришна играет на берегу реки Ямуны,

Вода реки волнуется и разбивает их отражение на тысячи кусочков,

ГУДЖАРАТ
Как мы уже говорили, народные танцы тесно связаны с событиями жизненного цикла, с явлениями природы. Почти на всем севере Индии после завершения сбора урожая и конца полевых работ. Осенью отмечают праздник, посвященный матери-земле.

Во время этого праздника, который длится 9 дней, каждый вечер на всех дорогах и площадях Северной Индии слышны звуки музыки и ритмичные удары бамбуковых палочек – это местные жители поют и исполняют танец Горбха в честь богини Амбы. В эти же дни принято играть свадьбы.

Горбха – переводится как зародыш. Невесте желают иметь как можно больше детей. В индийских семьях считается, что иметь много детей очень хорошо, т.к. в старости дети будут помогать. Девушка прощается с родителями, уходит в чужой дом. В песне описывается красота невесты, и какой у нее будет хороший дом.

Танец исполняется иногда с палочками, иногда с кувшинами на головах, внутри которых горят светильники. По бокам кувшина сделаны отверстия, через которые виден свет светильников, олицетворяющих зародыш в чреве матери.

В репертуаре нашего коллектива есть несколько танцев с палочками штата Гуджарат. Горбха – это нежный женский танец и танцуют его в сари, более активный танец с палочками – дандиа расс, иногда бывает парный, иногда женский и танцуют его почти в таких же костюмах, что и в Уттар Прадеш (в широких ярких юбках, покрывалах на голове и кофточках). Существует легенда, что этот танец исполняли пастушки, сопровождавшие Кришну.

РАДЖАСТАН
Раджастан – пустынный штат. Больше половины его территории занимает пустыня Тар. Из-за недостатка воды растительность здесь крайне скудная.

Жизнерадостные индианки как бы компенсируют недостаточное богатство красок природы яркостью своих костюмов. Широкие юбки и покрывала обязательно расшиты блестящими на солнце нитками или зеркальцами. Руки украшают многочисленные браслеты.

Танцы в Раджастане игривые, веселые. Сюжеты обычно не религиозные, а связаны с сезонными работами или праздниками.

В общине Камад в Раджастане есть свой собственный очень своеобразный танец ТЕРА ТАЛИ. Он исполняется двумя или тремя женщинами, сидящими на земле. Металлические тарелочки привязываются к разным частям тела, в основном к ногам, и танцовщица ловко попадает по ним другими тарелочками, которые она раскручивает в руках, создавая определенный ритм. В зубах исполнительница держит маленький меч, а на голове у нее стоит кувшин. Научиться этому танцу довольно сложно, и обучение бывает очень продолжительным.

Мы танцуем раджастанский танец о весне, о празднике Холи, о любви:

Павлин танцует, распушив хвост
Юноши и девушки смешивают в чане с водой краски и смотрят, что получилось
Они наполняют брызгалки и обливают друг друга
Берут цветные порошки и высыпают их друг на друга
Девушка прихорашивается (красит губы, щеки, глаза, одевает красивую курту)
Наша любовь так сильна, и мы связаны подобно линиям судьбы,
Нас не разлучить ни на земле, ни на небе.

МАХАРАШТРА
На западе Индии, севернее Кералы расположен Штат Махараштра. Его столица Бомбей (современное название – Мумбай).

В этом штате множество достопримечательностей, но, пожалуй, наиболее интересны пещерные храмовые комплексы в Аджанте и Эллоре. К Махараштре примыкает анклав Гоа с прекрасными пляжами и наиболее развитой туристической индустрией.

Женщины в штате Махараштра одевают сари очень своеобразным образом – заматывая его в виде широких штанов, свободный конец сари часто обыгрывается в местных народных танцах. В Махараштре очень популярен милый кокетливый танец ЛАВАНИ.

ПЕНДЖАБ
Ни мусульманские, ни английские завоеватели так и не смогли до конца завоевать этот штат, в котором испокон веков жили смелые и воинственные люди.

Вольный дух очень характерен для Пенджабских женщин. В отличие от большинства индианок из других штатов, они не ходят, застенчиво опустив глаза, и вовсе не такие безответные. Пенджабская женщина может дать сдачи не только словами, но и, если надо, то и рукой.

Женщины этого штата предпочитали смерть в огне после того, как их мужья проигрывали битву с мусульманскими наемниками. Они сжигали себя живьем и считали, что это гораздо более достойно, чем находиться в гареме.

Пенджабские женщины, получив известие, что их сын погиб на поле боя, считали себя счастливыми матерями, т.к. самая достойная смерть – смерть на поле брани, а не в собственной постели.

Однако мусульманское влияние прослеживается в женском костюме. Наиболее распространен здесь шальвар камиз (платье, часто с богатой вышивкой, штаны и покрывало). Женщину в сари встреть в Пенджабе почти невозможно.

Танцы в Пенджабе необыкновенно задорные и зажигательные. Наиболее популярны искрометная Бхангра и веселая Гиддха.

Гиддху танцуют женщины. Этот танец сопровождается стихами из 4-6 строк, называемыми “Боли” (напоминают частушки). Это массовый танец, иногда от общей группы отделяются 2-3 танцовщицы и исполняют сольные партии, движениями изображая содержание песни.

В основном Гиддха исполняется во время фестиваля ТИДЖ, приветствуя сезон дождей, но ее также танцуют на свадьбах и других праздниках:

танцуйте, девушки, танцуйте, украсив руки браслетами, под горящими взглядами юношей, танцуйте!

ЮЖНАЯ ИНДИЯ
Фольклорные танцы часто посвящены сбору урожая и исполняется в каждой деревне по-своему, но в каждом из них можно увидеть, как крестьянки изображают слона, везущего повозку, показывают, как жнут и связывают в пучки траву, как собирают виноград или идут к реке за водой.

Добавлено (07 Февраль 2011, 22:43)
---------------------------------------------
Индия.
В соответствии с индуистской легендой, мир был создан танцующим богом Шивой. Своим божественным танцем Шива уничтожил враждебных ему демонов, и с тех пор боги всегда танцевали. Танец рассматривался как явление божественное, дар богов человечеству. Примерно в 5 в. н.э. мудрец Бхарата в трактате Натьяшастра сформулировал художественные принципы танца и систему обучения, а также запечатлел строгие правила языка жестов.

В санскрите «танец» и «драма» обозначаются одним и тем же словом – «натья», что отражает неразрывность этих понятий. Бхарата говорит о «нритье» – выразительном танце-пантомиме, который излагает целую историю, и о «нритте» – чистом танце ради танца, в котором танцующий полностью отдается стихии ритмов. Как и все восточные танцы, индийский традиционный танец связан главным образом с верхней частью туловища. Существуют правила, касающиеся позиций ступней – на полу и в воздухе и разных приемов исполнения движений ногами. Индийский танцовщик обучается также спиралевидным движениям и прыжкам. Язык кистей рук – мудра – прекрасен в своем многогранном символизме. Есть правила (хаста), которые определяют также движения, связанные с туловищем, плечами, предплечьями, шеей. Существует 24 типа движений одной кистью, 13 типов движений двух кистей рук в 10 движений руки целиком, 5 типов движений для грудной клетки и по 5 типов для торса, живота и бедер. Далее, есть типы движений для шеи и для бровей, а также 36 типов взглядов, выражающих разные эмоциональные состояния.

Традиционный танец в Индии культивировался главным образом девадаси – храмовыми танцовщицами, которые, особенно на юге страны, поддерживали жизнь классического танца бхарата натья. Натья – по происхождению своему храмовый танец, часть религиозного обряда, и считается, что системы хаста и мудра были созданы для сопровождения пения священных гимнов Ригведы. В репертуар исполнителей бхарата натья, кроме лирических и пантомимических танцев, входит также науч – песня-танец.

Катхакали – стиль, культивируемый главным образом на западном побережье юга страны, – может быть охарактеризован как мистерия индуистской традиции. Этот танец, сочетающий в себе элементы пантомимы и драмы, берет начало в древнеиндийских эпосах Рамаяна и Махабхарата. Исполняют его обычно мальчики и молодые люди; они играют и женские роли, гримируясь и облачаясь в фантастические одежды.

Сильно стилизованные танцы бхарата натья и катхакали во многом отличаются от двух других классических стилей танца, зародившихся в Северной Индии. Катхак – это танец жрецов-браминов, которые излагали с помощью танца и пантомимы историю своего вероучения. Мусульманские завоеватели, не признававшие никаких изображений божества, запрещали все религиозные танцевальные обряды и стремились сделать из «катхака» простое увеселение. Катхак – очень ритмичный танец со стремительными поворотами. Притопывание ногами в ритм аккомпанирующих барабанов постепенно убыстряется; мимика танцующего – естественная, а не подчиненная канону.

Стиль северо-востока Индии – это манипури, близкий общему духу танцев Восточной Азии. Некоторые виды манипури исполняются очень энергично, вплоть до применения акробатических приемов; для других видов типично скромное достоинство и изящные раскачивающиеся движения, как в народных танцах. Индийский мыслитель и поэт 20 в. Р.Тагор выбрал именно стиль манипури для занятий танцем в созданном им университете в Шантиникетоне (недалеко от Калькутты). Деятельность Тагора сильно повлияла на возрождение традиции классического индийского танца. Знакомя с искусством танца, индийский учитель (гуру) одновременно обучает философии жизни. http://www.krugosvet.ru/node/39681?page=0,7

Добавлено (07 Февраль 2011, 22:48)
---------------------------------------------

Танцующий бог Шива:

Вакинг / Waaking

Millamoonwalker — Wed, 26 Jan 2011 09:42:35 GMT

Вакинг (Waaking) зародился в начале 70-х в гей-клубах Лос-Анджелеса, на Западном побережье. Первоначально этот стиль назывался The Garbo (по имени Греты Гарбо, известной шведской актрисы, театральные позы которой пародировали танцоры). Waacking – коммерческое название танца, появившееся в связи с его распространяющейся популярностью (от waack – махать руками), когда танцоры традиционной ориентации стали заимствовать и копировать движения, в частности, на популярном американском ТВ-шоу Soul Train. Сначало это был в большей степени фьюжн джаза, движений хип-хопа и локинга.

Потрясающее видео украинцев (!) http://www.youtube.com/watch?v=FqlY03wp7b4 Молодцы ребята!
Режиссёр: Евгений Тимохин
Оператор: Елена Маркова
Стилист: Василий Бондаренко
Хореография : Олег Жежель
А это детишки так пляшут! я вообще в восторге от них! http://vkontakte.ru/video81722222_155783586

Вообще скажу от себя: Вакинг очень нравитса в исполнении либо парней, либо детей.. не люблю когда девушки пытаютса его плясать.. хотя сама хотела бы научитса))) но смотреть прикольней.. любоватса...

Добавлено (13 Январь 2011, 21:48)
---------------------------------------------
Подробней об основателях стиля Вакинг http://www.shake-dance.ru/polza/78/

Тектоник

Megie — Tue, 25 Jan 2011 11:33:19 GMT

Тектоник (от намеренно искаженного англ. tectonic — тектонический, восходящего к греческому tektonikos) — французская торговая марка, а также танцевальное движение XXI века, возникшие вокруг танца, содержащего в себе элементы джампстайла, хип-хопа, локинга, поппинга, техно и т. д. Первоначально термин означал танцоров стиля ай-да-ды электро дэнс, впоследствии с регистрацией «Тектоника» как бренда, он распространился на всё движение и его элементы в целом, несколько разграничив эти понятия. Движение имело огромную популярность в 2006—2007 годах, но с конца 2008-го наблюдается некоторый её спад.

История
В начале XXI в. вечеринки в Бельгии предлагали музыку в стиле Hardtech, Hard trance и Euro Dance. Самым популярным стилем был Jumpstyle, идея которого заключалась в том, чтобы прыгать, двигая одной ногой (потом другой) взад-вперед в такт басов. Из Бельгии эта концепция пришла во Францию.

История Тектоника начинается в Париже в 2000 году — в пригородном клубе Métropolis на вечеринках «Tecktonik Killer», где собирались молодые люди, стремящиеся быть «непохожими на других».
Танцевальная команда «Метрополиса» на двух вечеринках представляла бельгийский Techno, Hardstyle, Trance и Jumpstyle, тогда еще не известные парижской клубной публике. Одна из вечеринок называлась «BlackOut»; вначале ее ведущим был Mc Adrian из Radio Fg. Стиль музыки (Electro и Trance) был менее жестким и довольно коммерческим. В течение пяти лет другая вечеринка «Tecktonik Killer» предлагала бельгийский Techno, Hardstyle и Warm up electro. Со временем вечеринка «Tecktonik Killer» приобрела популярность. На нее приходят регулярно около 8 тыс. человек, приглашаются известные ди-джеи со всего мира. Вечеринки «Tecktonik Killer» стали проводиться и в других парижских клубах.

Распространение
В 2007 году Тектоник впервые выходит на широкую публику на фестивале Paris Techno Parade 15 сентября 2007 года [13]. Благодаря широкому распространению через сервисы обмена видео, подобные YouTube, Тектоник приобретает новых поклонников. Самыми известными создателями музыки в стиле тектоник являются Dess, Miss Hiroko, Lady Tom и другие.
Стараниями арт-директора «Метрополиса» Сирила Бланка (Cyril Blanc) и других организаторов Тектоник становится торговой маркой [14]. С 2006 года появляются компиляции «Tecktonik Killer». Производится одноименный энергетический напиток и широкий ассортимент продукции с символикой Тектоника: футболки, бейсболки, кофты, шнурки и т. д. Это вызывает отторжение у некоторых танцоров, вследствие чего они начинают выступать на улице, а не на вечеринках Средства массовой информации, которые долгое время пренебрегали этим стилем музыки и вечеринками Тектоника, начинают ими активно интересоваться. В Интернете появляются сотни видео из клубов с молодыми танцорами или записи данс-батлов, устраиваемых на улицах и в танцевальных школах.

Внешний вид

Типичный внешний вид танцоров Тектоника — суженные джинсы, брюки, обтягивающая короткая футболка с каким-нибудь рисунком (чаще всего с символикой тектоника), белый ремень, напульсники, гетры ярких цветов на руках, кроссовки баскетбольного стиля Данки, используются черно-белые шаховницы. Танцоры также, как правило, носят «футуристическую», а иногда даже «готическую» причёску.
Новые люди, приходящие в это танцевальное движение, принесли демократизм в выбор одежды. Теперь тектоник-дансер может надевать что угодно, начиная от балахона и широких хлопчатобумажных штанов, заканчивая шортами (преимущественно в командных выступлениях) и обнаженным торсом. У многих людей появляется собственное чувство стиля, отчего этот танец становится интереснее. Настоящие первоначальные тектонеры говорят, что лучше оставить стиль как он только появился.

Основные движения в танце
Тектоник или электродэнс - очень энергетически затратный и быстрый танец. Тем не менее, большую часть времени типичный танцор стоит на месте, однако, при этом ноги двигаются в такт (чаще всего носки ног и колени разводятся в стороны, а таз ритмично опускается вниз). Основная нагрузка приходится на руки, которые совершают вращательные внешне хаотичные движения. Чередуется использвание одной, двух или двух сцепленных в замок рук. Важным экспрессивным элементом являются захваты головы.

Источник: Википедия

Японские танцы

Louise — Tue, 25 Jan 2011 11:19:22 GMT

ЯПОНСКИЙ ТАНЕЦ

http://www.idance.ru/show.php?id_a=173
Традиционное танцевальное искусство Японии, возникшее в древности как элемент религиозных ритуалов, на протяжении столетий развивалось в тесном контакте с различными жанрами музыкального и театрального искусства. Японские танцы традиционно разделяются на «май», отличающиеся ритуальной сдержанностью, и «одори», для которых характерны более грубые, приближенные к повседневной реальности, движения.

Происхождение

Считается, что направление «май», которое буквально обозначает «вращение», берет свое начало в движениях храмовых прислужниц, которые кружились в ритуальных танцах с ветвями священного дерева «сакаки» и бамбука в руках, приносивших, согласно преданию, плодородие и спокойствие земле. Со временем движения и жесты, которым служительницы храма придавали религиозное значение, были формализованы, и ритуальный танец стал исполняться на сцене жрицами с веерами в руках. В дальнейшем он развился в хореографическое искусство театра «но». Как и древние ритуалы, от которых они произошли, танцы но и май исполняются обычно одним или двумя актерами, кружащими по сцене с веерами или подобными предметами в руках.

«Одори», что буквально означает «прыжок», возникло под влиянием определенных сект «дзёдо» — буддийской секты, широко распространенной в средние века среди простого народа. Секта дзёдо делала основной акцент на повторяющемся пении простых молитв («нэнбуцу») группами верующих, которые иногда подпрыгивали в ритме аккомпанировавших колоколов в примитивном танце, называвшемся «нэнбуцу одори». Вплоть до возникновения театра «кабуки» в период Эдо одори оставались именно такими видами танца, исполнители которых уделяют максимум внимания музыке, а не символическому значению жестов. Этот тип танцев существует в каждом районе Японии в виде народного танца «бон одори».

Хореография театра Кабуки

Танец «кабуки» первоначально считался разновидностью «одори», так как происходит от «нэнбуцу одори» и исполнялся под аккомпанемент популярных песен. Этот вид танца впервые исполнялся предположительно в начале VII в. в Киото труппой танцовщиц под руководством настоятеля храма Идзумо. Однако после 1629 г. правительственным указом, направленным на сохранение общественной морали участие женщин в кабуки было запрещено. После этого в кабуки играли мальчики, а когда и это было запрещено правительством - совершеннолетние актеры мужского пола. С развитием танца кабуки эта форма танца одори в значительной степени обогащалась элементами таких жанров «май», как «кусэмаи» — танец с речитативом, разнообразными формами «но» и «кёгэн». В то же время танец кабуки все теснее сплетался с драматическим сюжетом, превращаясь в театральную форму, дошедшую до наших дней.

Термин «нихон буе», или классический японский танец, скорее относится к хореографическому искусству кабуки и его производным, чем к древним и средневековым жанрам. Сегодня более 150 школ классического танца передают из поколения в поколение художественные стили лучших актеров и танцоров кабуки, живших в разные эпохи.

Современные направления в хореографии

В последние годы японские хореографы поставили ряд обработок западных пьес, включая «Фауста» и «Кармен», совмещающих технику японского классического танца с достижениями хореографии Запада. И хотя эти попытки все еще на стадии экспериментов, они, в частности, освободили искусство женского танца от жестких канонов японской традицинной хореографии, сделали женские партии более смелыми и экспансивными. Западное хореографическое искусство, широко изучаемое и популярное в Японии, не только оказало воздействие на развитие традиционного японского танца, но и испытало обратное влияние. Примеры этого влияния — балет «Кабуки», поставленный по классической пьесе театра кабужи «Ка-надэхон тюсингура» Морисом Бежаром и представляющий переработку классического репертуара кабуки, типа «Додзёдзи» и «Сагнмусумз», в стиле танца фламенко.

Танец играет огромную роль в культе синтоизма (кагура), а также в театрах но и кабуки (с. 20). Так, во всех более крупных синтоистских храмах есть подиум, положивший в XIV в. начало развитию театра но. Традиционные формы японского танца подчинены строгим каноническим правилам и характеризуются символизмом движений м жестов, без знания которых понять смысл действа практически невозможно. Непосвященному зрителю остается только восхищаться великолепными костюмами исполнителей и строгой ритмичностью музыки.

Противоположностью традициям стал возникший в 50-е гг. танец буто, шагнувший с тех пор далеко за пределы Японии и приобретший невероятную популярность. Экспрессивные позы, обозначающие опустошение души, грим, обнаженность тела и поиски границ возможного — всё это позволяет почувствовать другую сторону Японии, очень далекую от дзэн и конфуцианства.

Классический танец "Нихон буё"

Танец "Бугаку"

Танец "Буто"

Танцовщица при храме

Танец "Нэмбуцу-одори"

Шааби

Louise — Sun, 23 Jan 2011 18:30:06 GMT

Шааби

"Шааб" переводится как народ. "Шааби" - это народное.
Тоесть популяррый традиционный стиль. Весь египетский фольклор это шааби.
Если про отдельный стиль, то шааби это есть стиль белади.
Извесные певцы этого стиля Шаабан Абдурахим, Хассан Ласмар, Ахмад Адавэйя.
Ну и Хаким, но он уже более "модернизированный"

Шааби - это стиль в котором танцует весь Египет с пеленок, без какого либо танцевального образования.
Это то, что у египтян в крови.
Тоесть каких то движений характерных для этого стиля просто нет.
Шаги, движения руками и т.д. бессистемны вообще!
Самое важное то, что все движения идут за ТЕКСТОМ песни, а не за музыкой.

Shaaby
Айда Хассан

Шааби или щааби - танец в арабском народном стиле. "Шааб" - в переводе народ, простой люд. Это театрализованый танец, в нем обычно изображают то, о чем поется в песне. Может быть не весь текст, но ключевые слова, смысл, показываются обязательно. Этот танец может исполняться и под старый арабский "шансон" в традиционном народном стиле, где мужской голос звучит с характерной хрипотцой, иногда с особенным выговором, и под современные песни с использованием электронных инструментов. Можно различить и несколько вариантов стиля соответственно: более старый народный танец и городской шааби - уличный современный стиль, который очень популярен сегодня в Египте.

Шааби обычно исполняется в белой галабее, но сценический костюм допускает различные варианты и интерпретации народного платья. Шааби танцуют с покрытой головой, босиком, платье поддерживает кушак. Возможно использование различных предметов - корзины, кувшина, кальяна и т.д. Все зависит от фантазии танцовщицы, кушак можно развязать в течение танца, поиграть им, повязать на голову или опять вернуть на бедра. Особенно важно исполнителю создать и донести до зрителя особый настрой, задор и характер этого замечательного танца.
Материал с сайта http://bellyart.ru/index.php?showtopic=135.

Капоэйра

Gia — Sun, 23 Jan 2011 18:24:29 GMT

Бразильское национальное боевое искусство, сочетающее в себе элементы танца, акробатики, игры, и сопровождающееся национальной бразильской музыкой. Как боевое искусство отличается использованием низких положений, ударов ногами и, в некоторых направлениях, обилием акробатики.

Современная капоэйра, в отличие от её ранних форм, редко используется в боевых целях. Обычная практика — это бесконтактный бой, хотя существуют чемпионаты мира по полноконтактной капоэйре. Капоэйра — форма искусства, в котором традиции определяют порядок проведения встреч, внешний вид участников, музыку и аттестацию капоэйристов.

История капоэйры

Достоверные сведения о капоэйре начинаются с XVIII века, но, фактически, она зародилась несколько ранее. Согласно общепринятой версии, капоэйра возникла в Южной Америке благодаря чернокожим рабам, которых португальцы привозили из других колоний — Анголы, Мозамбика, Гвинеи, Конго. Вследствие жестокого обращения бразильских рабовладельцев часть рабов бежала в сельву, где африканская религия и культура встретилась с индейской. Беглые селились в киломбуш (ед.ч. — киломбу) — «вольных городах», из субкультуры которых и начала свое распространение капоэйра.

По разным сведениям, капоэйра ведет свое происхождение от:

* субкультуры африканского национального танца. Первоначально она не несла в себе боевого аспекта, который появился уже позднее, на территории Бразилии.
* африканского ритуального боевого танца «нголо» («n’golo»), являвшегося неотъемлемым атрибутом обряда инициации в южных районах Анголы, и изображавшего танец зебр — молодые воины вступали в ритуальный бой друг с другом.

Однако, несмотря на разные версии, качества танца в капоэйре присутствуют.

Развитие капоэйры в то время неразрывно связано с легендарным героем — Зумби, который стал для народа Бразилии символом сопротивления. Зумби дус Палмарес (порт. Zumbi dos Palmares) возглавлял один из крупнейших киломбуш — Киломбу дус Палмарес, который просуществовал в условиях правительственной блокады около семидесяти лет.
Происхождение названия

Споры относительно этимологии слова «капоэйра» не прекращаются до сих пор. Самые распространенные версии:

* слово «capoeira» происходит из языковой группы тупи-гуарани, к которой принадлежит язык индейцев тупи и означает «поле, заросшее кустарником, которое расчищалось выжиганием либо вырубкой»
* порт. capoeira — клетка для кур, а также место, где кормят кур.
* «capoeira» — искаженное звучание слов kipula/kipura из языка киконго (по версии исследователя народа баконго, учёного Фу-Киау Бунсеки (K. Kia Bunseki Fu-Kiau). По его информации, «…pula/pura означает „перепархивать с места на место“, а также „бить, драться“. Оба слова употребляются для описания движений петуха во время петушиных боев. Kipura в культурном контексте народа конго также означает человека, который в бою подражает движениям петуха во время петушиных боев…».

Разделение стилей

В 1930 году военный переворот изменил политическую ситуацию в стране. Капоэйра, как проявление народной культуры, оказалась в более благоприятном положении, став легитимным боевым искусством.
Капоэйра Режионал

В 1932 году открылась первая в истории официальная школа капоэйры. Её основателем был Местре Бимба (Мануэль душ Рейш Машаду). Местре Бимба основал новый стиль капоэйры, назвав его «Лута Режионал Байана» (порт. Luta Regional Baiana) или просто «Капоэйра Режионал». Он систематизировал наработанный опыт различных школ и улучшил технику преподавания. Придуманные им «8 последовательностей Бимбы» или же просто «последовательности» по сей день считаются азбукой обучения капоэйристов, практикующих режиональ и некоторые другие направления современной капоэйры[13]. Бимба разработал методики преподавания капоэйры, комплексы движений, ударов и контрударов руками и ногами. Капоэйра до Бимбы и после него — это два совершенно разных подхода к теории и практике этого боевого единоборства.

Капоэйра Ангола
Местре Кобра Манса — один из современных апологетов Капоэйры Ангола

Вторым человеком, сильно повлиявшим на современную капоэйру, был Местре Пастинья (Висенте Феррейра Пастинья). Его школа «Академия „Капоэйры Ангола“» (порт. Capoeira Angola) была открыта в 1941 году. Стиль мастера Пастиньи так и называется «Ангола», в честь места на Африканском континенте, откуда привозили рабов (по другой теории это название происходит от слова «нголо» (n’golo) — ритуального танца народов Африки). Если Местре Бимба придавал большое значение боевым аспектам капоэйры, то Местре Паштинья всегда подчеркивал её традиционно ритуальный и игровой характер.

Достаточно яркими представителями стиля Капоэйры Ангола являются:

* Местре Кобра Манса
* Местре Мораес

Капоэйра Контемпоранеа

Термин «Контемпоранеа» используется для групп, которые практикуют стиль Ангола, одновременно модернизируя его. Этот стиль является очень спорным, так как многие современные капоэйристы утверждают, что нельзя смешивать стили Ангола и Режионал, что ученик должен практиковать лишь один из них для того, чтобы полностью принять форму игры. Другие утверждают, что капоэйрист должен иметь навыки как традиционной, так и современной капоэйры и поддерживают тренировки в обоих стилях одновременно. В целом стиль Контемпоранеа является предметом множества споров среди капоэйристов.

Название «Контемпоранеа» также применяется к различным группам, которые не связывают себя ни с Местре Бимба, ни с Местре Паштинья.

На протяжении последних нескольких лет различные философии современной капоэйры выражались в создании различных школ, в частности в Северной Америке, которые создают и продолжают развивать их индивидуальную школу современного искусства. Это стало определяющей характеристикой многих школ, вплоть до того, что опытный ученик порой может определить, из какой школы происходит его соперник, судя лишь по стилю игры капоэйриста. Некоторые школы обучают смешанным техникам, основанным на сочетании нескольких стилей. Традиционно, роды в этих школах начинаются со стиля Ангола, во время которого местре или опытный ученик поет ладаинью (которую, как правило, можно услышать в начале игры в Капоэйре Ангола). Через некоторое время игра ускоряется и вскоре местре подает знак, после которого ритмы беримбау становятся традиционными для стиля Режионал.

Каждый из стилей, Режионал и Ангола, уделяют основное внимание различным свойствам и ключевым моментам. Режионал концентрируется на развитии скорости и быстроты рефлексов, в то время как Ангола делает упор на глубокую осмысленность каждого движения, практически как в партии шахмат. Школы, которые учат сочетать оба вида, преподают это как возможность использовать сильные стороны каждого из направлений в своей игре.

Капоэйра в Европе

Первое близкое знакомство Европы с капоэйрой датируется 1951 годом — европейским туром артистической труппы Companhia Brasiliana, за которой последовали другие — например Furacões da Bahia или Brasil Tropical, основанная мастером Камиза Роша. После этого отдельные специалисты получили возможность оставаться в Европе продолжительное время, обучая капоэйре или выступая с сольными номерами. Пионером европейской капоэйры считается Martinho Fiuza, приехавший в 1978 г. Следует отметить, что регулярное преподавание капоэйры в США началось всего на три года раньше — в 1975 г. мастером Jelon Vieira (школа Senzala) в Нью-Йорке. В 1980 г. в Германию прибыл Пауло Сикейра (Paulo Siqueira), это событие принято считать началом непрерывного развития капоэйры в Европе.

В 1987 г. состоялась первая летняя встреча Capoeira Summer Meeting, организованная Маркушем Чина (Marcos China) и группой Senzala в Париже. В ней приняли участие многие мастера из Бразилии: Peixinho, Toni, Garrincha и Sorrizo, а также уже закрепившиеся в Европе: Lua (Швейцария), Grande (Франция), Samara (Голландия). Через год в Париже была устроена ещё одна встреча.

С 1989 г. летний лагерь проводится в Гамбурге организацией Пауло Сикейры Capoeuropa. Эта шестидневная встреча является одним из крупнейших событий в календаре европейской капоэйры. Каждый день проходит от 6 до 9 занятий в трёх группах, дифференцированных по уровню подготовки. Дополнительно предлагаются факультативы по африканским танцам и игре на музыкальных инструментах.

Из других значительных ежегодных фестивалей можно выделить International Capoeira Angola Meeting (Берлин, Вена) и пасхальную встречу в Амстердаме.

Капоэйра в России

В 1996 году прошел первый семинар с участием нескольких бразильских мастеров капоэйры в клубе ИНБИ. Приезжали местре Но, местре Браулино, местре Гладсон, местре Вагиньо, местре Бандейра, местре Бахао.

С 1998 года в России зарегистрирована «Федерация капоэйра России» — организация, официально признанная Госкомспортом (свид. рег. № 1027746003010).

В 2002 году основана первая школа Капоэйра Ангола — «Capoeira Angola em Moscou», ныне «FICA-Moscou» — московский филиал Интернационального Фонда Капоэйры Ангола (Fundacao Internacional de Capoeira Angola), под предводительством Местре Кобра Манса.

В 2004 году была основана школа Real Capoeira, на данный момент крупнейшая в России. Она находится под руководством местре Эдана. 2008 году открылись детские группы, сейчас она имеет 22 филиала по всей Москве, также филиалы в Самаре, Казани, Санкт-Петербурге.

В 2005 году в России появился филиал Abada capoeira, одной из крупнейших школ капоэйры в мире, основанной в 1988 году местре Камизой.

В настоящее время на территории России существует множество различных школ капоэйры. Группы капоэйры открыты в Москве, Нижнем Новгороде, Санкт-Петербурге, Архангельске, Белгороде, Воронеже, Йошкар-Оле, Казани, Орле, Брянске, Краснодаре, Новосибирске, Ростове-на-Дону, Самаре, Челябинске, Череповце, Екатеринбурге, Тольятти, Оренбурге, Красноярске, Владивостоке, Уфе, Туле, Сургуте и многих других городах.
На конец 2006 года группы тесно общаются между собой, чему немало способствует и практика т. н. «свободных род», или Roda da Rua, то есть собраний капоэйристов из различных групп по собственной инициативе и с единственной целью попрактиковать капоэйру с относительно незнакомыми партнерами. Систематическое проведение таких мероприятий, по мнению многих участников, в достаточной мере образует саму общественную активность капоэйристов.

Остальное здесь: http://ru.wikipedia.org/wiki/Capoeira_Regional

Locking

Millamoonwalker — Sun, 23 Jan 2011 18:22:33 GMT

Locking — один из самых позитивных фанковых стилей танца, характеризующийся шуточной и даже комичной манерой исполнения.

Название «локинг» танец получил потому, что включает позиции, называемые «замками» (locks).
Его основы были заложены Доном Кэмпбеллом в ночных клубах Лос-Анджелеса в начале 1970-х годов.
Локинг быстро вошел в моду и стал гвоздем программы танцевального телешоу Soul Train.

Помимо особой манеры исполнения, локинг характеризуется наличием базовых движений, четко закрепленных традицией и исполняющихся всеми танцорами строго единообразно. Это быстрые «запирающие» (locking) и «указывающие» (pointing) движения, наряду с хлопками руками (slaps, claps, giving five) и шпагатами (splits).

Не менее важный критерий в фанковых стилях, и локинге в частности, — это умение танцора импровизировать и танцевать под конкретную музыку, играющую в данный момент. То есть, если в музыке случайно попадается пауза — танцор должен незамедлительно стать в лок или в другую позицию и замереть. Танцору, досконально изучившему все базовые элементы локинга, не составит большого труда импровизировать и комбинировать их.

Локинг включает в себя элементы акробатики и требует серьезной физической подготовки. Для исполнения движений типа knee drop и split (я ещё такого не делалапока опасно) необходимо надевать наколенники, по крайней мере, на тренировках. Также в локинге очень большую роль играет настроение. - это точно

Вот сёдня на тренировке у меня не было ваще никакого настроения, по этому иногда приходилось даже тупо стоять в сторонке и любоватса на учителя))

Локинг — это фанк, отражение фанка с помощью своего тела, движений и настроения. А фанк — это позитив, это взрывная энергетика. Локинг танцуется изначально под фанковую музыку, например под Джеймса Брауна (James Brown).

Базовые движения танца:

Lock — резкая остановка, основное движение танца. Чтобы его правильно сделать, нужно перенести вес на одну из ног, которая будет стоять на полной стопе, вторая чуть впереди на носке и согнута в колене, тело наклонено вперед, грудь вобрана в себя, а руки как будто поднимают тяжелый предмет. (обычное, но прикольное движение)

Pace — сложив кисти рук на манер бинокля, можно получить представление о правильной кисти в этом движении. Само движение представляет собой как бы удар в сторону, но с расслабленным запястьем, главное, чтобы кисть не разжалась. Делая pace, вы как бы отбиваете ритм.

Point — вы просто показываете на кого-то или что-то пальцем. Это движение появилось, когда над Доном в клубе посмеялась девушка, а он указал на нее пальцем. Point можно делать, указывая на кого-либо или что-либо, можно смотреть в ту сторону, можно не смотреть, можно указывать большим пальцем. Второе название движение обрело благодаря военным плакатам времен Вьетнамской кампании, на которых дядюшка Сэм указывал пальцем.

Одно из офигенных видео локинга. просмотр на моей странице - http://vkontakte.ru/video81722222_158922969

Ирландские танцы

Louise — Mon, 17 Jan 2011 09:39:19 GMT

Ирландские танцы

Первые сведения об ирландских танцах датируются XI в. С этого времени у нас есть первые данные о танцевальных вечеринках ирландских крестьян, которые называются feis, (произносится «феш»), однако описание самих танцев впервые появилось в середине XVI в. и было довольно пространным и неясным. Описанные ирландские танцы включали в себя групповые танцы, которые разделялись на «длинные» танцы (танцоры выполняли движения, стоя длинными шеренгами друг напротив друга), «круглые» танцы (исполняли фигуры, стоя парами по кругу), а также танцы с мечами. Не совсем ясно, какие из танцев, описанных в то время, были собственно ирландскими, а какие явно появились в Ирландии под влиянием французских и шотландских танцев. В любом случае это были скорее прародители современных сет-танцев и кейли танцев. Однако для всех древних ирландских танцев были характерны быстрый темп и приставные шаги. Некоторые танцы были настолько популярны, что пересекли море и были заимствованы англичанами. Так, часто упоминающийся английский деревенский танец Trenchmore — это ирландский Rince mor, то есть «длинный танец» в линию.

В ходе английской колонизации усиливались гонения на все проявления ирландской культуры. Карательные законы, которые были введены англичанами в середине XVII в. запрещали обучение ирландцев чему-либо, в том числе музыке и танцам. Поэтому на протяжении более чем 150-ти лет ирландским танцам учились тайно. Танцевальная культура существовала в виде тайных занятий, которые проводили в деревнях бродячие учителя танцев, (так называемые мастера танцев) и в виде больших сельских вечеринок, на которых люди танцевали в группах, часто под руководством тех же мастеров. Сохранились сведения о том, что на сельских вечеринках долгое время существовал обычай выставлять «в дозор» поодаль от остальных танцующих смышлёного мальчика-танцора. Завидев неприятеля, мальчик должен был сделать столько условных движений, сколько видел на дороге солдат, а дальше взрослые сами оценивали, насколько это опасно для их занятий. Также мастера танцев проводили занятия в переполненных пабах и просто на больших кухнях, стоя на столе или на днище большой бочки.

Появление мастеров танца в первой трети XVIII века положило начало современной танцевальной школе. Обычно щеголеватые мастера, одетые по последней моде, ходили из деревни в деревню, останавливаясь в одном из домов. Причём давать у себя приют учителю танцев считалось большим почётом. Мастер танцев обычно нанимался на месяц. На исходе третьей недели ему платили за обучение танцам, а в конце четвёртой недели платили аккомпанирующим музыкантам. Поэтому многие учителя танцев старались совмещать профессии танцора и музыканта, сначала показывая движения, а затем аккомпанируя своим ученикам на арфе или волынке, а позднее на скрипке. Каждый учитель собирал учеников в условленном месте и учил их простым «модным» танцам из своего репертуара. Именно благодаря мастерам танца появились известные нам формы джиги и рила. Все движения объединялись в танце в элементы, каждый был рассчитан на 8 тактов музыки и назывался «шаг» или «степ». Поэтому в отношении джиг и рилов, которые изначально преподавали мастера танцев, а позднее также и в отношении хорнпайпов употребляется термин «степ-танцы». Важно понять, что ирландские «степ-танцы» изначально связаны именно с «шагами»-элементами по восемь тактов, а не с «чечёткой» — ударами ногами в жёсткой обуви, что у нас принято понимать под словом «степ». Хотя, конечно, такие удары входят в «шаги» современных танцев в жёсткой обуви в виде движений. http://www.olgadance.ru/

Брейк-данс

Камилли — Mon, 17 Jan 2011 08:45:28 GMT

Брейк-данс или бибоинг (англ. breakdance) — уличный танец, одно из течений хип-хоп культуры.
Происхождение термина
Этот вид пластического искусства относится к культуре хип-хоп и внутри неё называется „брэйкинг“ (брейкинг, англ. breaking). Таковым он был задуман пионерами этого движения (Африка Бамбаатаа).
Термин «брейкдансинг» (англ. Breakdancing) создан музыкальными журналистами для удобства восприятия обывателями, поскольку в английском слово англ. breaking обозначает разные понятия и имеет отношение к разным культурам. По этой же причине (для чёткости идентификации) в самой среде хип-хоп стали использовать термин «B-boying», который происходит от слова B-boy (break-boy).

Чтобы различать танцоров-парней и танцовщиц-девушек, МС объявляли: «Би-бойз» (англ. B-boys) и «Би-гёрлз» (англ. B-girls). Слово «Би-боинг» обрело популярность в 80-х годах, когда оно стало достоянием общественности. Дэвид Туп (David Toop) описывает брэйкданс как адаптацию Брэйка (англ. Break), танца, бывшего популярным до того как его выместил Freak, но вновь поднявшегося на высоту благодаря таким исполнителям как Nigga Twins, Spy и Zulu Kings. Однако один из родоначальников хип-хопа, Dj Kool Herc утверждает, что слово breaking происходит от сленгового слова break, (дословно «пауза») так как, изначально, лучшие танцоры выходили в музыкальные проигрыши во время песни — паузы. Впервые слово «b-boy» употребил Dj Kool Herc, который так называл людей, исполнявших брейк-данс.

Разновидности брейкинга
Брейкданс, собственно, как танец представлен только одной формой — breaking (или b-boying). В нашей стране долгое время было принято разделять брейк-данс на «нижний» и «верхний», такое разделение родилось ещё в середине 80х годов прошлого века, когда сквозь железный занавес в нашу страну попадали лишь отрывистые сведения о брейк-дансе. Во многом, из-за отсутствия правдивой информации на территории СНГ долгое время развивался «верхний брейк», не существовавший нигде в мире более, поэтому западная танцевальная культура ушла далеко вперед.

Собственно то, что у нас называли «верхним брейком» представляет собой другую форму уличного танца, берущего начало не на Восточном побережье США, а на Западном. Эти танцы основаны на фанковой культуре Западного побережья и представлены стилями Поппинг, Локинг и Электрик бугалу (не путать с электрик буги!). Стиль локинг был придуман человеком по имени Дон «Campbellock» Кемпбелл, и получил развитие и известность при помощи созданной им команды The Lockers. Стили Электрик бугалу и Поппинг были созданы Семом «Boogaloo Sam» Саломоном и развиты в его команде «Electric Boogaloos».

Funkstyles
Animation — Стиль родился после появления в семидесятых годах многочисленных фильмов про Синдбада-морехода и им подобных, где использовалась специфическая техника кукольной анимации claymation. Движения анимированных персонажей получались не плавными, а прерывистыми. Иными словами, каждое движение делилось на множество мелких фаз с остановками, когда куклу перемещали или изменяли положение частей тела. Танцоры пробовали скопировать этот визуальный эффект, в результате чего и появился стиль animation.

Strobing — Имитаций движений в свете стробоскопа. Состоит из множества мелких фаз, остановок, с резкими переходами между ними. Важно то, что для легкого и правильного выполнения стиля мышцы должны быть расслаблены. Необходимо отработать жест сначала плавно и расслабившись, затем также плавно, но с полным напряжением мышц.

Dimestop — Даймстоп это как стиль, так и способ остановки, фиксации. Название произошло от американского «dime» — монета в десять центов, и «stop» — остановка. Объясняется это тем, что когда человек учился данному направлению, он разбрасывал вокруг себя монетки. Наступая во время движения на монетку, танцор на мгновение замирал. Таким образом, dimestop — это быстрая остановка всего тела или его части, но без какого-либо импульса либо толчка.

Floating/Gliding — Скольжение так же, является и отдельным стилем среди других funk styles, и отдельным движением. Всего существует более 40 его вариаций. Наиболее популярными являются glide — скольжение влево, вправо или по геометрической фигуре (кругу, квадрату), moonwalk Это, конечно, не считая всевозможных knee glides — скольжений на коленях. Здесь необходимо сделать отступление и провести четкую границу между gliding и floating. Все вышеописанное — это glides. Под floats же надо понимать ни что иное, как элементарную ходьбу «пятка-носок».

Waving — волны. Именно волны, в сочетании с фиксацией, у нас в стране и называют «электрик буги». Хотя, конечно, это не «буги», а вэйвинг — один из фанковых стилей. Основная его идея — имитация того, что по телу танцора перемещается волна, либо сгусток энергии. Вернее, это визуальный эффект, а не идея. В вэйвинге существует огромное количество подстилей.

3D — Информация по данному стилю весьма скупа. Можно лишь сказать, что 3D — это совокупность вэйвинга и стробинга, когда волна, идущая по телу, разбивается на большее количество точек.

Bopping — секретный стиль танцора Boppin' Dre (Andre), и команды LA Bopping crew. Ученики Боппин Дре основали команду, практикующую преимущественно это направление. Наиболее короткое определение гласит, что боппинг — это танцующий робот.

King tut (tutting) — примитивный арго king tut — сокращённое от «король Тутанхамон», изначально представлял собой имитацию древнеегипетских рисунков, изображавших людей в различных позах. Характерным являлось то, что во всех движениях соблюдаются прямые углы между телом и руками, плечом и предплечьем, предплечьем и запястьем. Ладони ровные (либо «лодочкой»), пальцы вместе, ноги либо вместе, либо под определёнными углами к корпусу.

Spiderman — это очень интересный стиль, в нашей стране пока ещё не освоеный. Что же такое, все эти «диджитс» и «спайдермэны»? Когда-то давно Poppin' Pete, родной брат Boogaloo Sam’а, основателя команды The Electric Boogaloos, создал стиль spiderman, суть которого заключалась в работе пальцами рук. Впоследствии Америку захлестнула волна рэйв-культуры, тогда и появились два стиля танца, не имеющие к фанку никакого отношения — один назывался «liquid», а другой «digits». Digits — это танец исключительно пальцами. То есть, ладони и пальцы выполняют определённые последовательности движений под музыку. Качественно исполненный, этот танец просто завораживает. К сожалению, на сегодняшний день, увидеть его можно только поискав в Интернете видеоклипы. В свое время существовали целые разделы, посвященные видео liquid и digits. Однако сейчас найти их не так просто. Finger waving говорит сам за себя — волны пальцами, в различных последовательностях и комбинациях. Внимание зрителя всегда непроизвольно охватывает не танцора целиком, а лишь отдельные части его тела. Очень большую роль здесь играют кисти и стопы.

Robot (botting) — именно этот стиль, в свое время, и сделал имя брейк-дансу в Советском Союзе (впрочем, это спорно). Одним из основоположников направления botting (robotting) является американский мим Роберт Шилдс. В семидесятых годах на телевидении существовало шоу, где двое талантливых артистов демонстрировали искусство пантомимы в различных сюжетах. Шоу называлось Shields&Yarnell (Ярнел — так звали партнершу Шилдса). Возможно эта телепередача — и не единственное, что послужило толчком к созданию танцевального направления, но, во всяком случае, она оказала просто огромное влияние на танцующую молодёжь. Возможно, как раз поэтому Роберт Шилдс считается чуть ли не живой легендой и пользуется огромным уважением среди людей, знающих историю фанковых стилей. Сам же он, будучи уже немолодым человеком, является владельцем дизайнерской компании, но выбирает-таки иногда время, чтобы показаться на крупных мероприятиях, наподобие Freestyle Session и Bboy Summit. «Робот» Шилдса — классический, и использует он как раз технику даймстопа, хотя по нынешним временам это и не обязательно. Секрет боттинга, как стиля, заключается в двух вещах. В технике это, конечно, изоляция. Все движения должны быть максимально изолированы друг от друга. «Изоляция» — термин пантомимы, и подробнее о нём можно прочитать в соответствующих источниках. Второй же секрет лежит в мироощущении. Существуют ещё некоторые важные детали. Внимание зрителя фиксируется не на теле в целом, а на таких вещах, как кисти, пальцы и, конечно, лицо (в частности, глаза). Поэтому вышеперечисленным частям тела и мимику необходимо уделять особое внимание.

Hitting/Ticking — оба этих термина имеют двойное значение. С одной стороны, они подразумевают то, что называется «фиксацией», то есть резкое сокращение мышц и, как следствие, сильно, или не сильно заметный толчок. С другой же стороны, «тикингом» можно назвать и свое направление в танце. Танцор использует резкие сокращения мышц не в начале или конце движения, а во время его. Иными словами, «тикинг» — это как бы строубинг, только плавный и с фиксацией.

Strutting — Страттинг — как стиль, подразумевает характерные перемещения, то есть движения ногами. Суть перемещений состоит в том, что полный шаг разбивается на несколько маленьких шажков. Например, танцовщик стоит, правая нога впереди, левая сзади, корпус посередине. При обычном шаге перенос веса тела на правую ногу и шаг левую на полную длину, так что она оказывается спереди, а правая сзади. Простейший страттинг будет подразумевать, что сначала надо приставитт левую ногу к правой, а уже потом шагнете вперед. Таким образом, ваш шаг делится на две части. Можно, конечно, поделить его и на более мелкие сегменты. Можно добавить сюда тикинг (фиксацию корпуса) или даймстоп на каждый мелкий шажок.

Saccin' (Sacramento style) — стиль зародился где-то в Сакраменто. Сэккин подразумевает характерные перемещения ногами, вместе с фиксацией. Поза «А»: правая нога сзади, левая впереди, корпус посередине, вес тела на двух ногах. Поза «Б»: все то же самое, только ноги поменялись местами — правая спереди, левая сзади, корпус остался на том же месте. В процессе шага сначала двигается та нога, которая впереди. Она становится назад, и тогда другая нога шагает вперед. Тело остается на месте, то есть шаги выполняются без непосредственного перемещения.

Filmore — Филмор как направление также берет свое название от улицы Filmore street. Точного описания этого стиля нет практически нигде. Филмор, выполняясь в процессе поппинга, подразумевает движения руками, с соблюдением четких углов. Ничего общего с Египтом у филмора нет. Руки либо прямые, либо согнуты под прямым углом. Приводилась аналогия с солдатами, марширующими с винтовками на параде.

Popping — поппинг является как отдельным стилем танца, и одновременно так называемым umbrella term, то есть общим термином для всех фанковых стилей. Хотя использовать его, как общий термин, все-таки некорректно. Popping, как один из фанковых стилей, подразумевает ритмичное сокращение всех основных групп мышц тела под музыку, создающее эффект вздрагивания. Свободное перемещение по танцполу, тело принимает в пространстве различные позы, положения. Процесс поппинга и сводится к смене различных поз под ритм наряду с попсовой фиксацией. Основная музыка для поппинга — это фанк. Поппинг имеет набор базовых движений, таких, как «fresno» и т. п. Сам по себе, в чистом виде, он совсем не похож на то, что привыкли понимать под «верхним брейк-дансом» в бывшем Советском Союзе. Тем не менее, поппинг — самый распространенный фанковый стиль. Создателем его является Сэм Соломон (Sam Solomon, основатель группы The Electric Boogaloos).

Boog (boogaloo) — Бугалу описывать чрезвычайно сложно, но этот стиль очень интересен. России этот стиль в баттлах объединили в electrickboogie, popping. Его отцом также является Сэм Соломон (Boogaloo Sam). Бугалу — очень плавный стиль, характеризующийся тем, что тело принимает неестественные позы, осуществляя плавные переходы между ними. Одними из базовых движений являются так называемые boogaloo rolls, дословно «перекаты». Под перекатами подразумевается вращение различных частей тела — ног (leg rolls), бедер (hip rolls), груди (chest rolls) и пр. Snaking — Стиль, включающий в себя несколько подстилей. Снэйкинг был создан во времена зарождения фанковой культуры членами команды Mysterious Poppers. Танцоры в этом коллективе имели в арсенале каждый свою версию снэйкинга. Наиболее распространенной из них, и, пожалуй, визитной карточкой всего стиля, стала «кобра». Это сложная, многосоставная волна. Смысл кобры в одновременном вращении головы, плеч (в разные стороны, одно по часовой стрелке, другое против), вращении груди (в сторону, противоположную голове), бедер, а также определённой работе ногами (когда во время вращения снизу оказывается правое плечо, сгибается правая нога, выводется, таким образом, колено вперед, а когда внизу левое плечо — наоборот).

Slowmo — Слоумо (сокращение от slow motion — замедленное движение) — это имитация замедленного воспроизведения видео или кинопленки. Слоумо смотрится очень эффектно при условии качественного выполнения. Наприphiopio\l'lмер, в какой-то момент танца можно резко замедлиться в ритм музыки и повторить уже выполненные движения, но только медленно, а потом резко ускориться, или наоборот, замедляться медленно и до полной остановки.

Виды элементов нижнего брейк — данса
Как таковой, нижний брейк (Breaking) делится на:

Стайл (Style)

Футворк — вид несиловых элементов, который исполняется на полу. К нему относится элементы Six-step, Scramble, Five-step, Babylove, Zulu Spin, Pretzels, CC, Swing, Buttslide и т. п.

Топрок — вид несиловых элементов. К нему относятся элементы Slide-step, Cross-step, Indian step и т. д.

Фризы — вид полусиловых элементов, замирания на пару секунд в одной позе. К этому виду относятся Baby freeze, Headstand freeze, Chair, Halo freeze и т. п.

Павермув (Powermove)

Силовые элементы. В основе это разнообразные кручения или прыжки. К этому виду относятся элементы Air Twist(Air Tracks), Elbow Air Twist(Elbow Air Tracks), Flare (Fly), Elbow Flare (Elbow Fly), Tommy Flare (Tommy Fly), 1990, 1999, 2000, Elbow 1990, Elbow 1999, Halo (Tracks), Windmills, Muchmills, Swipes, Airplane mills, Headspin, Turtle, Cricket, Jackhummer, Ufo, Alligator, Wolf и т. д.

Элементы нижнего брейк-данса
Flare/Delasal — в русском: флай — вращение ног по кругу, расставив уголком, поочерёдно меняя руки.

Windmill — в русском: гелик (от Helicopter) — Вращение на полу с широко расставленными ногами. Вращение происходит за счёт маховых движений ног. Переход через спину должен происходить через район лопаток, чтобы снизить вероятность повреждения позвоночника. После перехода с лопаток голова упирается в пол, рука упирается в пресс для возможности произвести следующий заход. Существуют разновидности этого элемента, один из которых заключается в установке положения рук за спиной и, как следствие, после перехода со спины руки не задействованы.

Muchmill — в русском: бочка — похожа на гелик, но переворачивание происходит прыжком при помощи толчка ногами, которые скрещены и прижаты к груди.

Headspin — вращение на голове — вращение происходит с помощью рук. Положение ног при этом может быть разным. Наиболее распространённое — с раздвинутыми ногами и согнутыми в тупой (или прямой) угол. Часто выполняется в сочетании с «геликом» и завершается каким-либо элементом (чаще всего в виде одной выпрямленной ноги и второй, проставленной поперёк колена, наподобие перевёрнутой «4»).

1990/ninety-nine — в русском: свеча — вращение на прямой руке, есть много вариантов расположения ног и второй руки.

2000\two-thousand — также называют свечой, но это вращение на двух руках. Также множество вариантов для ног.

Swipe — вращение тела на 180 градусов вокруг горизонтальной оси с отталкиванием от пола одной или двумя ногами и сменой опорной руки. Ключевые особенности этого элемента заключаются в сильном вымахе ноги или ног с одновременным скручиванием тела. Имеются разновидности этого элемента, один из которых заключается в постановке на пол локтей, а не кистей.

Turtle — в руccкоязычном варианте: черепашка — Горизонтальное вращение тела на согнутых руках, которые упираются локтями в пресс. Вращение заключается в перетаскивании тела с одного локтя, который упирается в определённую часть пресса (правую или левую), на другой опорный локоть с одновременным направлением тела в сторону движения

Air twist — один из самых сложных элементов. Движением рук, он очень схож с элементом Swipe, но главная особенность заключается в том, что ноги не входят в контакт с полом, они постоянно совершают маховые движения по окружности в воздухе, тем самым давая поддерживать тело в положении, близком к горизонтальному. Имеются разновидности этого элемента, один из которых заключается в постановке на пол локтей, а не прямых рук.

Cricket — элемент, который очень схож с элементом Turtle. В этом элементе вместо переноса центра тяжести тела с одного локтя на другой используется только одна рука, вторая же является направляющей. Первая рука делает толчок, и за счёт этого тело подпрыгивает. В этот момент кисть первой руки разворачивается и ставится на пол после чего вторая рука, упёршись в пол, прокручивает тело. Имеются разновидности этого элемента, один из которых заключается в использовании только одной руки для толчка и для прокручивания тела.

Sixstep — на русский переводится как Шесть Шагов. Называется он так, потому что состоит из шесть движений ног. Руки в данном элементе являются опорой. Идёт он против часовой стрелки, хотя зачастую это не принципиально. Происходит перемещение ног в разном положении, к тому же, переставляя ноги, их два раза надо скрещивать. В итоге получатся круговые пробежки ногами по полу.

Backspin — кручение на спине на 360 и более градусов с широко раставленными или скрещёнными ногами. Схож с Windmill прокрутом на лопатках.

Flare — (по-русски «флай») элемент схож с гимнастическим элементом «даласалом», то есть вращением на коне, только в этом случае на полу и с расставленными ногами.

Baby freeze — фриз, схожий с Turtle, но без вращения. В отличие от Turtle, голова опущена и одно колено держится на локте.

Air baby freeze — стояние на чуть согнутой в локте руке с поставленным на локоть коленом.

Air Chair — фриз, локоть упирается трицепсом в тазобедренную часть, ноги вместе и на себя, тело разворачивается как можно сильнее к полу, чтобы казалось, будто бибой стоит спиной к земле.

Drill — Один из видов хедспина, ноги выпрямляются вверх скрещены между собой, руки прижаты к плечам, или расставлены, но не касаются пола. B-boy быстро вращается, стоя на одной-только голове.

Это не все элементы бибоинга, танец безграничен и бибой в первую очередь индивидуален.
источник: www.ru.wikipedia.org

Мамбо

Louise — Sun, 16 Jan 2011 16:05:25 GMT

Мамбо (исп. mambo) — музыкальный стиль и танец Кубы, получивший также широкое распространение в латиноамериканских странах Карибского бассейна, а также в тех из латиноамериканских общин США, где преобладают выходцы из этих стран.

Мамбо, как и Румба, Сальса, Ча-ча-ча, родилась на Кубе. Слово «мамбо» произошло от имени бога войны, которому на Кубе в далеком прошлом был посвящен обрядовый танец.

Нынешняя форма Мамбо родилась в 40-е годы в результате слияния афро-кубинских ритмов и джаза, отцами которого стали Одилио Урфе и Арсенио Родригес.

Знаменитому кубинскому композитору Дамасо Переса Прадо (1916-1989) очень понравился новый ритм. Перес Прадо в своем оркестре увеличил количество духовых, и получилось новое звучание, и сразу же после появления на свет принялся завоевывать сердца тысяч людей по всему миру.

Музыка Мамбо очаровательна и разнообразна, она отличается четким ритмом. Первоначально она исполнялась как румба с замедлением в конце темпа, т.е. на 4 удар в ритме 4/4. Некоторые музыканты использовали ритм 2/4, замедляя соответственно 2-ой и 4-ый удар. Акцент основного шага на 2-ой удар соблюдают на бальных танцах.
(Материал из Википедии)

Джаз-модерн / Jazz Modern

Louise — Sun, 16 Jan 2011 14:56:27 GMT

Джаз-модерн/ Jazz Modern. Джаз и Модерн. Классическая хореография. Степ.

Джаз танец – имеет непосредственно африканские корни (фольклорный танец). Прежде чем пре-вратиться в сценическую форму, этот танец прошел громадный путь. История возникновения джаз танца начинается с XVIII века, когда искусство черного населения США получило равные права с искусст-вом белых американцев. Именно слияние “черного” и “белого” танцев дало толчок появлению сценической формы танца, который в последствие получил название джазовый танец. А произошло это в начале XX века. Джазовый танец был очень популярен, использовался в шоу и ревю, в мюзиклах и кинематографе, в варьете и драматических спектаклях. Его стилистика часто заимствовалась из бытового танца. Этому стилю танца чужды идеи и философия танца модерн, или изысканная романтичность и возвышенность классического балета. Джаз танец – прежде всего танец эмоции, энергии и силы. В пример можно привести таких известных исполнителей и педагогов-хореографов:

Джек Кул - считается отцом-основателем джазовой техники. Он был вдохновителем для Матт Маттокса, Боб Фосса, Джером Роббинса, Гвен Вердон и многих других хореографов.
Боб Фосс - знаменитый джазовый хореограф, создавший новую форму джаз-танца под влиянием ис-полнительства Фреда Астера и стилей бурлеск и водевиль.
Луиджи- танцор, создавший специальную технику разогрева (джазовый экзерсис, призванный под-готовить тело для танца) после того, как он стал парализован в автомобильной аварии.
Джером Роббинс- хореограф многих известных мюзиклов: Питер Пэн, Король и я, Скрипач на крыше, Смешная девчонка и Вестсайдская история Он также основал балетную труппу Ballets USA.

Детищем XX века стал танец Mодерн. Он имеет европейские корни, возник, прежде всего, как контракадемическая техника, как протест против засилья классического танца. И если исследовать корни возникновения этого направления, то можно заметить, что модерн возник как авторский танец, он не связан ни с фольклорным, ни с бытовым танцем – он сам по себе. И первые “пионеры” танца модерн – А.Дункан, М.Грэхэм, Д.Хэмфри, Т.Шоун, Э.Тамарис, Х.Хольм – были создателями своего собственного видения мира и выражения его через движение. Танец модерн прежде всего – это танец идеи и определенной философии. А движение изобретается в зависимости от того, что хочет выразить исполнитель. В дальнейшем каждый из вышеперечисленных хореографов и исполнителей создал свою собственную школу. Наиболее известными и используемыми многими исполнителями и педагогами стали две школы: М.Грэхэм и Д.Хэмфри. Последняя долгие годы проработала в труппе Х.Лимона, поэтому очень часто эту технику называют “техника Лимона”. Одним из основателей авангарда стал Мерс Каннинхэм, который создал свою школу, технику движения и свою хореографию, построенную на законе случайности. Множество хореографов последовали его примеру и стали создавать свои техники и свои школы. Так возник “пост – модерн”– это направление в танце, в котором нет определенной техники и какого – либо определенного стиля. Каждый художник не повторим и самобытен.

Что касаемо классического танца – он возник в XVI веке из историко-бытового танца. Классиче-ский танец стал видом хореографического искусства, со своей эстетикой, лексикой, а главное – школой, позволяющей воспитать исполнителей. Именно классический танец был первым видом танцевального искусства как сценической формы. В классическом танце на протяжении веков сложился определенный язык движений. Каждое движение или па в классическом танце носит свое название, в основном вся терминология этого танца – на французском языке, поскольку родиной классического танца – является Франция. И даже в этом танце существует достаточно много школ, которые по разному относятся к процессу подготовки и воспитания исполнителя. Мы знаем школы Вагановой Чекетти, Легата, Бурнон-вилля и многих других известных педагогов и хореографов.

В современном танце, особенно в джазе и модерне, каждый педагог практически создает свою школу. И ценность педагога и хореографа определяется именно его самобытностью и неповторимостью.

Одновременно с развитием танца модерн шло и развитее джазового танца. Именно из джазового танца выделился степ. И стал отдельным видом хореографического искусства.

Одновременно шел процесс все большего сближения джазового танца с танцем модерн и заимствования элементов и движений из классического балета. Так возник танец Джаз-модерн. Эта техника органически соединила ранее казалось несоединимые вещи – энергию, ритм, координацию, силу и ловкость джазового танца, идею и философию, свободный позвоночник, работу с дыханием и весом тела из танца модерн, и движения из классического балета, которые позволяют выработать устойчивость, шаг, выворотность, прыжок и вращение. Именно джаз модерн стал той уникальной техникой, которая позволяет воспитывать универсального исполнителя.

Однако сейчас наблюдается все больше микстовых танцевальных техник, которые объединяют все основные системы. Хореографы в своих постановках стараются найти, прежде всего, что-то новое, необычное: в независимости от лексической принадлежности. Хореограф мыслит движением, а поскольку профессиональные хореографы владеют множеством танцевальных техник – то процесс заимствования и соединения неизбежен. И поэтому возник термин контемпорари танец - направление, которое невозможно отнести к какому либо стилю или системе. Это естественный процесс интеграции. Поэтому сей-час не стоит ставить какие-то строгие рамки, главное творчество.

Материал взят из книги В.Ю.Никитина “Модерн-джаз танец. Методика преподавания” – М.:ВЦХТ(“Я вхожу в мир искусств”), 2002, 160с., ил.
http://www.jazz-modern.ru/index-10_JM.html

Спортивные бальные танцы

Louise — Sun, 16 Jan 2011 14:40:54 GMT

История 10 спортивных бальных танцев

Все 10 горячо любимых нами бальных танцев прошли очень непростую притирку за время их становления – первую половину XX века.

Главенствующую роль в создании и развитии спортивных бальных танцев сыграли учителя и танцоры Англии.
Именно Имперское Общество учителей танца (ISTD) в 1924 г. канонизировало 4 из 5 танцев европейской танцевальной программы (Стандарта).

К сожалению, Венский Вальс не попал в этот заветный квинтет по причине непонятной "нелюбви" британцев к нему.

Мировая общественность все равно обожает этот несравнимый по своему романтическому восторгу танец, который и выдал первый толчок к созданию современной танцевальной системы.

Более ранним толчком (до Венского Вальса) к развитию массового парного (дуэтного) танцевания стал возросший интерес людей к теме эротики в танце.

Появление великолепной музыки Адана и Делиба, именно вальсовых форм, породило начало неиссякаемого интереса к романтической музыке балетов "Жизель" и "Коппелия".
Сначала появился Венский Вальс

Чайковский, Штраус – и уже вся Европа взволнована этим задушевным, эмоциональным, волнительным танцем. Немецкий Лендлер – его предок. Однако у Французов на сей счет свои веские аргументы. Естественно, великая балетная Франция нашла в 15-16 веках формы парного вальсирования в своем танце Вольта, хотя признаем, что настоящий характер венскому вальсу был придан именно Лендлером, как и музыкальный размер в "три четверти" ("Вольта" – "три вторых").
Бальные танцы в 20-м веке

Интерес к поиску новых форм искусственным путем сочетался с представлением широкой публике народных танцев афро-латинского происхождения. Их увлекающая ритмическая структура вызывала самый живой интерес, с то время как оркестры активно пропагандировали и дополняли их собственными многочисленными трактовками.

Так , впоследствии, называемая "Европейская" программа (в просторечии – "Стандарт") начала свои первые шаги с фокстрота, который очень удачно сумел представить американский актер Гарри Фокс в 1914 г. в одном из водевильных шоу Нью-Йорка "Jardin Dance".
Используя элементы популярных танцев Регтайма, Шимми и Свинга, Гарри Фокс, усложняя ритмы основных шагов, добился небывалого интереса к новому танцу.

И уже к 1922 г. многие танцоры и педагоги создали развитый танец с множеством новосочиненных фигур – фокстрот. Параллельно они были перенесены на иной, "трех четвертной" ритм, и миру был представлен не менее интересен шедевр в виде Медленного вальса. А между тем темповые эксперименты оркестров и джаз-бандов спровоцировали танцоров привносить в более спокойный фокстрот прыжки, кики, размахивания руками и некоторые цепоцки ходов из танцев Чарльстон, Шимми и Черный Bottom.

К 1927 г. уже возникла необходимость прежний фокстрот называть Медленным.
Квикстеп же получил право на самостоятельную жизнь, и даже где-то поучаствовал в создании танцев Линди Хоуп.

Отметим особую привлекательность всех 3-х танцев (медленного фокстрота, вальса, квикстепа): необыкновенно мягкие скользящие движения, придававшие особую пластическую выразительность явно новой хореографии ХХ века.
Зарождение латиноамериканской программы

А между тем на Латиноамериканском континенте энергичная и эротичная Милонга (прообраз Танго) рвалась в Париж, где и произвела невиданный фурор в 1910 г.
Чрезмерная близость танцующих еще немало лет шокировала откровенной чувственностью, но мировой успех танго был уже предрешен.
Корни успеха Танго – в близости стилю фламенко и в частности – цыганскому танго, хотя иные версии приписывают Танго значительную долю родства и Кубинской Хабанере. Есть и Африканская версия: Тангано – танец рабов-негров из Африки.

Позднее Танго было переведено из латиноамериканских танцев (Латины) в Стандарт.

Еще драматичнее складывалась судьба ныне называемых латинских танцев (Латины). Показательно, что музыкальные веяния Рэгтайма в конце концов дали миру как стандартные, так и латинские танцы.
Если британцам понравилась более спокойная "белая" форма Рэгтайма (европейская сдержанность, закрытая позиция партнеров, возможность пластикой подменить излишнюю чувственность), то "черной" Америке естественно был близок джазовый темперамент рэгтайма; соответственно свободная позиция в паре и требуемая для этого высокая подвижность.

Излишняя грубость (агрессивность), вульгарность, эротическая распущенность – достаточно долго формировали и видоизменяли Джайв:
10-е года – рэгтайм
20-е года – свинг
30-е года – линди хоуп
40-е года – джегберг
50-е годы – буги-вуги, би-боп, рок.

Там же, на Американском континенте, подобно джайву, также медленно пробивалась Румба. Будучи изначально сексуальной пантомимой – она явно не могла иметь шансов на успех. Но активный интерес американцев и видоизменение ее прежде всего в сторону существенного приличия, а также слияния с Гуарачей и Кубинским балеро к 1925 г предопределило распространение на США, хотя и в ином ритмическом варианте.

Истинную же Кубинскую Румбу в 1947 г, как и Ча-Ча-Ча в 1952 г. перенес на европейский континент ведущий английский педегог Пьер Лавелл.

С 1955 г. оба бальных танца (Румбу и Ча-Ча-Ча) активно стали использовать в именно Кубинской ритмической версии.

Испанский Пасодобль, как и Венский Вальс, оказался мало любим Британцами.
Поэтому начало его распространения приходится на Францию 20-х – 30-х годов. Здесь он был особо популярен и получил, можно утверждать, французское танцевальное "восприятие".

Пасодобль – единственный из 10-ти бальных танцев, где существует сюжетность. В различных версиях можно услышать о корриде, о тореро, о быке и даже плащ Торро получил право на самостоятельную жизнь.
Не случайно последним мы рассказываем именно о самбе.

Самба – это лебединная песня латинской спортивной танцевальной программы (в просторечии – Латины).
Именно самбе выдано вечное право быть первой на конкурсах.
И хотя стандартизирована самба была последней (небезизвестным нам уже Пьером Лаваллем в 1956 г.) , тем не менее первый приход самбы в Европу состоялся еще в 1905 г. Раннее название самбы – Maxixe.

Второе нашествие самбы обустроил Фред Астер. Этот вариант Кариока с 1934 г. появился в Англии. И наконец, окончательно самба утвердилась в 50-х годах благодаря принцессе Великобритании Маргарет.

Самба невероятно интересна своей способностью впитывать практически любые южно-американские ритмы, необычайно зрелищна, динамична. Пластика этого танца просто завораживает.

С завидной регулярностью мы увлекаемся все новыми "самбами" – ламбадой, макареной. http://sportdance.ru/Istoriy....59.html

Википедия:

Бальные танцы — группа парных танцев, имеющая народные истоки и исполняемая на вечерах, балах, соревнованиях, которые проводятся в помещениях застеленных, как правило, паркетом, в специальной танцевальной обуви. Из огромного разнообразия как элитных (историко-бытовых), так и народных танцев в группу бальных попали танцы, характеризующиеся 2 признаками: все бальные танцы являются парными; пару составляют мужчина и женщина, танцующие с соблюдением физического контакта.
Из всех парных танцев для соревнований были отобраны танцы, наиболее интересные с точки зрения эмоционального и ритмического содержания музыки, танцы, в которых можно было создать наиболее глубокий и интересный художественный образ.

Синонимами словосочетания бальные танцы в настоящее время являются - спортивные бальные танцы и танцевальный спорт. Различное название одного и того же вида танца произошло по причине создания различных организаций. Например, Московская федерация спортивного танца или Московская федерация танцевального спорта.

Соревнования по бальным танцы делятся на 3 программы: европейскую, латиноамериканскую и десять танцев ("десятка").

В европейскую программу входят: английский (медленный) вальс, танго, венский вальс, медленный фокстрот и квикстеп (быстрый фокстрот). В латиноамериканскую: самба, ча-ча-ча, румба, пасодобль и джайв.

Фред Астер / Fred Astaire

Megie — Thu, 13 Jan 2011 11:44:35 GMT

Фред Астер (англ. Fred Astaire; настоящее имя Фредерик Аустерлиц, англ. Frederick Austerlitz); 10 мая 1899 — 22 июня 1987) — американский актёр, танцор, хореограф и певец, звезда Голливуда, один из величайших мастеров музыкального жанра в кино. Его театральная и кинематографическая карьера охватывает период в 76 лет, в течение которого Астер снялся в 31 музыкальном фильме. Его имя часто упоминается вместе с именем Джинджер Роджерс, с которой он снялся в 10 фильмах, перевернувших жанр музыкальной комедии.
Баланчин[1] и Нуриев[1] называли его величайшим танцором XX века. Кроме того, Фред Астер считается танцором, оказавшим наибольшее влияние на жанр мюзикла, в частности в кино и на телевидении. Американскиий институт кино назвал его пятым в списке величайших кинозвёзд в истории Голливуда.

Биография

Фредерик Аустерлиц родился 10 мая 1899 года в Омахе, штат Небраска, в семье иммигранта из Австрии.
Отец Фреда Астера был австрийским иммигрантом в США и исповедовал католицизм. Его мать родилась в США, но тоже была дочерью иммигрантов, на этот раз немецких. Она была лютеранкой.
Астер — это псевдоним, взятый Фредом и его сестрой Адель для их выступления в водевиле в 1905 году. Семейная легенда связывает его с неким дядей, которого якобы звали Л’Астер. Их выступления в водевиле продолжались с переменным успехом и перерывами, пока они не попали на Бродвей с пьесой «Over The Top» в 1917 году.
Некоторые источники утверждают, что брат и сестра Астеры промелькнули в 1915 году в фильме «Сверчок Фашон» с Мэри Пикфорд в главной роли, но это, к сожалению, недостоверно. В 1916 году Астер познакомился с Джорджем Гершвином, что положило начало долгой дружбе, оказавшей влияние на карьеру обоих артистов.
На протяжении 1920-х годов Фред и Адель появлялись на Бродвее и на лондонской сцене в таких спектаклях как «Lady Be Good», «Funny Face» и «Тhe Band Wagon», получив признание публики по обеим сторонам Атлантики. Их пара распалась в 1932 году, когда Адель вышла замуж за её первого мужа лорда Чарльза Кавендиша, сына герцога Девонширского. Фред продолжал свою успешную карьеру на Бродвее и в Лондоне со спектаклем «Весёлый развод» и присматривался к Голливуду.
Как рассказывает голливудский фольклор, отчёт о первой кинопробе Астера, ныне потерянный, как и сама кинопроба, якобы гласил: «Петь не умеет. Играть не умеет. Лысина. Немного танцует». Продюсер фильмов с участием Астера и Роджерс утверждал, что никогда не слышал о таком отчёте в 1930-х годах и что он появился много лет спустя. Сам Астер в интервью American Broadcasting Company (ABC), данным им в 1980 году, журналистке Барбаре Волтерс, сказал, что на самом деле в отчёте говорилось: «Играть не умеет. Залысины. Также танцует». Как бы там ни было, кинопробы оказались явно неудачными, но в 1933 году состоялся его кинодебют в успешной киноленте «Танцующая леди», где он играл самого себя и танцевал с Джоан Кроуфорд.
Актёр скончался 22 июня 1987 года от пневмонии.

Фильмография

1933 — «Танцующая леди» / Dancing Lady
1933 — «Полёт в Рио» / Flying Down to Rio
1934 — «Весёлая разведённая» / The Gay Divorcee
1935 — «Роберта» / Roberta
1935 — «Цилиндр» / Top Hat
1936 — «Следуя за флотом» / Follow the Fleet
1936 — «Время свинга» / Swing Time
1937 — «Потанцуем?» / Shall We Dance
1937 — «Девичьи страдания» / A Damsel in Distress
1938 — «Беззаботная» / Carefree
1939 — «История Вернона и Айрин Касл» / The Story of Vernon and Irene Castle
1940 — «Бродвейская мелодия 40-х» / Broadway Melody of 1940
1940 — «Второй хор» / Second Chorus
1941 — «Ты никогда не будешь богаче» / You’ll Never Get Rich
1942 — «Праздничная гостиница» / Holiday Inn
1942 — «Ты никогда не была восхитительнее» / You Were Never Lovelier
1943 — «До самого неба» / The Sky’s the Limit
1945 — «Иоланта и вор» / Yolanda and the Thief
1946 — «Безумства Зигфилда» / Ziegfeld Follies
1946 — «Синие небеса»/ Blue Skies
1948 — «Пасхальный парад» / Easter Parade
1949 — «Парочка Баркли с Бродвея» / The Barkleys of Broadway
1950 — «Три коротких слова» / Three Little Words
1950 — «Давайте потанцуем» / Let’s Dance
1951 — «Королевская свадьба» / Royal Wedding
1952 — «Красавица Нью-Йорка» / The Belle of New York
1953 — «Театральный фургон» / The Band Wagon
1955 — «Длинноногий папочка» / Daddy Long Legs
1957 — «Забавная мордашка» / Funny face — Дик Эйвери
1957 — «Шёлковые чулки» / Silk Stockings
1959 — «На берегу» / On the Beach
1961 — «В его приятной компании» / The Pleasure of His Company
1962 — «Тридцать три несчастья» / The Notorious Landlady
1964 — «Париж, когда там жара» / Paris — When It Sizzles
1968 — «Радуга Финиана» / Finian’s Rainbow
1969 — «Бег Мидаса» / Midas Run
1974 — «Ещё один разок» / Just One More Time (камео)
1974 — «Вот это развлечение!» / That’s Entertainment! (рассказчик)
1974 — «Вздымающийся ад» / The Towering Inferno
1975 — «Рёв льва снова» / The Lion Roars Again
1976 — «Вот это развлечение!, часть 2» / That’s Entertainment, Part II (рассказчик)
1976 — «Отважные доберманы» / The Amazing Dobermans
1977 — «Сиреневое такси» / Un taxi mauve
1981 — «История с привидениями» / Ghost Story
1985 — «Джордж Стевенс: Поездка кинопроизводителя» / George Stevens: A Filmmaker’s Journey (документальный)

Источник: Википедия